Eiserner Vorhang + Simulation  Tauba Auerbach: A Flexible Fabric of Inflexible Parts III, Eiserner Vorhang, Wiener Staatsoper, 2016/2017, © museum in progress (www.mip.at)

EISERNER VORHANG

Durch die Ausstellungsreihe Eiserner Vorhang – von museum in progress (www.mip.at) konzipiert und seit 1998 in Kooperation mit der Wiener Staatsoper und der Bundestheater-Holding realisiert – wird der an sich statische Eiserne Vorhang (176 m2) jeweils für einen festgelegten Zeitraum einer Spielzeit in einen dynamischen Ausstellungsraum zeitgenössischer Kunst verwandelt. Eine international renommierte Jury steht für die Auswahl der hochkarätigen KünstlerInnen, deren Arbeiten jeweils für eine Spielzeit präsent sind.

Die Wiener Staatsoper und museum in progress präsentieren anlässlich von Tauba Auerbachs Gestaltung des Eisernen Vorhangs 2016/2017 eine Sonderedition der Künstlerin. Es handelt sich um eine Hängeskulptur mit dem Titel „Helix Latch“, die motivisch auf Auerbachs Werk für die Oper Bezug nimmt. Die Skulptur wurde mit
einem 3D-Drucker in einer Auflage von nur 15 Stück produziert. Kunst- und Opernfreunde leisten durch den Erwerb dieser limitierten Edition einen wichtigen Beitrag zur Fortsetzun der Ausstellungsreihe in der Wiener Staatsoper.

Die Ausstellungsreihe „Eiserner Vorhang“

ist ein Projekt des museum in progress in Kooperation mit der Wiener Staatsoper und der Bundestheater-Holding, 2016 ermöglicht durch Phileas – A Fund for Contemporary Art in Partnerschaft mit der Legero Schuhfabrik | con-tempus.eu.

Limitierte Edition  Tauba Auerbach: Helix Latch, Limitierte Sonderedition, 2016, Foto: Andreas Scheiblecker , © museum in progress (www.mip.at)

 

Yair Garbuz’ third solo exhibition at the Museum (1973, 1983) features works

from the past five years. Once again his paintings turn out to be a comical,

at times grotesque theatrical show, maybe even a circus or a carnival. Their humor is twofold: both visual and linguistic.

More than ever, these new paintings display the artist’s virtuosity and his ease with the Hebrew language and painting styles alike.

http://www.tamuseum.org.il/exhibition-category/upcoming-exhibitions

https://www.facebook.com/tamuseumofart/

Pérez Art Museum Miami

David Reed, Color Study #39, 2016. Courtesy the artist; Peter Blum Gallery, New York; Häusler Contemporary Munich/Zurich.

Opening during Art Basel Miami Beach, PAMM will present David Reed: Vice and Reflection – An Old Painting, New Paintings and Animations. The New York-based artist’s paintings feature large brushstrokes and diverse paint placements in vibrant color configurations. His gestural marks are often shown partially fragmented, as if the brushstrokes are elements of collage that have been cut and placed in disjunctive ways. Reed has experimented with methods of painterly abstraction for more than five decades, pushing and expanding material limits, forms, and references. Since the 1970s, his works have drawn upon and critiqued the legacies of Abstract Expressionism, Minimalism, and Conceptual art, while continually responding to new forms of image making taken from cinema, television, and digital media.

 

David Reed. Still Frame. Pilot episode Miami Vice 1984: Reflection, 2016. Silent video, 59 second loop. Courtesy the artist; Peter Blum Gallery, New York; Häusler Contemporary Munich/Zurich.Blue and Black swirls of paint

His current project offers a fresh look at the artist’s complex and layered process. For the museum he is creating a new series of works inspired by a painting he created in 1984-1985, titled #212(Vice). This painting presents highly saturated blues and yellows that were drawn from similarly strong colors used in the 1980s TV series Miami Vice. Reed has made a “remake” of this earlier painting in the form of four new large-scale paintings, which play with the scale and proportions of the architecture of the museum gallery in which they are exhibited. He is also presenting two televisions in the space, the first showing a scene from the original TV pilot of Miami Vice, into which he will have digitally inserted the painting #212 and the second with the new paintings reflected in Michael Mann’s 2006 film remake of the series. The exhibition will also include his meticulous Working Drawings and Color Studies that document his process of working on the large new paintings.

 David Reed, Working Drawing for Painting #661, 2016. 22 x 17 inches. Mixed media on graph paper. Courtesy the artist; Peter Blum Gallery, New York; Häusler Contemporary Munich/Zurich.Blue and yellow swirls

David Reed: Vice and Reflection – An Old Painting, New Paintings and Animations is organized by Pérez Art Museum Miami Chief Curator Tobias Ostrander and is presented by Scotia Wealth Management with additional support from Unscripted Bal Harbour.

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Image Credit: British School 17th century, The Cholmondeley Ladies c.1600-10, Oil paint on wood, 886 x 1723 mm.Tate.

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LATE AT TATE BRITAIN: GENERATION

Bank Austria Kunstforum Wien

Georgia O’Keeffe, Jimson Weed/White Flower No. 1, 1932. Oil on canvas, Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, Arkansas, 2014.35. Photograph by Edward C. Robison III. © Georgia O’Keeffe Museum / Bildrecht, Wien, 2016

Georgia O’Keeffe (1887–1986)

war eine Begründerin der amerikanischen Moderne und eine Pionierin als Künstlerin. Die Gelegenheiten, O’Keeffe in Europa zu sehen, sind rar: ihre Gemälde sind auf die wichtigsten US-Sammlungen verteilt, wo sie den Status von Ikonen einnehmen. Erstmals in Österreich gibt nun diese Retrospektive Einblick in das sieben Jahrzehnte umfassende Œuvre O’Keeffes. Unter den ausgestellten Werken befindet sich auch Jimson Weed/White Flower No. 1 (1932) als das teuerste Bild, das jemals von einer Künstlerin versteigert wurde.

