Bruce Museum
Hot Art in a Cold War:
Intersections of Art and Science in the Soviet Era
Opening: 27. January 2018 |
Exhibition: 27. January – 20. May 2018
1 Museum Drive
Greenwich, CT 06830-7157



Lev Nussberg (Russian, born Uzbekistan, b. 1937)
and Natalia Prokuratova (Russian, b. 1948)
Altar for the Temple of the Spirit (Sketch for the Creation of an Altar at the Institute of Kinetics), 1969-1970, Tempera and photocollage on paper, 24 5/16 x 34 in.
Collection Zimmerli Art Museum at Rutgers University, Norton and Nancy Dodge Collection of Nonconformist Art from the Soviet Union, 2003.0154/25274
Photo by Jack Abraham



Bruce Museum’s provocative new exhibition Hot Art in a Cold War: Intersections of Art and Science in the Soviet Era examines one of the dominant concerns of Soviet unofficial artists—and citizens everywhere—during the Cold War: the consequences of innovation in science, technology, mathematics, communications, and design. Juxtaposing art made in opposition to state-sanctioned Socialist Realism with artifacts from the Soviet nuclear and space programs, Hot Art in a Cold War touches upon the triumphs and tragedies unleashed as humankind gained the power to both leave the Earth and to destroy it.

Produced from the 1960s to the 1980s, the works on view address themes of international significance during a turbulent period marked by the ever-escalating competition for nuclear supremacy and the space race. Creative interpretations of these key historical events and their repercussions are presented here through nearly 40 works by 17 artists from the former Soviet republics of Estonia, Latvia, Ukraine, and Russia.

The Hot Art in a Cold War exhibition, which continues through May 20, explores the anxious realities and utopian fantasies of everyday Soviet life in the second half of the twentieth century through a variety of media, from documentary photographs and surrealist abstractions to hyperrealist paintings and kinetic sculptures. Kinetic artists in Russia and Latvia directly synthesized art and science in their works, often forming groups to collectively envision and even build immersive installations that offered viewers glimpses into unknown futures.

As science became a proxy battlefield for the struggle between the USSR and the United States, the Soviet space program achieved a long string of successes, including launching the first artificial satellite, first animal, first human, and first space station into orbit. This exhibition features artifacts representing these breakthroughs, including an unlaunched backup of Sputnik, a replica of the spacesuit worn by the first space dog Laika, and equipment from the Salyut space station program. The darker side of this Cold War competition is seen in examples of nuclear fallout equipment and specimens from Chernobyl.

“The Bruce Museum prides itself in being a museum of both art and science and in finding the interconnections between the two,” says Dr. Daniel Ksepka, Bruce Museum Curator of Science and co-curator of the exhibition. “Hot Art in a Cold War is a perfect example of this unique focus. Visitors will see how the triumphs of the space program and anxieties about nuclear arms were captured by period artists. Likewise, many of the scientific objects are works of art in their own right. The elegance of Sputnik, for example, is as striking and undeniable as its impact on the space race.”



Boris Mikhailov (Ukrainian, b. 1938)
Untitled from the series Sots Art, 1975-1990
Gelatin silver print hand-colored with aniline dyes on paper
Sheet: 23 9/16 x 19 3/4 in., image: 16 9/16 x 17 1/8 in.
Collection Zimmerli Art Museum at Rutgers University, Norton and Nancy Dodge Collection of Nonconformist Art from the Soviet Union, 2000.1131/01773
Photo by Peter Jacobs.
© 2017 Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn



“This exhibition is very timely, as we see history repeating itself in the connection between the ‘official’ behaviors of the Cold War and today’s ongoing wars and political conflicts, not to mention the ever-increasing role that technology plays in our everyday lives,” adds Ksenia Nouril, exhibition co-curator.

Hot Art in a Cold War is an expanded version of an exhibition organized at the Zimmerli Art Museum, Rutgers University, New Brunswick, N.J., by Ksenia Nouril, Dodge Fellow, Zimmerli Art Museum and PhD Candidate, Department of Art History at Rutgers. The exhibition at the Zimmerli and Ms. Nouril’s fellowship have been supported by the Avenir Foundation and the Andrew Mellon Foundation.

“While the exhibition focuses on two main events of the Cold War—the nuclear arms and space races—museumgoers could place it within the context of a number of other related historical flash points, from the building of the Berlin Wall in 1961 to tearing it down in 1989, the Cuban Missile crisis in 1962, the Soviet-Afghan War (1979-1989), and the current crises in eastern Ukraine, Syria, and elsewhere,” Nouril explains.

A majority of the artworks on loan are from the Norton and Nancy Dodge Collection of Nonconformist Art from the Soviet Union, which is housed at the Zimmerli Art Museum. The late Norton Dodge (1927-2011), an American economist, began collecting Soviet unofficial art during the Cold War, making several trips to the Soviet Union starting in 1955. He amassed one of the largest collections of this kind of art in the world.

Approximately 20,000 works from his collection were transferred to the Zimmelri in the 1990s. In this way, the Dodge Collection is very much a product of the Cold War, which pitted American capitalism against Soviet communism. Certain artworks in this exhibition, such as Aleksandr Zhitomirsky’s Ferocious Appetite (1969), focus on this fierce competition between these two nations. Other works, such as Valdis Celms’ Positron (1976) and Francisco Infante-Aranas’ Spirals, reveal the extent to which Soviet nonconformist artists were also inspired by the advancements in science that fueled military-industrial complexes on both sides of the Atlantic. As unofficial artists who were not sanctioned by the state, they playfully and ironically depicted the positives and negatives of the effects of science, technology, and telecommunications in their works, such as Erik Bulatov’s The Soviet Cosmos (1977).

Although advancements in nuclear energy and space exploration gave great hope, they also came at a steep price, taking their toll on the Soviet economy, environment, and quality of life. Unofficial artists communicated their desires and fears by reimagining their earthly environments and conjuring unexplored worlds. Hot Art in a Cold War captures the direct and indirect intersections between art and science during this historically significant period of geopolitical tension that remains relevant today.

For support of this exhibition, the Bruce Museum thanks the Charles M. and Deborah G. Royce Exhibition Fund; the Connecticut Office of the Arts; a Committee of Honor, chaired by Jacqueline and Arthur Walker and Deborah and Alan Simon; and media sponsor WSHU Public Radio Group.

Related Programs:
Sundays, February 11, 25, 1:00 – 3:00 pm.
Science Sundays. A drop-in program designed for children ages 4 and up and their families. Participants will explore simple science concepts and subjects while partaking in fun, kid-friendly experiments, projects and crafts inspired by the Museum’s collections and exhibitions. Free with admission and no advance registration is required.
February 11: Space Race Rocket Building;
February 25: Patriotic Plane Design.

Tuesday, February 13, 6:30 – 8:00 pm.
Science Lecture. Out of the Secret World: Cosmic Visions in the Soviet Imagination. Dr. Asif Siddiqi, space historian and professor at Fordham University, specializes in the history of science and technology and modern Russian history. He has written several books on the history of space exploration. Reception at 6:30 pm; talk 7:00 – 8:00 pm. Admission in advance: Free for Bruce members and students (with valid ID), $15 for nonmembers. At the door: $10 members, $25 nonmembers. Reservations at

Thursday, February 22, 10:30 am – 12:15 pm.
Science Film. The Battle of Chernobyl. Documentary about the 1986 nuclear disaster. Advance reservations required at Free for Bruce members, $10 for non-members (includes Museum admission).

Tuesday, February 27, 6:30 – 8:00 pm.
Evening Lecture. Building Dreamworlds, Facing Catastrophes: Art, Science and the Cold War, by Ksenia Nouril, Dodge Fellow, Zimmerli Art Museum and PhD Candidate, Department of Art History, Rutgers, The State University of New Jersey. Nouril will examine how artists in the Soviet Union responded to advancements in the sciences during the late Cold War period (1960s-1980s). Highlighting several key works of art from the exhibition Hot Art in a Cold War: Intersections of Art and Science in the Soviet Era, Nouril will show how artists working in the Soviet republics of Russia, Ukraine, Estonia, and Latvia were both directly and indirectly inspired by science, math, engineering, and design. The paintings, sculptures, photographs, and drawings they produced make prescient proposals that are still applicable to our world today. Reception at 6:30 pm; talk 7:00 – 8:00 pm. Admission in advance: Free for Bruce members and students (with valid ID), $15 for nonmembers. At the door: $10 members, $25 nonmembers. Reservations at

Wednesday, March 7, 10:30 – 11:30 am.
Film.The Russian Concept: Reflections on Russian Non-Conformist Art. (56 minutes) Directed by Igor Sopronenko. The documentary explores non-conformist Russian art through interviews and documentary footage and tells the story of art collector Norton Dodge whose efforts have resulted in the largest collection of Russian-Soviet non-conformist art in the world. Advance reservations required at Free for Bruce members, $10 for non-members (includes Museum admission).

Thursday, March 8, 6:00 – 8:00 pm.
An Evening with Corey Flintoff, former NPR correspondent based in Russia
and ex-Soviet countries. Reception at 6:00 pm; talk at 6:30 pm. $35.
Reservations required at

Sunday, March 11, 1:00 – 3:00 pm.
Science Sunday: Moon Rover Models
A drop-in program designed for children ages 4 and up and their families. Participants will explore simple science concepts and subjects while partaking in fun, kid-friendly experiments, projects and crafts inspired by the Museum’s collections and exhibitions. Free with admission; no advance registration is required.

Tuesday, March 13, 6:30 – 8:00 pm.
Marianne Smith Memorial Lecture. Sweet Ideology of Soviet Space Dogs during Cold War by Dr. Olesya Turkina, Senior Research Fellow at the State Russian Museum, St. Petersburg. Reception at 6:30 pm; talk 7:00 – 8:00 pm. Admission in advance: Free for Bruce members and students (with valid ID), $15 for nonmembers. At the door: $10 members, $25 nonmembers. Reservations

Wednesday, March 14, 10:30 – 11:30 am. Film.
In Search of a Lost Paradise. (52 minutes, Russian with English subtitles).
This award-winning documentary recounts the story of Russian artist Valentina Kropivnitskaya and her husband Oskar Rabin, who, in 1974, organized a prohibited open-air art exhibition that was destroyed using KGB bulldozers. The film highlights the struggle of living under a totalitarian regime while attempting to retain personal and artistic freedoms Advance reservations required at Free for Bruce members, $10 for non-members (includes Museum admission).



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Neue Galerie Graz
Shirin Neshat
Frauen in Gesellschaft
Eröffnung: Mittwoch, 17.01.2018 | 19 Uhr
Kuratiert von Holger Kube Ventura
Koordination vor Ort: Günther Holler-Schuster
In Kooperation mit der Kunsthalle Tübingen
Ausstellung: 18.01.- 22.04.2018
Joanneumsviertel, Zugang Kalchberggasse
8010 Graz, Österreich



Shirin Neshat, “Women of Allah”, 1993-1997,
Courtesy of the artist and Gladstone Gallery, New York and


Die im Iran aufgewachsene und in den USA lebende Künstlerin Shirin Neshat (geb.1957) nimmt eine zentrale Position im Diskurs um das Verhältnis zwischen Orient und Okzident ein: Ihre Fotografien und Videos kreisen um die Lage von Frauen in
muslimisch geprägten Gesellschaften und um Widersprüche zwischen westlichen und
orientalischen Kulturtraditionen. Neshat wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet
und ihre Werke waren weltweit in Einzelausstellungen und Biennalen zu sehen. Die
große Übersichtsausstellung in der Neuen Galerie Graz führt nun wichtige Werke aus
allen Schaffensphasen von Shirin Neshat zusammen, von den berühmten ikonischen
Schriftfotografien der 1990er-Jahre über die Mehrkanal-Videoinstallationen bis hin zu
monumentalen Werkblöcken wie The Book of Kings von 2012 und Neuproduktionen der
Jahre 2016/17 – Roja und Sarah aus der Trilogie Dreamers.

Der programmatische Ausstellungstitel Frauen in Gesellschaft adressiert zwei im Œuvre
der Künstlerin stetig wiederkehrende Themen: die Rolle der Frau im Iran und die
traumatischen Nachwirkungen von diasporischen Erlebnissen, die eine Frau für den Rest ihres Lebens prägen können und in deren Gesellschaft sie sich also fortan befindet. Beide Themen umkreist Shirin Neshat mit ihrer Kunst in poetischer, geheimnisvoller Ambivalenz – oft entlang einer nonkonformistischen oder rebellischen Hauptakteurin.
Die poetische Bildsprache knüpft auch an die starke Tradition der persisch-iranischen
Mythen und Märchen an. Traumartiges und Mythisch-Archaisches schließt sich gerade in den neuesten Arbeiten der Künstlerin zu traumartigen Visualitäten zusammen.
Shirin Neshat arbeitet eng mit anderen Künstlerinnen zusammen bzw. bezieht sich auf
deren Werke, vor allem feministische Dichterinnen wie Forugh Farrochzad (1935–1967),
Tahereh Saffarzadeh (1936–2008) oder Shahrnush Parsipur (*1946). All diese Frauen sind
Intellektuelle, deren Poesie von den islamischen Machthabern wegen ihrer nach Freiheit
strebenden Themen zensiert wurden. Texte dieser Autorinnen verwendet Neshat auch
direkt in ihren Fotoarbeiten.



Shirin Neshat, „Ohne Titel“, 1996 (Aus der Serie: „Women of Allah“, 1993-1997),
Silbergelatineabzug und Tinte, 166 × 122 cm, Neue Galerie Graz, Foto: Universalmuseum Joanneum/N. Lackner © Shirin Neshat, Courtesy: die Künstlerin und Gladstone Gallery, New York und Brüssel


Neueste Arbeiten Neshats erstmals in Österreich zu sehen
Die Neue Galerie Graz übernimmt die von Holger Kube Ventura konzipierte Ausstellung
von der Kunsthalle Tübingen. Auswahl und Anzahl der Werke sind identisch. Es handelt
sich dabei um die bereits legendär gewordene Fotoserie Women of Allah aus den Jahren
1993 bis 1997 und um die weithin bekannten Videos Turbulent, 1998, Rapture, 1999, und
Fervor, 2000. Während Neshat in dieser Phase ihres Schaffens sehr deutlich auf
Probleme der kulturellen Identität und der Rolle von Frauen, nicht nur im islamischen
Kontext, fokussiert, reflektieren ihre späteren Videoarbeiten Roja, 2016, und Sarah, 2016,
traumartige, sehr subjektive Zustände. In der monumentalen Fotoserie The Book of Kings, 2012, spielt die Künstlerin auf Entwicklungen im Zusammenhang mit dem Arabischen Frühling an. Die ambivalent bleibende Zuweisung in die Masse, die Patrioten und die Schurken spielt dabei eine große Rolle. Wer ist wer, in welchem Kontext? Die persisch-iranische Geschichte bleibt dabei als Hintergrund zwar vorhanden, der Inhalt öffnet sich aber in diesem Werk hin zu einer Allgemeingültigkeit. Der archaische Grundton der Fotoserie Book of Kings schließt eine modernistisch-gegenwärtige Leseweise nicht aus. Wieder verbindet sich zeitlich weit Auseinanderliegendes mit Gegenwärtigem bzw. mit der aktuellen Politik. Diese neuesten Arbeiten der Ausstellung waren noch nie in Österreich zu sehen.

Women without Men
Auch Shirin Neshats Kinostreifen Women without Men, 2009, wird Thema in der
Ausstellung sein. Darin schildert sie die subjektiven Schicksale von vier iranischen
Frauen, die nach Alter und sozialer Herkunft sehr unterschiedlich sind. Die Folie für diese Erzählung bildet erneut die Geschichte des Iran – diesmal die Ereignisse um den
Militärputsch von 1953. Der Film wird im Rahmen der Ausstellung im KIZ RoyalKino sowie zu angegebenen Zeiten auch in der Neuen Galerie Graz zu sehen sein.
In Shirin Neshats Fall wird klar, dass der Kampf der Kulturen keine ausschließlich
moderne Erfindung ist. Dieses Phänomen begleitet vielmehr die ganze
Menschheitsgeschichte – ist also elementar. Der Konflikt, der Zusammenprall ist nur eine
Form des Kontaktes zwischen Zivilisationen. Eine zweite, viel häufiger auftretende Form
ist der Austausch, zu dem es innerhalb einer Konfliktsituation oft gleichzeitig kommt. So
relativiert sich auch der Begriff des „Anderen“, der in immer stärkerem Maße auch in uns selbst spürbar wird. Innerhalb einer hochkomplexen globalisierten Welt werden wir als die aus dem westlichen Abendland Kommenden neu mit diesem Phänomen konfrontiert. Wir sind in vielfacher Hinsicht auch zu „Anderen“ geworden – bzw. existiert Wesentliches vom „Anderen“ selbstverständlich auch in uns.


Shirin Neshat
Frauen in Gesellschaft

Die Übersichtsausstellung in der Neuen Galerie Graz führt wichtige Werke aus allen Schaffensphasen zusammen. Der Ausstellungstitel Frauen in Gesellschaft adressiert zwei im Œuvre der Künstlerin wiederkehrende Themen: die Rolle der Frau im Iran und die traumatischen Nachwirkungen von diasporischen Erlebnissen, die eine Frau für den Rest ihres Lebens prägen können und in deren Gesellschaft sie sich also fortan befindet.



Harper’s Bazaar Quelle: Harper’s Bazaar


Shirin Neshat
Shirin Neshat (geb. 1957) nimmt eine zentrale Position im Diskurs um das Verhältnis zwischen Orient und Okzident ein: Ihre Fotografien und Videos kreisen um die Lage von Frauen in muslimisch geprägten Gesellschaften und um Widersprüche zwischen westlichen und orientalischen Kulturtraditionen.

In Kooperation mit Kunsthalle Tübingen


Neuen Galerie Graz
Shirin Neshat. Frauen in Gesellschaft
Joanneumsviertel, Auditorium im Foyer
Shirin Neshats Spielfilm Women without Men (2009)
Sonntag, 21. Jan 2018 | 11 Uhr
Sonntag, 04. Februar 2018 | 15 Uhr
Sonntag, 08. April 2018 | 15 Uhr
Sonntag, 22. April 2018 | 15 Uhr
Ausstellung: 18.01.- 22.04.2018
Joanneumsviertel, Zugang Kalchberggasse
8010 Graz, Österreich


KIZ RoyalKino
Shirin Neshat. Frauen in Gesellschaft
Sonntag, 18. Februar 2018 | 11:30 Uhr
mit einer Einführung durch
Kurator Günther Holler-Schuster
Sonntag, 04. März 2018 | 11:30 Uhr
Sonntag, 18. März 2018 | 11:30 Uhr
Conrad-von-Hötzendorf-Straße 10, 8010 Graz


Welthaus Diözese Graz-Seckau
Shirin Neshat | Frauen in Gesellschaft
„Iran verstehen
Vortrag mit Dr. Gerhard Schweizer
Mittwoch, 24. Jänner 2018 | 19 Uhr
Barocksaal, Bürgergasse 2, 8010 Graz




Die „Islamische Republik Iran“ wird immer mehr zu einer dominierenden Regionalmacht im Vorderen Orient. Was sind die Folgen für die Weltpolitik? Bedeutet die islamistische Herrschaft eine Bedrohung für die Nachbarstaaten und erst recht für den Westen? Oder kann der Iran eine konstruktive Vermittlerrolle im explosiven Spannungsherd des Nahen Ostens einnehmen?

Der Kulturwissenschaftler Dr. Gerhard Schweizer war 1964 das erste Mal im Iran, aktuelle Eindrücke gewann er bei seiner letzten Reise im Herbst 2016. Er schildert, dass religiöser und kultureller Pluralismus stark an Boden gewinnen – und sich damit die Spannungen zwischen radikal-islamischen Ideologen und Reformern gefährlich zuspitzen. Und er zeigt, dass die widersprüchlich erscheinenden Umbrüche in der Gegenwart nur vor dem Hintergrund einer reichen kulturellen Tradition zu verstehen sind, die im Westen weitgehend unbekannt ist.
Eine Veranstaltung in Kooperation mit: Katholische Stadtkirche Graz, Pro Oriente, Missio, ETC Graz, Afro-Asiatisches Institut Graz, Katholisches Bildungswerk, Institut für Ökumenische Theologie der Karl-Franzens-Universität Graz, Katholische Hochschulgemeinde.

Neue Galerie Graz
Shirin Neshat
Frauen in Gesellschaft
Kuratorenführung mit Günther Holler-Schuster
Sonntag, 04. Februar 2018 | 11 Uhr
Sonntag, 22. April 2018 | 11 Uhr
Ausstellung: 18.01.- 22.04.2018
Joanneumsviertel, Zugang Kalchberggasse
8010 Graz, Österreich




Neue Galerie Graz
Shirin Neshat
Frauen in Gesellschaft
Gespräch mit der in Graz lebenden,
iranischen Künstlerin Maryam Mohammadi
Samstag, 10. März 2018 | 15 Uhr
Ausstellung: 18.01.- 22.04.2018
Joanneumsviertel, Zugang Kalchberggasse
8010 Graz, Österreich

Neue Galerie Graz
Shirin Neshat | Frauen in Gesellschaft
„FILTERCAFÈ: Bild der Frau“
mit Monika Holzer-Kernbichler und Verena Borecky
Freitag, 16. März 2018 | 15 Uhr
Ausstellung: 18.01.- 22.04.2018
Joanneumsviertel, Zugang Kalchberggasse
8010 Graz, Österreich




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Reading de Chirico
Vernissage: 27 January 2018 | 3pm – 10pm
Exhibition: 30 Jan – 24 Feb 2018
Passage de Retz, 9 rue Charlot, 75003, Paris, France





Painting is a magical art, it is the fire set alight by the final rays in the windows of a rich dwelling as in those of a humble hovel, it is the long mark, the humid [damp] mark, the fluent and still mark etched on the hot sand by a dying wave…

Following the success of Reading de Chirico at Tornabuoni Art London – the first exhibition ever to present the artist’s paintings alongside his writings – Tornabuoni brings this unprecedented show their Paris gallery for one month only.