O’Keeffe debütierte 1916, vor genau hundert Jahren, in dem von Männern dominierten Künstlerzirkel um den Fotografen Alfred Stieglitz, ihrem späteren Ehemann.

Die Ausstellung setzt mit ihrem weniger bekannten, der „spirituellen“ Abstraktion Wassily Kandinskys nahestehenden Frühwerk ein. O’Keeffes monumentale Blumenbilder der 1920er-Jahre, die, unter dem Einfluss der Schriften Sigmund Freuds, stark sexualisierende Interpretationen hervorriefen, zählen zu ihren populärsten Sujets. Formale Spezifika wie der scharfe Fokus, die Ausschnitthaftigkeit und das Close-up führen O’Keeffes innovative Übersetzung fotografischer Strategien in die Malerei vor Augen. Diesen künstlerischen Dialog untermauert die Schau mit einer Auswahl von Fotografien von Stieglitz, Ansel Adams und Paul Strand. O’Keeffes nahezu abstrakten, von der kargen, unendlichen Wüste New Mexicos inspirierten späten Landschaftsbilder, verkörpern die Erschaffung des „Great American Thing“, einer spezifisch amerikanischen Kunst, und nehmen Kunstströmungen des Abstrakten Expressionismus und des Minimalismus vorweg. Die Ausstellung verdeutlicht O’Keeffes singuläre Position, die sie mit ihrem Brückenschlag zwischen europäischem Modernismus und amerikanischer Nachkriegsabstraktion einnahm sowie durch ihre stete Vermittlung zwischen Naturbezug und Abstraktion, zwischen Organischem und Geometrischem, Gefühl und Entpersönlichung.

Die Ausstellung wurde von Tate Modern in Kooperation mit dem Bank Austria Kunstforum und der Art Gallery of Ontario, Toronto, organisiert.

NHM Wien

die Universität Wien zeigt einen Teil ihrer bedeutenden Sammlung mariner wirbelloser Tiere der Künstler Leopold und Rudolf Blaschka in der ständigen Schausammlung des Naturhistorischen Museums Wien. Die Modelle wurden Ende des 19. Jahrhunderts in bis heute unnachahmlicher Perfektion und Präzision für die universitäre Lehre angefertigt und waren bis vor kurzem für die Öffentlichkeit nicht zugänglich. Durch die Kooperation der Universität Wien und dem Naturhistorischen Museum Wien ist es nun möglich, diese einzigartigen Objekte einem breiten Publikum zu präsentieren.

Mit dem Beginn meeresbiologischer Forschungen Mitte des 19. Jahrhunderts war die Nachfrage nach Darstellungen von Tieren, die sich aufgrund von fehlenden Skelettteilen nur ungenügend konservieren ließen, sehr groß. Für den naturwissenschaftlich interessierten böhmischen Glasbläser Leopold Blaschka war es naheliegend, 1863 den Versuch zu unternehmen, Quallen, Tintenfische, Meeresschnecken und Anemonen in Glas nachzubilden. Seine außergewöhnliche Darstellungsgenauigkeit und handwerkliche Meisterschaft fand bei namhaften zeitgenössischen Naturwissenschaftern wie Franz Eilhard Schulze und Ernst Haeckel große Anerkennung, sodass in den darauffolgenden Jahrzehnten mehrere tausend Modelle entstanden, die Leopold Blaschka bis 1890 gemeinsam mit seinem Sohn Rudolf, den einzigen Lehrling, den er dafür ausgebildet hatte, herstellte.

Über Leopold und Rudolf Blaschka

Glasmodelle von Leopold und Rudolf Blaschka finden sich in Museen und Universitäten weltweit. Modelle mariner Tiere stellen darunter den weitaus geringeren Teil dar, da Vater und Sohn 1890 nach Amerika eingeladen wurden, um dort für die Harvard University ausschließlich Pflanzenmodelle herzustellen. Mit 145 Modellen besitzt die Universität Wien nach dem Stift Kremsmünster die zweitgrößte Sammlung im deutschsprachigen Raum. Sie wurde um 1880 von dem bedeutenden Zoologen Carl Claus angekauft, der als Ordinarius am “Zoologisch-vergleichend anatomischen Institut” der Universität Wien die Zoologische Station in Triest begründete. Von dieser Meereszoologischen Station bezogen Leopold und Rudolf Blaschka regelmäßig lebende Tiere, die sie in ihrer Werkstatt in Dresden in Aquarien hielten, um ihnen als lebende Vorlagen zu dienen.

Im Zuge der Ausstellungseröffnung werden auch Ausschnitte aus dem mehrfach preisgekrönten Kurzfilm “Fragile Legacy” des Filmemachers und Kameramanns David O. Brown gezeigt. Brown hat sich 2015 gemeinsam mit Drew Harvell, Meeresbiologin und Kuratorin der Blaschka-Sammlung der Cornell University (USA), auf die Suche nach den lebenden Vorbildern der Blaschka-Glasmodelle gemacht. Ihre Tauchgänge führten sie weltweit entlang von Küsten, in tropischen Meeren und in Tiefseeregionen durch. David O. Brown wird bei der Eröffnung über die Blaschka-Glasmodelle und ihre lebenden Vorbilder erzählen.

http://www.nhm-wien.ac.at/