The paintings of Giorgio de Chirico are among the most iconic and influential of Italian 20th-century art. He was a forerunner of the Surrealist movement and the Scuola Metafisica. However, few know about the artist’s prolific literary legacy. This exhibition — eight years after de Chirico’s first retrospective in France at the Centre Pompidou — will show over 25 works spanning the artist’s entire career, alongside original manuscripts that offer unique insight into the pictorial world of Giorgio de Chirico.

This exhibition includes de Chirico’s art criticism, poems, prose and love letters, enabling visitors to find a new reading of de Chirico’s famous works through his own words. The show also sheds light on the artist’s unusual artistic career, which began with the more radical and much admired metaphysical period and evolved into a more “baroque”, painterly style.

Following the Reading de Chirico exhibition at Tornabuoni Art London, which was curated by Katherine Robinson, member of the scientific committee of the Giorgio and Isa de Chirico Foundation in Rome, the Paris show also represents the different themes explored by the artist throughout his career: Italian Piazzas, Horses and Horsemen, Portraits, Still Lifes, Mythologies and Mannequins.

Highlights of the exhibition include the early metaphysical painting La grande tour (The great tower) from 1915 and a Nude from 1930, which Tornabuoni is proud to announce has recently been identified as a portrait of de Chirico’s lover Cornelia. These key works will be exhibited alongside writings in de Chirico’s own hand, including excerpts from Hebdomeros, a novel written by the artist in 1929 that reveals much of his creative universe.

Reading de Chirico at Tornabuoni Art Paris is accompanied by an original scholarly catalogue, edited by Katherine Robinson with texts by Dr. Gavin Parkinson, Senior Lecturer in 20th-century European Art at the Courtauld Institute of Art, London, and an expert in Surrealism. This publication includes a selection of the artist’s writings (1919-1945).





Giorgio de Chirico (Volòs, 1888 – Rome, 1978)

Born in Volos, Greece, in 1888 of Italian parents, Giorgio de Chirico was encouraged to pursue drawing and painting from an early age. After studying at the Polytechnic school of Athens, de Chirico attended the Academy of Fine Arts in Munich from 1906 to 1909. He painted his first metaphysical work The Enigma of an Autumn Afternoon in Florence in 1910. He exhibited for the first time in Paris in 1912 and met poet Guillaume Apollinaire and Paul Guillaume, his first art dealer. In Ferrara, during the First World War, he developed the Metaphysical Interior theme and met artists Carlo Carrà and Filippo de Pisis. His canvases proved popular with many Surrealist artists – their eerie silence and dream-like quality resonating with the artistic ambitions of the Surrealists.

In the early 1920s, de Chirico focused his interest on painting technique and the Old Masters in Rome. He wrote numerous articles for art publications such Valori Plastici.

De Chirico attracted criticism from the avant-garde art world as he adopted more a more traditional style and technique, painting mythological subjects and landscapes. He returned to Paris in 1925, where he developed themes such as the Archaeologists and the Gladiators. His change of style led the Surrealists to renounce him definitively.

Founded in Florence in 1981 by Roberto Casamonti, in the street that gave the gallery its name, Tornabuoni opened other exhibition spaces in Crans-Montana in 1993, Milan in 1995, Forte Dei Marmi in 2004, Paris in 2009 and London in 2015.

Specialising in Post-War Italian art, the gallery presents the work of artists such as Fontana, Burri, Castellani, Bonalumi, Boetti, Scheggi and Manzoni. Tornabuoni Art also has a permanent collection of significant works by major modern Italian artists, such as de Chirico, Morandi, Balla and Severini, as well as international 20th-century avant-garde masters, such as Picasso, Mirò, Kandinsky, Hartung, Poliakoff, Dubuffet, Lam, Matta, Christo, Wesselmann, Warhol and Basquiat. Complementing its focus on post-war and 20th-century art, the Tornabuoni Art collection also features the work of young contemporary artists such as the Italian artist Francesca Pasquali and the Italy-based Armenian artist Mikayel Ohanjanyan, who, along with the Armenian pavilion, won the Golden Lion at the 2015 Venice Biennale.

Tornabuoni Art participates in major international art fairs such as the FIAC in Paris, TEFAF in Maastricht and New York, Art Basel, Art Basel Miami, Art Basel Hong Kong, Miart in Milan, Frieze Masters in London, Artgeneve in Geneva and Artmonte-carlo in Monaco.

The gallery also works closely with museums, artists’ estates and institutions, most recently with the Giorgio Cini Foundation in Venice on the exhibition ‘Alighiero Boetti: Minimum/Maximum’, timed to coincide with the opening of the Venice Biennale 2017. With Tornabuoni Art’s experience and knowledge of the work of the artists it represents, the gallery has also established itself as an advisor for both private and public collections.

Images :
– Giorgio de Chirico, La grande tour, 1915, oil on canvas, 82×36,5 cm. ©Tornabuoni Art
– Giorgio de Chirico in his studio in Paris, with Gli Archeologi, 1928 ca. ©Fondazione Giorgio e Isa de Chirico
Giorgio de Chirico, ‘Painting’, 1938




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#40: Eine sehn heraußen stehn

#40: Eine sehn heraußen stehn

Studio Steinbrener/Dempf & Huber
#40: Eine sehn heraußen stehn
Jani Oswald – Installation
Eröffnung: Montag, 18. Dezember 2017 | 18Uhr
Glockengasse 6/1, 1020 Wien


Wandzeitung #40, Dezember 2017

Eine sehn heraußen stehn

Eine Winterwand Zeitung von Jani Oswald

Die letzte Wandzeitung im Jahr 2017 ergründet mit Jani Oswalds Sprach/bei/spielen die (Un-)Tiefen der Sprache. Durch vorweihnachtliche De- und Remontage sowie Vermengung von Volksliedgut, Alltags- und Politikspeak, religiösen Floskeln und Werbeparolen bereiten wir uns geistig auf die kommenden Feiertage vor – egal ob mit oder ohne Regierungsbildung. Der Jahreszeit entsprechend bekommen es die Besucher diesmal mit outdoor-Glühwein und indoor-Lesung (un)anständig kalt/warm zu spüren, schmecken und hören.

Montag, 18. Dezember 2017, 18 Uhr

Studio Steinbrener/Dempf & Huber
Glockengasse 6, 1020 Wien

Die Wandzeitung

Wandzeitung #40, Dezember 2017

Eine sehn heraußen stehn

Eine Winterwand Zeitung von Jani Oswald

Die letzte Wandzeitung im Jahr 2017 ergründet mit Jani Oswalds Sprach/bei/spielen die (Un-)Tiefen der Sprache. Durch vorweihnachtliche De- und Remontage sowie Vermengung von Volksliedgut, Alltags- und Politikspeak, religiösen Floskeln und Werbeparolen bereiten wir uns geistig auf die kommenden Feiertage vor – egal ob mit oder ohne Regierungsbildung. Der Jahreszeit entsprechend bekommen es die Besucher diesmal mit outdoor-Glühwein und indoor-Lesung (un)anständig kalt/warm zu spüren, schmecken und hören.

Montag, 18. Dezember 2017, 18 Uhr

Studio Steinbrener/Dempf & Huber
Glockengasse 6, 1020 Wien

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Tate St Ives
10 February – 29 April 2018
Porthmeor Beach
St Ives Cornwall TR26 1TG



10 February – 29 April 2018
Pallant House Gallery, Chichester
26 May – 16 September 2018
Fitzwilliam Museum, Cambridge
2 October – 9 December 2018




This exhibition was made possible with a Jonathan Ruffer Curatorial Research Grant from Art Fund. Supported by Czech Centre London, with additional support from the Virginia Woolf Exhibition Supporters Circle, Tate Members and Tate St Ives Members

This exhibition of work by over 80 artists from the past 160 years takes inspiration from the work of British modernist writer Virginia Woolf. Including works by British and international artists ranging from 1854 to contemporary commissions, the selection of paintings, sculptures, photographs, text works and films evoke the recurring themes in Woolf’s writing.
The exhibition is loosely structured in two parts, looking at feminist perspectives on, and approaches to: landscape, exteriority and public life; and domesticity, the home and interiority. Woolf’s relationship to feminism, women’s creativity, domesticity and landscape was bound up with her idea to revolutionise the languages of biography and history and to find new forms for representing women’s creative lives and histories – both in the home and in the public domain.
The first section of the exhibition explores ideas around landscape, nature and its representation. Works include the South West landscapes of Laura Knight, Gluck, Frances Hodgkins, Winfred Nicholson and Dora Carrington as well as pieces by Nancy Holt, Louise Bourgeois, Mária Bartuszová and Patricia Johanson. Alongside this are paintings, photographs and sculptures that consider the performance of identity and gender in public, by artists such as Romaine Brooks, Claude Cahun, Birgit Jürgenssen, Linder, Gwen John, Alina Szapocnikow, Eileen Agar, France-Lise McGurn, Penny Goring, Zanele Muholi, Hannah Black and Clare Atwood, who present portraits and self-portraits of known or unknown individuals.
The second part of the exhibition considers the genre of the still life and looks at the home – or ‘room of one’s own’ as a contested site for both creative freedom and social isolation. Here works by Vanessa Bell, Margaret Mellis, Marion Dorn, Enid Marx, Anna Atkins, Shana Lutker, Sara Barker, Nicola L, Caragh Thuring and Eve Fowler, will be shown alongside artists who are interested in the sub-conscious, intimacy and the psyche, such as Ithell Colquhoun, Georgiana Houghton, Joan Mitchell, Toyen, Agnes Martin, Sandra Blow, Emmy Bridgwater, Grace Palithorpe, Penny Slinger, Lucy Stein and Issy Wood.
Virginia Woolf spent her childhood summers in St Ives, Cornwall and returned as an adult, taking inspiration from the town to create her celebrated novel To the Lighthouse – the namesake for which is visible from Tate St Ives. This major exhibition has been organised by Tate St Ives in association with Pallant House Gallery, Chichester and The Fitzwilliam Museum, Cambridge.



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OPENING: 16 December 2017 | 14:30 – 18:30pm
Discussion: 14:30 – 16:30 pm
Performance @ 16:40 – 18:10 pm
Mariana Hahn, Stored-Story Body-Archive
Artists:Aaajiao, Amir Fattal, Law Yuk-mui, Mariana Hahn, Miao Ying, Zijie
Academic Director: Dong Bingfeng
Curator: Rachel Rits-Volloch
Dong Bingfeng, Curator and Research Fellow,
School of Inter-media Art, China Academy of Art, Beijing;
Rachel Rits-Volloch, Founding Director of MOMENTUM;
ARTISTS: Aaajiao, Mariana Hahn, Zijie
MODERATOR: Vivienne Chow, Journalist,
Critic and Founder of Cultural Journalism Campus
EXHIBITION: 17 December 2017 – 7 May 2018
No. 128, Yuancun Si Heng Rd., Tianhe District, Guangzhou




Redtory Museum of Contemporary Art
Guangzhou, China
In collaboration with:MOMENTUM / Germany Consulate in Guangzhou

Future Life Handbook. We would all like to have one of these – a guide on how to keep going in troubling times. As information moves faster and faster, in our race to keep up with it, we are often too busy with the now to look to the future. As the struggle continues between preserving history and rewriting it to fit a new script, it is also becoming ever harder to tell the difference between real and fake news. And, if both our past and our present are continuously reimagined, how are we to forecast our futures? Universal to all of us living in these mediated times, the ubiquity of such issues brings us much closer together. Artists ‘speaking’ through the autonomous voices of visual languages, translate the world to us in different, unbounded ways. This exhibition brings together the work of six young artists and two curators from China and Berlin. It is designed as a dialogue, as an exchange and elaboration of different perspectives that reflect upon our current moment through a study of the past and a view towards the future.




Berlin: a city of only 3.5 million people has become known internationally as the ‘Art Capital of Europe.’ For almost 30 years it has attracted artists from around the world who, feeding on and into its creative energy, have made it their adoptive home. Berlin is a city where everyone always seems to be from elsewhere; it is still rebuilding and repopulating itself 70 years after the disaster of World War II; it seems to be a place perpetually atoning for its painful and violent history and it is now re-inventing itself through culture.
Guangzhou: a city with a population of over 14 million in the heart of the Pearl River Delta, has historically been a fount of new and radical ideas about art and culture as well as China’s southern gateway to the rest of the world. As it has developed over the past 40 years it has become not only an economic and cultural powerhouse emblematic of change in China but also has turned its face again outwards.
In bringing to RMCA three young Berlin-based artists from different countries with three Chinese artists we are again opening that gateway to let the voices of today’s generation speak about the issues common to our experience, despite the diversity of our backgrounds.

The Redtory Museum of Contemporary Art (RMCA) is a private, non-profit Contemporary Art Museum that initiates and organizes exhibitions of art, architecture, design, film, photography and video from both China and overseas. With a growing collection of contemporary art, it also promotes academic research, organizes artists’ residencies and public programs for schools, universities and adult education, and facilitates exchanges of art, artists and exhibitions internationally.

RMCA is comprised of a group of buildings located at the heart of the Guangzhou Redtory Art and Design Factory District. This former industrial area, situated by the Zhujiang River in the centre of the city, has been repurposed for cultural and leisure use and covers 170,000 square metres with over 100 different structures.




Made up of factories, sheds, offices and warehouses designed by Russian architects at the beginning of the 1950s, the planning, architecture and still extant machinery expresses the industrial idealism of the 20th century. The outer surface of the main museum building (Hall 1) has since been clad in rough corten steel to emphasise its monumentality and historical significance.

The exhibition spaces of RMCA cover a total area of over 4,000 m2 spread across six separate buildings. Halls 1 & 2 are over seven meters high, while the other spaces are more intimate. A workshop space for the Young Artists Programme has just been converted to supplement this. These resources give flexibility for planning many different kinds of exhibitions, performances and events.
It is only since the end of the 1970s that contemporary art has become established in China. First, in the mid-1980s, it was characterized by ‘The New Wave’ then, in the 1990s and after, by ‘New Cynicism’ and ‘Experimental Art,’ but the challenges facing art today demand a radically different approach.

Global flows of capital, and the burgeoning of transnational networks and social media have brought together, and transformed, art’s cultural and political context. A new generation of artists in China, and elsewhere, is facing, and digesting, the effects of this transformation.

This has made an impact on how art is made and thought about. Increasingly, art works adopt the form and discipline of archives as they confront memory and the past from different contemporary points of view, and even the conventions and boundaries of the art exhibition itself are gradually being eroded as art and life interpenetrate in new, unexpected ways.

For the art of today, museums take on the role more of workshops or laboratories as the concerns of artists, curators, designers, architects, intellectuals and the public begin to converge. The aim of the RMCA Young Artists Programme is to provide through exhibitions, residencies and its public activities an ever-broadening platform for this process to take place.



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Vereinigung bildender KunstlerInnen Wiener Secession
Friedrichstraße 12, A-1010 Wien


Secession Hauptraum
Rudolf Polanszky: Eidola
Donnerstag, 8. Februar 2018 | 10 Uhr
Eröffnung: Donnerstag, 8. Februar 2018 | 19 Uhr
Ausstellung: 9. Februar – 22. April 2018
Friedrichstraße 12, A-1010 Wien






Secession Grafisches Kabinett
Haris Epaminonda
Donnerstag, 8. Februar 2018 | 10 Uhr
Donnerstag, 8. Februar 2018 | 19 Uhr
Ausstellung: 9. Februar – 2. April 2018




Haris Epaminonda, Ausstellungsansicht von Chapter IV,
Fondazione Querini Stampalia, Venedig, 2014



Haris Epaminondas Werk ist weder im strengen Sinne minimalistisch noch durchaus konzeptuell. Im Mittelpunkt ihrer Herangehensweise steht die Wandelbarkeit von Bildern – und im Kern auch die von Symbolen. Sie arbeitet mit Installationen, Skulpturen, Filmen, gefundenen Bildern, Büchern und Collagen; ihr Formenvokabular, das sie in ihren ersten Ausstellungen in den Nullerjahren herausbildete, beschränkt sich auf eine vergleichsweise kleine Zahl von Objekten, darunter metallische Gebilde (Säulensockel, Rahmen, Vitrinen), Blattgold, auf dem Boden oder an der Wand angebrachte Bruchstücke aus Pastellone (einer Mischung aus gemahlenem Marmor und Kalk), exotische Artefakte (Vasen, Skulpturen, Miniatur-Architekturelemente), den Raum gliedernde Postamente und Podeste, und Collagen aus neu montierten und gerahmten gefundenen Seiten. Oft sind Lebewesen – Pflanzen, Tiere, Menschen – Bestandteil von Epaminondas Installationen, von denen eine eigene ritualistische Anmutung ausgeht, vielleicht eine bestimmte eindringliche Form des Sakralen. Wie Gemälde, die ihrer farbigen Ausführung harren, tragen sie potenzielle Einschreibungen in sich, die Ansatzpunkte zukünftiger Neuinterpretationen einer Geschichte, deren Schlüssel oder Sinn die Künstlerin bewusst durchgestrichen hat.

Haris Epaminonda, geboren 1980 in Nikosia (Zypern), lebt und arbeitet in Berlin.



Rudolf Polanszky – Eidola
Ausstellung: 9. Februar – 22. April 2018
Rudolf Polanszky hat seit Mitte der 1970er-Jahre ein vielschichtiges Werk geschaffen, das von konzeptuellen Film-, Video- und Fotoarbeiten über Zeichnung und Malerei bis zu skulpturalen Objekten und Assemblagen reicht. Sein Werk ist geprägt durch die beabsichtigte und durchaus methodische Einbindung des Zufälligen. Eine besondere Rolle spielt dabei die Verwendung von Materialien, die Gebrauchsspuren aufweisen oder der Witterung ausgesetzt waren, da sie gewissermaßen die Aufgabe der Kontrolle über die Formgebung und die Unterwanderung des künstlerisch-konstruktiven Gestaltungswillens fördern. Die Faszination für wissenschaftliche Erklärungsmodelle gepaart mit der Skepsis gegenüber einer vermeintlich unerschütterlichen Logik, die Welt zu begreifen, haben den Künstler selbst diverse Verstehensschemata entwickeln lassen. Diese folgen der Nicht-Sinnstiftung als Leitidee und nehmen in intuitiv konstruierten Objekten Gestalt an, die er als provisorische Verkörperungen gedanklich-sprachlicher Gebilde versteht. Polanszkys Interesse für Schein- und Trugbilder ist folglich groß. Dem Prinzip der Festlegung setzt er eine Art „hypothetische Einstweiligkeit“ entgegen, die die Veränderlichkeit von Strukturen ins Bewusstsein rufen soll.
Schon in frühen Super-8-Filmen wie Die Semiologie der Sinne (1976) und Der musikalische Affe (1979) thematisierte Polanszky Fragen von Erkennen/Erkenntnis, Täuschung und Illusion. Er experimentiert mit dem filmischen Aufbau, dekonstruiert ihn mit verschiedenen Versuchsanordnungen und manipuliert so seine Wahrnehmung. In seinen Sprungfedernzeichnungen und Sitzbildern, die Mitte der 1980er-Jahre entstanden, spielt die Geste des Zufälligen und Unkontrollierten sowohl in der Konzeption als bei der Gestaltung eine wichtige Rolle. Seit Mitte der 1990er-Jahre arbeitet Polanszky vornehmlich mit Materialien wie Plexiglas, Metall und Schaumstoff – in der Vorstellung des Künstlers „freie“, d.h. von ihrem ursprünglichen Zweck oder vorgesehenen Nutzen befreite Materialien. Mittels Überlagerung, Schichtung, Überschneidung, Verschachtelung oder Faltung erzeugt er daraus Wandobjekte und raumgreifende Skulpturen. Dieses non-lineare Verfahren des spontanen Zusammenfügens vorhandener Materialien und zufälliger Formen zu einer neuen Struktur bezeichnet der Künstler als „Ad-hoc-Synthese“. Diese vom Künstler bevorzugte Arbeitsmethode dient der Erschaffung von Modellen für „translineare“ bzw. „transaggregate“ Strukturen. In der Weiterentwicklung seiner Idee der translinearen Verfahren beschäftigt sich Polanszky in jüngster Zeit mit „Prim-Räumen“ in freien räumlich-skulpturalen Umsetzungen ansonsten linear wiedergegebener Primzahlen-Reihen sowie mit deren Pendants, den sogenannten „Negativräumen“.

Die Einzelausstellung Rudolf Polanszkys wird eine Auswahl an skulpturalen Werken und Wandarbeiten aus unterschiedlichen Werkgruppen präsentieren und damit einen Einblick in die Theorien des freigeistigen Künstlers bieten, die allesamt mit der Unbeständigkeit der Behauptung spielen – von den bereits genannten Prim-Räumen über hyperbolische Räume, Faltungen und Schleifen hin zu Konfusionsspiegelungen und Negativ-Positiv-Strukturen. Zeitgleich zur Ausstellung veröffentlicht Polanszky außerdem ein Künstlerbuch. Darin sind ausgewählte Schriften des Künstlers in Form von Faksimiles und Transkriptionen versammelt, die er aus der Sicht der Gegenwart einer kritischen Befragung unterzieht.

Rudolf Polanszky, geboren 1951 in Wien
lebt und arbeitet in Wien.


Rudolf Polanszky: Eidola
Donnerstag, 15. März 2018 | 18.30 Uhr
Rudolf Polanszky im Gespräch mit Andreas Reiter Raabe
Eine Veranstaltung der Freunde der Secession
Ausstellung: 9. Februar – 22. April 2018
Friedrichstraße 12, A-1010 Wien



Bouchra Khalili
Pressekonferenz: Donnerstag, 12. April, 2018 | 11 Uhr
Eröffnung: Donnerstag, 12. April 2018 | 19 Uhr
Ausstellung: 13. April – 17. Juni 2018
Friedrichstraße 12, A-1010 Wien



Bouchra Khalili, Speeches – Chapter 1: Mother Tongue, 2012, Digital-Film, 23’, von The Speeches Series, Videotrilogie, 2012-2013, beauftragt für Intense Proximity, La Triennale, 2012. Ansicht auf Intense Proximity, La Triennale, Palais de Tokyo, Paris, 2012. Courtesy die Künstlerin und Galerie Polaris, Paris


Die marokkanisch-französische Künstlerin Bouchra Khalili beschäftigt sich mit Themen der Migration und Bürgerschaft, Gemeinschaft, Subjektivität, Minderheiten und Solidarität sowie mit (Mutter-) Sprache, Überlieferung, Selbstermächtigung und Erzählkunst. Sie hinterfragt hegemoniale Narrative kritisch und begründet und betreibt, vorwiegend mittels Video, Fotografie und Installation, eine „alternative Geschichtsschreibung“. Diese fokussiert beispielsweise auf Formen des Widerstands und dessen Diskurse, die auf die koloniale Vergangenheit zurückzuführen sind und von Minoritäten und Randgruppen vertreten werden.

In technisch oft komplexen Installationen setzt sich die Künstlerin mit der aktuellen Praxis des Dokumentarischen auseinander und treibt diese Entwicklungen mit ihrer klaren und formal präzisen Bildsprache sowohl ethisch als auch ästhetisch voran.

The Mapping Journey Project (2008–11) steht exemplarisch für diesen künstlerischen Ansatz. Die Achtkanal-Videoinstallation ist der Versuch einer alternativen Kartographierung der Mittelmeerregion, die anhand der heimlichen Reiserouten illegaler Migration gezeichnet wird. Die Künstlerin bat hierfür illegal Eingewanderte die Wege, die sie nach Europa genommen hatten, auf der politischen Landkarte des Mittelmeerraums zu zeigen. Die Geste des Zeigens ist ein bestimmendes Element und unterstreicht die aktive Rolle der ProtagonistInnen, die in ihren jeweiligen Muttersprachen und Dialekten ihre Reisen kommentieren. Sie, die im Einwanderungsland oft ein Schattendasein führen und deren Stimmen nicht gehört werden, haben hier die Autorschaft über ihre eigene Geschichte.
Die Ausstellung in der Secession ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Österreich. Khalili zeigt hierfür eine Auswahl an Arbeiten, die in der Zusammenschau eine Erzählung entfalten, darunter ihre für die documenta 14 realisierte Videoarbeit The Tempest Society (2017). Im Mittelpunkt steht zum einen die politische Geschichte Nordafrikas, insbesondere des Antikolonialismus, und zum anderen revolutionäre Bewegungen, die marginalisierte Gesellschaftsgruppen stärken und eine Emanzipation herbeiführen wollten




Bouchra Khalili, geboren 1975 in Casablanca (Marokko), lebt und arbeitet dank eines Radcliffe Institute Stipendiums der Harvard University gegenwärtig in Boston (Massachusetts).




Secession Grafisches Kabinett
Elaine Reichek
Pressekonferenz: Donnerstag, 12. April, 2018 | 11 Uhr
Eröffnung: Donnerstag, 12. April 2018 | 19 Uhr
Ausstellung: 13. April – 3. Juni 2018
Friedrichstraße 12, A-1010 Wien


Elaine Reichek, You Coasts (Ocher), (Detail), 2014, Siebdrucktinte und Handstickerei mit Perlen auf Leinen.


In ihrer künstlerischen Praxis hat Elaine Reichek seit Mitte der 1970er Jahre kontinuierlich die Grenzen zwischen bildender Kunst und Kunsthandwerk neu verhandelt. Ihr umfangreiches Werk reicht von Strickarbeiten, über Siebdruck und Fotografie hin zu Formen digitaler Bildproduktion. Mithilfe von Text-Bild-Verbindungen, von denen ein bedeutender Teil auf literarische Prätexte zurückgreift, hinterfragen Reicheks Arbeiten häufig Repräsentationsformen. Ihre Aufmerksamkeit und Sensibilität für frühindustrielle sowie zeitgenössische Produktionsprozesse und Maschinen, ermöglichen es der Künstlerin, sich mit Fragen der Kommunikation und Übersetzung auseinanderzusetzen und bekannte Werke des (zumeist männlichen) westlichen Kanons der Kunstgeschichte und der Mythologie, als auch digitale Bilder aus dem reichen Bestand von Suchmaschinen, zu appropriieren.

In neueren Arbeiten übersetzt die Künstlerin Bilder, die auf Internet-Plattformen zirkulieren, in das traditionelle Medium der Stickerei. Dabei verwendet sie unter anderem Stoffmuster aus der Textilindustrie, sogenannte „swatches“. Reichek benutzt manuelle und digitale Techniken und vertritt dabei die Idee, dass das Nähen und Sticken einer Art Codierung – vergleichbar mit einzelnen Pixeln auf einem Computerbildschirm – ähnelt. Reicheks Stick- und Nähtechniken sind nicht auf eine Befragung des Mediums als Hausarbeit und weiblich konnotiertes Handwerk beschränkt, ebenso handelt es sich dabei um ein Mittel, um zu befragen, wie Bilder durch die Geschichte der Kunst und der Medien hindurch übersetzt werden. (Text: Christoph Chwatal)

Elaine Reichek, geboren 1943 in New York City,
lebt und arbeitet in New York City.



Hauptraum, Galerie, Grafisches Kabinett
Donnerstag, 28. Juni 2018 | 10 Uhr
Eröffnung: Donnerstag, 28. Juni 2018 | 19 Uhr
kuratiert von Anthony Huberman
Ausstellung: 29. Juni – 2. September 2018
Friedrichstraße 12, A-1010 Wien


Lutz Bacher, Menu, 2002, mixed media, Sammlung Robin Wright

Im Sommer 2018 wird der in den USA lebende Kurator Anthony Huberman eine Gruppenausstellung präsentieren, die sich über alle drei Ausstellungsebenen des Hauses erstreckt. Unter dem Titel Andere Mechanismen untersucht die Ausstellung, wie KünstlerInnen mit und im Rahmen von Mechanismen arbeiten. Allgemein gefasst, verweist der Begriff Mechanismus auf Maschinen, Werkzeuge oder Geräte, aber auch auf ein abstrakteres System von Normen, Regeln und Rahmenbedingungen, die Verwaltung und Management auf politischer wie wirtschaftlicher Ebene heute prägen. Die ausgestellten Arbeiten spiegeln eine Entwicklung wider, in der Maschinen nicht mehr nur als physische Objekte gelten, sondern Teil der Infrastruktur unseres Technologiezeitalters geworden sind und als solche nicht mehr einfach abgeschaltet oder abgedreht werden können. Die Ausstellung untersucht, wie die Kunst eine Welt, in der Effizienz und Produktivität zählen, in Frage stellen kann. Die gezeigten Werke stellen bestehende Systeme mit ineffizienten Mechanismen, unmöglichen Werkzeugen, verschwendeter Zeit und ausgeklügelten Protokollen, die das Verhältnis von Input und Output aus den Fugen werfen auf die Probe.


Anknüpfend an die Ausstellung Mechanisms im Wattis Institute in San Francisco (Oktober 2017–Februar 2018) finden Hubermans Recherchen in der Ausstellung in der Secession eine Fortführung auch in neue Richtungen. Während es eine Schnittmenge an Schwerpunkten aus beiden Ausstellungen geben wird, wird die Schau in der Secession unter Berücksichtigung des lokalen Wiener Kontexts eine Reihe neuer Aspekte und künstlerischer Positionen präsentieren.
Anthony Huberman ist seit 2013 Direktor und Chefkurator am Wattis Institute in San Francisco. 2010 gründete er das Artist’s Institute in New York, wo er ein Format für die längerfristige Präsentation des Werks einzelner KünstlerInnen entwickelte. Zuvor war Huberman u. a. für das Contemporary Art Museum St. Louis, Palais de Tokyo in Paris sowie das SculptureCenter und MoMA PS1 in New York tätig gewesen.

Anthony Huberman, geboren 1975 in Genf, lebt und arbeitet in San Francisco.




Anthea Hamilton, Hauptraum
Anne Speier, Galerie
James Richards & Leslie Thornton, Grafisches Kabinett
Anfang September – Anfang November 2018


James Richards und Leslie Thornton, Crossing, Videostill, Digitalvideo, 19 min. 12 sec., 2016. Courtesy die Künstlerin und Rodeo, London

James Richards und Leslie Thornton, die zwei unterschiedlichen Künstlergenerationen und Kontexten angehören, entwickelten 2016 ihr erstes gemeinsames Projekt, Crossings. Die Videoinstallation materialisiert eine intensive Phase künstlerischer Kollaboration, welche durch den Austausch von Bild- und Tonmaterial über Online-Sharing Plattformen ermöglicht und zugleich begrenzt wurde. In Ihren Arbeiten schafft die Medienkünstlerin Thornton, welche selbst von Paul Sharits, Yvonne Rainer und Joan Jonas beeinflusst wurde, oft Projektionen mit komplexen Bild-Ton-Interaktionen. Ebenso sind musikalische Kompositionen zentral in Richards’ Werk. Beide verstehen Kino und Video als eigenständige Ausdrucks– und Denkformen. Der Titel der Arbeit erinnert an die Art und Weise, wie die beiden zusammenarbeiten, ihre eigenständigen Praktiken kreuzen und ihre Ansichten teilen. Ebenso spielt er auf CROSSROADS (1976) an, einen Kurzfilm von Bruce Conner, der Filmmaterial der US-amerikanischen Atomtests im Bikini-Atoll im Jahr 1946 wiederverwertet. Conner konfrontiert die BetrachterInnen mit Zeitlupenbildern, die gelegentlich nicht mit einem Soundtrack, der eigens von Pionieren experimenteller Musik komponiert wurde, übereinstimmen. In ähnlicher Weise stellt der streng organisierte Rahmen von Richards’ und Thorntons Video sich wiederholende Bildfragmente und Schallimpulse gegenüber, moduliert und iteriert diese. Als Assemblage von found footage und Originalmaterial aus den umfangreichen Archiven der Künstler, bewegt sich Crossings durch mehrere Phasen und wird schließlich zu einer audiovisuellen Notiz über künstlerische Produktion und Zusammenarbeit. (Text: Christoph Chwatal)


Anne Speier
Anfang September – Anfang November 2018



Anne Speier, Runner being ahead of her time, 2015, Collage auf Aluminium. Courtesy die Künstlerin und Meyer Kainer, Wien


Anne Speier arbeitet sowohl zweidimensional mit Malerei, Fotografie, Collage, analogen Drucktechniken und digitaler Bildbearbeitung als auch installativ und skulptural, wobei ihre Skulpturen häufig Figuren aus ihren Bildern aufgreifen und in den Raum transferieren.

Speiers gegenständliche und figurative Bildsprache entwickelt sich aus dem experimentellen Zusammenspiel unterschiedlicher Medien wie Fotografie, Malerei und diverser Drucktechniken. Die spezifischen Eigenschaften und Materialanforderungen der verwendeten Techniken fließen in die Bildgestaltung mit ein und stehen gleichrangig neben den eigentlichen Sujets. In der Verschmelzung von Malerei, Fotografie, Druck- und Cut-out-Techniken stellt die Künstlerin mehrschichtige Bühnen bereit, auf denen soziale Rollen vorgeführt werden.

Die ProtagonistInnen in Speiers Bildwelten sind häufig weiblich, androgyn oder geschlechtslos. Ihre Erscheinungsform ist wandelbar und reicht von klobig-unförmigen bis hin zu komisch-illustrativen Figuren, denen sie durch einen charakteristischen Gesichtsausdruck oder eine spezielle Geste Persönlichkeit zu verleihen weiß.

Anne Speier, geboren 1977 in Frankfurt am Main, studierte dort an der Städelschule und lebt derzeit in Wien, wo sie im Fachbereich für Objekt-Bildhauerei der Akademie der bildenden Künste unterrichtet.



Anthea Hamilton
Anfang September – Anfang November 2018



Anthea Hamilton, reimagines Kettle’s Yard, 2016, Installationsansicht The Hepworth Wakefield. Courtesy die Künstlerin, Kettle’s Yard und The Hepworth Wakefield, Foto: Stuart Whipps


Vor dem Hintergrund ihres interdisziplinären Interesses an Performance entwickelt die britische Künstlerin Anthea Hamilton räumliche Inszenierungen, die durch ihre Ausrichtung auf eine Schauseite an Bühnenbilder oder Filmsets erinnern. Ihre Skulpturen, eigenwillige Gebilde an der Kippe von Entstehung und Zusammenbruch, fungieren darin wie Requisiten für Geschichten, die erst erzählt werden müssen.

Den Arbeiten der 2016 für den Turner Prize nominierten Künstlerin geht stets eine tiefgehende Recherche voraus, unabhängig davon ob es sich um die Auseinandersetzung mit kulturellen Strömungen wie dem Phänomen Disco der 1970er-Jahre, um kunsthistorische Bezugspunkte wie den Jugendstil, italienisches Möbeldesign oder das traditionelle japanische Theater, Dokumentarfotografie oder um Flechten handelt, welche sie als eine Art Linse für das Verständnis der Welt begreift.

Als wichtige Inspirationsquelle zitiert Hamilton wiederholt den französischen Autor Antonin Artaud und seine Idee des „physischen Verständnisses von Bildern“. Es ist genau diese körperliche Erfahrung, die sie hervorrufen möchte, wenn man ihren Kunstwerken begegnet, die aus unerwarteten, unorthodox verwendeten Materialien bestehen, deren Größenverhältnisse überraschen und die letztlich von einem subtilen Humor getragen sind. Vielfach findet die Künstlerin Gegenstände, die dank ihrer haptischen Qualitäten oder ihres bestechenden Aussehens Eingang in ihre Installationen finden. Auch Autobiografisches und Verweise auf Hamiltons eigenen Körper sind wiederholt Gegenstand der Arbeiten, wobei Cut-Outs von ihren Beinen bereits als eines ihrer Leitmotive gelten.

Anthea Hamilton, geboren 1978 in London, lebt und arbeitet in London.



Ed Ruscha, Hauptraum
Philipp Timischl, Galerie
Kris Lemsalu, Grafisches Kabinett
Mitte November 2018 – 30 Jänner 2019


Ed Ruscha
Mitte November – Ende Januar 2018



Ed Ruscha prägte ab den 1950er-Jahren die Kunstentwicklung in den USA und mit ihr das aktuelle Verständnis von Gegenwartskunst entscheidend mit. In Abgrenzung von der gestischen Malerei des amerikanischen abstrakten Expressionismus entwickelte er seine künstlerische Praxis zwischen Minimalismus, Pop Art und Konzeptkunst. Recherche, Innovation und Experiment sowie kritische Distanz und eine rationale und nicht-emotionale Haltung prägen seinen Stil.

Ruscha hat sich mit Werken wie Twentysix Gasoline Stations (1963) und Every Building on the Sunset Strip (1965) in die Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts eingeschrieben. Mit sachlich aufgenommenen und in Künstlerbüchern, die er selbst konzipierte und herausgab, indexikalisch angeordneten Fotografien erstellte er Verzeichnisse des Lebens in Los Angeles und der amerikanischen Westküste. Die konzeptuellen Künstlerbücher machten ihn zu einem Vorreiter der Konzeptkunst. Ruschas Malerei, die den größten Teil seiner künstlerischen Praxis ausmacht, zeichnet sich durch formale Reduktion und Strenge aus sowie durch die Zurücknahme gestischer und expressiver Formen. Der amerikanische Westen und Los Angeles sind seine zentralen Motivquellen, meist verschränkt mit gemalten Worten und Sätzen.

Neben Jasper Johns nennt Ruscha Futurismus und Dadaismus als wichtige Bezugspunkte seiner Arbeit. In ihrer Abkehr vom Naturalismus propagierten die Futuristen die Schönheit der technischen Welt und die ästhetische Idealisierung der Maschinen, denen sie den Vorzug gaben vor den natürlichen Dingen. Mehr noch als von den italienischen Futuristen fühlte sich Ruscha von der dadaistischen Kunst und ihrem Spiel mit Absurdität und Paradox angesprochen.

Künstler wie John Baldessari, Douglas Huebler, Joseph Kosuth, Jan Dibbets und John Hilliard, die seit dem Ende der 1960er-Jahre unter dem Label Conceptual Art gemeinsam ausgestellt wurden, produzierten zeitgleich ähnliche Arbeiten und griffen die vordergründig banalen, zum Teil ironischen, zum Teil pseudowissenschaftlichen Verfahrensweisen Ruschas auf und entwickelten diese weiter. Nicht durch die Degradierung der Fotografie zum schlichten Aufzeichnungsinstrument, sondern über das konzeptionelle Vorgehen und die Wahl der Bildgegenstände wird Ruscha auch zu einem Wegbereiter künstlerischer Fotografie.

Ed Ruscha, geboren 1937 in Omaha (Nebraska), lebt und arbeitet in Los Angeles.


Philipp Timischl, Galerie
Mitte November 2018 – 30 Jänner 2019




In seinen multimedialen raumgreifenden Tableaus entwickelt Philipp Timischl aus alltäglichen, privat wirkenden Aufzeichnungen und gefundenem Material narrative Strukturen. Zwischen Dokumentation und Fiktion, privaten und öffentlichen Sphären oszillierend, spielen sie mit Intimität und Selbstbezüglichkeit. Zu seinen grundlegenden Themen zählen Herkunft, Exklusion und Queerness in ihrem Bezug auf soziale Klassen ebenso wie die Machtdynamiken zwischen Kunst und Publikum.

Ein wiederkehrendes mediales Element, das bereits zu einem Markenzeichen des noch jungen Oeuvres geworden ist, sind die hybriden Türme aus einem Flachbildschirm und einer direkt darüber angebrachten Leinwand. Die aus zwei Bildfeldern bestehenden Skulpturen verweisen auf traditionelle kunsthistorische Formen wie das Diptychon oder die Collage. In seinen Installationen bespielt Timischl in der Regel simultan mehrere dieser Türme. Die nahtlose Verschmelzung von Malerei und Technologie umfasst auch die Motive. Aus dem Zusammenspiel von statischen und zeitbasierten digitalen Bildern entspinnen sich dichte Texturen. Das disparate Bildmaterial bildet allerdings keine einheitliche Erzählung, sondern deutet diese wie Vignetten stets nur an.

Ein ähnliches Spiel mit der Ambivalenz zeigt sich auch in den Ausstellungstiteln Timischls wie Philipp, ich hab das Gefühl, ich sehe wahnsinnig gut aus, aber ich hab nichts zu sagen (21er Haus, Wien, 2013), They were treating me like an object. As if I were some sextoy or shit. I don’t wanna see them again (Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, Graz, 2014–15), oder Hostile Habits Domestic Monuments, Class Drag (Galerie Layr, Wien, 2017). Ebenso wie zahlreiche Werktitel entstammen die Sätze verschiedenen Quellen wie TV-Serien, Büchern, Filmen oder auch zufällig mitgehörten Gesprächen auf der Straße.

Philipp Timischl, geboren 1989 in Graz, lebt und arbeitet in Wien.


Kris Lemsalu, Grafisches Kabinett
Mitte November 2018 – 30 Jänner 2019



Kris Lemsalu, Father is in town, 2012


Die estnische Künstlerin Kris Lemsalu schafft in ihren Skulpturen, Installationen und Performances Verschmelzungen von Tieren mit Menschen, Natürlichkeit mit Künstlichkeit, Schönheit mit Abstoßung, Leichtigkeit mit Schwerkraft, Leben mit Tod. Sie kombiniert Tierkörper und Objekte aus Porzellan mit gefundenen (Natur-)Materialien wie Fellen, Leder, Muscheln, Wolle oder Papier und entführt uns mit ihren inszenierten Installationen in eine Welt der Fantasie. In dem Bestreben, keine Distanz zwischen ihr und den Objekten zu wahren, dienen Lemsalus Installationen auch als Bühne für ihre eigenen Performances, in denen die Skulpturen Teil ihrer Kostüme werden.

Obwohl die Künstlerin oft dunkle, raue Themen in ihren Werken abbildet, wirken diese gleichzeitig zart und zerbrechlich und nehmen Bezug auf antike Mythologien und Rituale unterschiedlicher Kulturkreise. Lemsalus Kunst umfasst neben abstrakten Skulpturen auch Selbstporträts und Fotos. In diesen stellt sie sich oft als Wesen mit männlichen wie weiblichen Merkmalen dar und schafft exotisch anmutende, vorübergehende Identitäten, indem sie Textilien, Make-up, Perücken und andere Requisiten kombiniert.

Kris Lemsalu hat Keramik an der Estnischen Kunstakademie in Tallinn und anschließend an der Königlich Dänischen Kunstakademie in Kopenhagen und der Akademie der bildenden Künste in Wien studiert.

Kris Lemsalu, geboren 1985, lebt und arbeitet in Tallinn, Estland und Berlin.




Ständige Präsentation: Gustav Klimt – Der Beethovenfries (1902)
Gustav Klimt gestaltete den berühmten Beethovenfries für die XIV. Ausstellung der Vereinigung Bildender Künstler Österreichs Secession, die vom 15. April bis 27. Juni 1902 stattfand. In dieser Ausstellung – als Hommage an den Komponisten Ludwig van Beethoven konzipiert – erfuhr die Idee des secessionistischen Gesamtkunstwerks ihre Umsetzung.

Die Sanierung der Secession findet bei laufendem Ausstellungsbetrieb statt. Aus technischen Gründen ist es jedoch notwendig, Teilbereiche zeitversetzt zu schließen.
Der Beethovenfries ist  vom Montag, den 26. Februar bis einschließlich Sonntag, den 9. März NICHT zu sehen.


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group exhibition
Opening: Friday, 15. Dezember 2017 | 6 pm
Carlos AIRES, FARKAS Dénes, Vadim FISHKIN,
Radenko MILAK & Roman URANJEK,
Curator: Annamária Molnár
Opening speech: Attila Horányi, art-historian, MOME
Exhibition: 16. Dezember 2017- 27 January 2018
36. Bródy Sándor street, Budapest, 8th district



unnamed (1)

Radenko MILAK & Roman URANJEK
1980, Travnik, Bosnia and Herzegovina (former YU)
(lives and works in Banja Luka, Bosnia and Herzegovina)
1961, Trbovlje, Slovenia (former YU)  (lives and works in Ljubljana, Slovenia)




The Ani Molnár Gallery inaugurates its new Budapest location with the opening of a group show entitled Issues of Uncertainty. Annamária Molnár, curator of the exhibition, built and centred the show around this theme by inviting artists mainly from the CEE region. Issues of Uncertainty will present chiefly conceptual artworks that use different media and illustrate several variations of uncertainty. For example: uncertainty of the past and its relation to the past are just as present as the uncertainty of avant-garde signs and their belief-systems. Or the uncertainty of the cross’ symbolic meaning of religion or profanity, the uncertainty of identity and its questionable preservation, the uncertainty of social principles and values; and even in a broader sense, the uncertainty of symbols like the alliance of images and text — or simply the uncertainty of what’s up and down.




Carlos AIRES | 1974, Malaga, Spain
lives and works in Madrid, Spain



Among the mostly foreign exhibiting artists, we can find a founding member of the IRWIN group, Roman URANJEK, who collaborates with his compatriot ex-Yugoslavian Radenko MILAK to create a project called Dates. Together they combine Uranjek’s series, At Least One Cross A Day After 1.1.2002 and Milak’s 365 Images of Time, turning the artworks into peculiar and constantly shifting diptychs, hovering between stories and histories. Spaniard Carlos AIRES shows works from his Disasters series: these collages take certain nations’ banknotes, altering them with a relevant cut-out of a photo, thus transmitting a strong political message. London-based Croatian artist Tina GVEROVIĆ’s four-pieced drawing series, entitled Soft Touch – Makings of Europe depicts the shaping of continents and the accidental nature of our borders. Ljubljana-based Russian Vadim FISHKIN’s giant vine-like folding-ruler, from which the cloth pegs stick out like countless thorns, reaches up to the sky. Such details from this artwork from 1994, Count up, Count down immortalize the unknown aim of the set of measurements. The picturesque beauty of Hong Kong resident Tamás WALICZKY’s animation, Marionettes, shows collapsing humans with animal and plant heads, the predictable falling down of the figurines accompanied by a subtle rhythm, but the questions ‘why them?’ and ‘why must they perish that way?’ remain unanswered. Dénes FARKAS, who lives in Tallinn, offers his “of places no longer being separated” series, which works between the crosstalk and tension of spaces, images and texts, expressing the almost existentialist uncertainties of perception, knowledge and presence. Péter FORGÁCS’ video work, entitled Zsófia Bán Poison, visualizes the novel by condensing a segment of Katalin Karádi’s make-believe, fictional life in São Paolo. The author is sitting in backlight, reading her own texts, while Forgács’ homemade videos of Bán’s father and highlighted excerpts of texts veil her, strengthening the base-narrative of the late diva’s identity crisis related to emigration.
Attila Horányi, art-historian, MOME


Dénes FARKAS  1974, Budapest, Hungary
(lives and works in Tallinn, Estonia)



The artists whose works are featured in this group show at the Ani Molnár Gallery are all internationally acclaimed, and have exhibited at top institutes and Biennales. At the 2017 Venice Biennale the works of Tina GVEROVIĆ, Radenko MILAK, Roman URANJEK and Vadim FISHKIN (who is represented by Gallery Podnar, Berlin) were shown. It was Fishkin’s fourth participation at that event. Dénes FARKAS represented Estonia at the Venice Biennale in 2013, and Péter FORGÁCS in 2009 exhibited at the Hungarian Pavilion. Carlos AIRES has shown at the Bucharest Biennale, while Tamás WALICZKY at the Lyon and Seville Biennale. Issues of Uncertainty promises to be an exemplary event in the gallery’s dynamic programme, and an exceptional addition to the local art scene.

Vadim FISHKIN  1965, Penza, Russia (former USSR)
(lives and works in Ljubljana, Slovenia)
Péter FORGÁCS  1950, Budapest, Hungary
(lives and works in Budapest, Hungary)
Tina GVEROVIĆ  1975, Zagreb, Croatia (former YU)
(lives and works in London, UK)
Tamás WALICZKY  1959, Budapest, Hungary
(lives and works in Hong Kong)




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Ausstellungsprogramm 2018
Untere Weißgerberstraße 13
1030 Wien


Oliver Ressler – How to Occupy a Shipwreck
Eröffnung: Mittwoch, 24.01.2018
„Everything is coming together while everything is falling apart“
Film 25. Februar 2018
25.01.2018 – 02.04.2018
Untere Weißgerberstraße 13, 1030 Wien



Oliver Ressler Everythings coming together Code Rood 20


Oliver Ressler – How to Occupy a Shipwreck
25. Jänner – 02. April 2018, Garage
Für seine Arbeiten nimmt der Künstler, Aktivist und Filmemacher Oliver Ressler (*1970) gesellschaftspolitisch wichtige Themen und Ereignisse zum Ausgangspunkt: In seiner jüngsten Filmserie „Everything is coming together while everything is falling apart“ setzt er sich unter anderem mit den ProtagonistInnen der Demonstrationen rund um die 21. UN-Klimakonferenz in Paris im Dezember 2015 auseinander. Der Film feiert am 25. Februar im Kunst Haus Wien seine Uraufführung und wird mit drei weiteren Arbeiten der Serie bis 2. April 2018 gezeigt.



Elina Brotherus – It’s Not Me, It’s A Photograph
15. März 2018 – 2. September 2018
Die erste Großausstellung ist der finnischen Künstlerin Elina Brotherus (*1972) gewidmet, die mit einer umfangreichen Mid-Career-Ausstellung einem breiten Publikum vorgestellt wird. Die in Frankreich und Finnland lebende Foto- und Videokünstlerin verbindet in ihren Arbeiten Mensch und Natur, Innenwelt und Außenwelt und schafft es seit nunmehr 20 Jahren elementare Themen wie Liebe, Tod, Vergänglichkeit, Heimat, Einsamkeit oder Verlust auf feinsinnige, oft auch humorvolle oder tragisch-komische Art und Weise in fotografischen Bilderserien festzuhalten. Auch ihre jüngsten Arbeiten, mit denen Brotherus neue Wege einschlägt und die diesen Oktober im Centre Pompidou in Paris präsentiert wurden, werden in Wien gezeigt. Speziell für die Ausstellung entstehen Arbeiten, in denen sich die Künstlerin auf Werke von VALIE EXPORT, Erwin Wurm und anderen österreichischen KünstlerInnen bezieht. Brotherus, die ihren internationalen Durchbruch Anfang der 90er-Jahre in Helsinki schaffte, zählt bereits jetzt zu den wichtigsten Fotokünstlerinnen ihrer Generation.



DerWanderer 3, 2004 (c) Elina Brotherus – Courtesy gbagency


Stillleben in der Fotografie der Gegenwart
13. September 2018 – 17. Februar 2019
Stillleben in der Fotografie der Gegenwart lautet der Titel der zweiten großen Fotografieausstellung des Museums, die sich von 13. September 2018 – 17. Februar 2019 dem Genre des Stilllebens in der Fotografie widmen wird. Vor allem in einer jüngeren KünstlerInnengeneration ist die Objekt- und Studiofotografie wieder en vogue, die direkt an das historische Genre der Stillleben anknüpft. Die Arbeiten dieser FotografInnen weisen formal auf spezifische historische Bildtraditionen hin und zeugen von der Gegenwart einer zuweilen exzentrischen Dingwelt. Die Bilder funktionieren auch als eine Art Gegenraum zum Netz, indem sie das Sehen verlangsamen und eine enorme Präsenz in der Gegenwart entfalten, die nicht zuletzt einer großteils ausgeprägten handwerklichen Präzision geschuldet ist. Neben Arbeiten von Tacita Dean (GB), David Hockney (GB), Wolfgang Tillmans (D), Sharon Lockhart (US), Hans-Peter Feldmann (DE), Harun Farocki (DE) oder James Welling (USA) sind österreichische Positionen wie jene von Lisa Holzer, Anja Manfredi, Ingeborg Strobl, Matthias Herrmann oder Manuel Gorkiewicz zu sehen.


RESANITA – Das Haus als Wirt
21. Juni – 07. Oktober 2018, Garage
Das österreichische Künstlerinnenduo Resanita (seit 2003, Resa Pernthaller und Anita Fuchs) beschäftigt sich mit temporären Eingriffen in den urbanen Raum, mit nomadischen, kollektiven Prozessen. Seit Herbst 2017 arbeitet Resanita an der künstlerischen Bestandsaufnahme der Fauna und Flora des Kunst Haus Wien, die Ergebnisse sind unter dem Titel „Das Haus als Wirt“ von 21. Juni – 7. Oktober 2018 zu sehen.

Rainer Prohaska
24. Mai – 14. Oktober 2018, Innenhof
Die künstlerische Arbeit von Rainer Prohaska (*1966) ist zwischen Architektur und Performance angesiedelt. Ihn interessiert, wie sich soziale Gefüge und gesellschaftliche Zusammenhänge in Architektur und Raum manifestieren. Für das Kunst Haus Wien erarbeitet Prohaska Ideen zur Erschließung des Donaukanals vom Innenhof des Museums aus und kreiert räumliche Eingriffe und begehbare Plattformen im Hof.

Jochen Lempert
12. April – 10. Juni 2018, Garage
Zwischen Fotografie- und Wissenschaftsgeschichte sind die meist schwarzweißen, rahmenlosen Arbeiten des in Hamburg lebenden Jochen Lempert (*1958) angesiedelt. Seit mehr als 25 Jahren untersucht er mittels der Fotografie – und parallel zu einer fortgesetzten Arbeit als Biologe – die wechselseitigen Beeinflussungen menschlicher, tierischer, pflanzlicher und mikroorganischer Lebensformen und die Möglichkeiten, diese abzubilden.

Kunst Haus Wien




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Museum Ludwig
upcoming exhibitions in 2018.

Museum Ludwig
Günter Peter Straschek Emigration – Film – Politics
Press conference: Friday, March 2, 2018, 11 a.m.,
press preview starting at 10 a.m.
Opening: Friday, March 2, 2018 | 7 p.m.
Curator: Julia Friedrich
Exhibition: March 3 – July 1, 2018
Heinrich-Böll-Platz, 50667 Cologne

One of the most impressive documentary films in the history of German television languished in the archives of the WDR for decades: Günter Peter Straschek’s 1975 Filmemigration aus Nazideutschland [Film Emigration from Nazi Germany].
Now it stands at the center of an exhibition that situates Straschek’s work in the context of the revolutionary cinema of the 1960s and 1970s. This five-hour film offers a forum to many of the more than two thousand people from the film industry forced to flee the Nazis.
The exhibition presents Straschek (1942–2009) as a man unreconciled, a filmmaker whose insistent gaze put a willfully forgotten past back on the agenda. He trained that gaze in movie theaters, among other places, notably in watching the uncompromising work of Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, in one of whose films he appears: Einleitung zu Arnold Schoenbergs ‘Begleitmusik zu einer Lichtspielscene’ [Introduction to Arnold Schoenberg’s ‘Accompaniment to a Cinematographic Scene’].
In 1966, Straschek began his studies at the German Film and Television Academy in Berlin (dffb). He was expelled from the Academy in 1968 in the wake of the controversy touched off by his Ein Western für den SDS [A Western for the SDS ]. The exhibition includes the Academy’s “Wochenschau” [News of the week], which documents these events, as well as Straschek’s 1970 film Zum Begriff des ‘kritischen Kommunismus’ bei Antonio Labriola [On the Concept of ‘Critical Communism’ in Antonio Labriola].
Günter Peter Straschek. Emigration – Film – Politics is the fourth exhibition in the project series HERE AND NOW at Museum Ludwig. This is an experimental format in which the practice of traditional museum exhibitions is renegotiated and at the same time opened up to positions that do not necessarily have to come from the visual arts.
The exhibition is generously supported by the German Federal Cultural Foundation. It is also supported by the HERE AND NOW group of members of the Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig e. V. as well as the Storch Foundation.
Curator: Julia Friedrich
Website and Social Media During the exhibition, the Museum Ludwig will be posting on its social media channels with hashtags #hierundjetzt and #Straschek.
Facebook/Instagram/Twitter/Vimeo: @MuseumLudwig,

ETA 1994–2018, 2018
Press conference:
Monday, April 16, 2018, 11 a.m.,
press preview starting at 10 a.m.
Award ceremony and opening:
Tuesday, April 17, 2018, 6:30 p.m.
Curator: Yilmaz Dziewior
Curatorial Assistant: Leonie Radine
April 18 – August 12, 2018
In 2018, the Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig will award the Wolfgang Hahn Prize to Haegue Yang (*1971 in Seoul, lives in Berlin and Seoul). To mark the occasion, the museum is organizing her first major survey exhibition. More than 120 works from 1994 to the present will illuminate her prolific and versatile oeuvre, ranging from her formative works that include objects reminiscent of Fluxus in the 1990s to lacquer paintings, photographs, works on paper, video essays, sculptures, performative works, and large-scale Venetian blind installations.

Questions of cultural and ontological identity run throughout Yang’s oeuvre. Inviting a multifaceted perception of the phenomena in our world, she continually seeks unique forms of expression and methods that allow her to trace intercultural aspects of history. The extensive yet precise selection of the works in the carefully conceived scenography of ETA will configure and render her oeuvre as harmonious, while full of dissonances.
A catalogue raisonnée will be published in conjunction with the exhibition.
Curator: Yilmaz Dziewior
Curatorial Assistant: Leonie Radine
Website and Social Media During the exhibition, the Museum Ludwig will be posting on its social media channels with hashtags
#haegueyang and #WHP2018.
Facebook/Instagram/Twitter/Vimeo: @MuseumLudwig,

Press conference: Tuesday, August 28, 11 a.m.,
press preview starting at 10 a.m.
Opening: Thursday, August 30, 2018, 7 p.m.
Curators: Barbara Engelbach and Miriam Halwani
August 31, 2018 – January 6, 2019
Diane Arbus, Walker Evans, Lee Friedlander, August Sander, Tata Ronkholz, Albert Renger-Patzsch, Piet Zwart, and twelve other photographers all share a documentary and artistic approach, which will be presented and simultaneously questioned in Doing the Document.
Walker Evans did not describe his photographs as documentary, but instead spoke of a “documentary style.” Where does the document end and the artistic gesture begin? This is a question that must be renegotiated in these post-factual times amid the increasing aestheticization of archival and documentary materials in contemporary art. The exhibition is the result of a donation of more than two hundred works by German and American photographers from the Bartenbach family of Cologne, which recently expanded our collection considerably. In addition to valuable groups of photographs ranging from the early twentieth century to the present, the Bartenbach Collection also contains source materials that will undergo a scholarly review for the first time.
The exhibition is generously supported by the Landschaftsverband Rheinland.
Curators: Barbara Engelbach and Miriam Halwani
Website and Social Media
During the exhibition, the Museum Ludwig will be posting on its social media channels with hashtag #doingthedocument.


Press conference: Thursday, September 13, 2018, 11 a.m.,
press preview starting at 10 a.m.
Opening: Friday, September 14, 2018, 7 p.m.
Curators: Matthias Mühling, Director, Lenbachhaus, Munich, and Isabelle Jansen, Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation
Curator in Cologne: Rita Kersting, Deputy Director, Museum Ludwig
September 15, 2018 – January 13, 2019
Gabriele Münter (b. 1877 in Berlin, d. 1962 in Murnau) was a central figure of German Expressionism and the artist group Der Blaue Reiter, which was founded at Münter’s house in Murnau. Her role as a dedicated proponent, mediator, and longtime companion of Wassily Kandinsky is well known and recognized. This exhibition demonstrates Gabriele Münter’s importance and independence as a painter: with more than one hundred paintings, including works from her estate that will be presented to the public for the first time, it will offer a new look at this strong artist.
Münter is one of the few women who played an early role in developing modernism. Her openness and willingness to experiment as a painter, photographer, and graphic artist will now be presented in detail for the first time. Her well-known paintings include portraits of figures such as Marianne Werefkin and Kandinsky as well as romantic landscapes of her adopted home in Bavaria. The exhibition begins with rare photographs taken by Münter around 1900 during a multi-year trip through the United States. It will focus on her paintings, which, in addition to colorful portraits and landscapes, also include interiors, abstract works, and “primitivistic pictures.”
Thanks in particular to the Haubrich Collection, the Museum holds paintings by Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, as well as artists from the Der Blaue Reiter group, such as Franz Marc, August Macke, and Alexei Jawlensky. Surprisingly, the collection does not include any of Gabriele Münter’s paintings.
This gap will now be closed with the acquisition of a painting for the collection.
A large number of the works in the exhibition come from the Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation and from the Lenbachhaus in Munich, which is organizing the exhibition, as well as international collections such as the Des Moines Art Center in Iowa, the Center Pompidou in Paris, and the Israel Museum in Jerusalem.
The catalog for the exhibition Gabriele Münter: Painting to the Point was published by Prestel Verlag. Edited by Isabelle Jansen and Matthias Mühling. Hardcover, 272 pages, 20.0 x 27.0 cm, 248 color illustrations, 49 b/w illustrations, €39.95.
The exhibition is generously supported by the Peter and Irene Ludwig Foundation.
Curators: Matthias Mühling, Director, Lenbachhaus, Munich, and Isabelle Jansen, Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation
Curator in Cologne: Rita Kersting, Deputy Director, Museum Ludwig
Website and Social Media During the exhibition, the Museum Ludwig will be posting on its social media channels with hashtag #MLxGM.
Facebook/Instagram/Twitter/Vimeo: @MuseumLudwig,

Black Power – Flower Power:
Photographs by Pirkle Jones and Ruth-Marion Baruch
Press conference: Friday, February 2, 2018, 11 a.m.,
press preview starting at 10 a.m.
February 3 – June 3, 2018
On the fiftieth anniversary of the death of Martin Luther King, the Museum Ludwig is exhibiting the works of the photographers Pirkle Jones and Ruth-Marion Baruch, who captured San Francisco in the turbulent 1960s with sympathy and observing distance. It was a time when, particularly on the West Coast of the United States, the various strands of the civil rights movement and counterculture came together, in which the Black Panthers emerged and hippies experimented with new ways of living and working in the Haight-Ashbury district.
The politicization and radicalization following the assassination of Malcolm X and the bloody race riots in Watts, Los Angeles, contrasted with anarchic hedonism, and the agitative posters of the Black Panthers could be seen alongside psychedelic posters across the urban landscape.
In 2013, the Museum Ludwig received a donation of fifty-one photographs from the Pirkle Jones Foundation in San Francisco. In February 2018 they will be presented in their entirety for the first time.

Photographer’s Name Aenne Biermann
Press conference: Friday, June 15, 2018, 11 a.m.,
press preview starting at 10 a.m.
June 16 – September 23, 2018
Aenne Biermann (1898–1933) took photographs of her immediate surroundings from 1925 until her early death, and this body of work helped shape modernist photography. Her estate remains lost to this day, and only a few institutions hold original prints by Biermann. The Museum Ludwig will now present its full collection of over twenty of Biermann’s photographs for the first time.

Alexander von Humboldt: Photography and Legacy
Press conference: Friday, October 12, 2018, 11 a.m.,
press preview starting at 10 a.m.
October 13, 2018 – February 3, 2019
The year 2019 will mark the 250th anniversary of the birth of Alexander von Humboldt. Humboldt, who was well traveled and connected, was not only a member of the commission that voted for the worldwide publication of one of the first photographic processes in 1839. He was also subsequently given photo albums that are now valuable and singular works. These include an album from 1844 that the inventor of photography on paper, W. H. F. Talbot, dedicated to Humboldt—one of the first photo books ever. In 1858 Humboldt received a large album from Paul de Rosti with photos from Mexico and Venezuela in memory of his travels in South America. Their history and their journey to the collection of the Museum Ludwig will be reconstructed, offering a look back at the early days of photography.
Museum Ludwig
Heinrich-Böll-Platz, 50667 Cologne




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