Monthly Archives: May 2018

The Great Escape

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pop/off/art Gallery, Moscow, Russia
The Great Escape.
New Painting From Berlin.
Opening: 5. June 2018 | 7 pm
Artists:
Emmanuel Bornstein (1986) Carsten Fock (1986)
Erez Israeli (1974) Ruprecht von Kaufmann (1974)
Clemens Krauss (1979) Robert Muntean (1982)
Katrin Plavčak (1970) Ashley Hans Scheirl (1956)
Antony Valerian (1992) Sahar Zukerman (1985)
Curator: Andreas Huber
Exhibition: 06.06. – 10.07.2018
pop/off/art gallery
CCA Winzavod, Moscow, 4 Syromyatnichesky
per. 1, bldg. 6, entrance 23
https://www.popoffart.com
https://www.galeriecrone.at

 

334718n.jpgAshley Hans Scheirl, Balancing Priorities, 2016

 

The Great Escape. New Painting from Berlin
Exhibition: 06.06. – 10.07.2018

pop/off/art gallery presents the exhibition
“The Great Escape. New Painting from Berlin”, which is its first joint project with the art gallery Crone(Vienna/Berlin). The exhibition will feature the works of ten internationally renowned artists who have participated in major art events, including numerous biennials, documenta 14 and others. What unites the artists is the medium of painting and the fact that they live and work in Berlin. The Crone art gallery was founded in Hamburg in 1982. At present, two branches of the gallery are open – in Berlin and Vienna. Crone is one of the largest European galleries that presents Contemporary Art. Andreas Huber, Director of the gallery’s Viennese Branch, is to be the curator of the exhibition at pop/off/art gallery.

 

3346771nSahar Zukerman, Tarimi, Tarimi, 2017

The title of the exhibition is a reference to the book “The Great Escape” by Paul Brickhill, which was made into the film of the same name in 1963. The plot was based on real events: the mass escape of prisoners from the German prison camp Stalag Luft III during the Second World War. Escape as a metaphor for leaving a place of imprisonment without permission, and the coping with post-war trauma by many generations of Western artists – are the main themes of the exhibition. What lies at the base of German painting today? What is the essence of the artistic expression of the new generation of Western European artists? Namely, these questions are the subject matter of the project.

 

 

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Robert Muntean, Just like Honey, 2018

 

The painting, presented at the exhibition, exists at the junction of the figurative and the abstract, insurrection and submission, materiality and non-materiality. These artists push the medium of painting to its limits. The visible refers to expression that is obscure, mysterious and hidden from the eye. Robert Muntean works in his own style that has for a long time been distinguished by the careful and balanced contradictions of the dynamic and the static. Clemens Krauss creates installations using hair and silicone and also makes the surface of the painting three-dimensional. Ruprecht von Kaufmann reinterprets traditional iconography with the help of collage and by cutting the picture surface itself. The photorealistic painting creates a new level of reality, while fantastic images awaken dreams of unexplored worlds. The viewers will have a unique chance to see the various techniques, forms and means of expression of these artists from Germany, which is rightfully considered the leader in stretching the boundaries of contemporary painting.

 

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Carsten Fock, ohne Titel, 2016

 

 

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Erez Israeli, La Marioneta (Tribute to Francisco Goya), 2018

 

 

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Emmanuel Bornstein, Illumination I, 2016

 

 

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Antony Valerian, Tauben, 2016

 

335008nRuprecht von Kaufmann, Der Trapezakt, 2014

 

 

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Katrin Plavčak, Humpty Dumpty in Aida, 2016

 

 

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Clemens Krauss, Sparrows, 2017

 

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From the Outside to the Inside

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CRONE WIEN / Gallery Crone Vienna
From the Outside to the Inside
Eröffnung: opening: Dienstag, 29. Mai 2018 | 19 Uhr
Tuesday, 29. May 2018 | 7-9 pm
Arbeiten von Rosa Aiello, Kelly Akashi, Daniel Lergon,
Peter Miller und Nazim Ünal Yilmaz.
Kurator Andreas Huber
Ausstellung: Exhibition: 30. Mai – 8. September 2018
Getreidemarkt 14, 1010 Wien Austria
https://www.galeriecrone.at

 

From the Outside to the Inside“
Andreas Huber kuratierten Schau setzen wir unsere Ausstellungsreihe fort, die sich mit Kunst als Membran zwischen äußeren und inneren Zuständen menschlicher Existenz befasst.
Ging es bei der Ausstellung „From the Inside to the Outside” im Januar diesen Jahres um die Spiegelung emotionaler Empfindungen in eine äußere Verfasstheit und Verfestigung, rückt „From the Outside to the Inside” nun das genaue Gegenteil in den Mittelpunkt – die unausweichliche Auflösung realer Gegebenheiten durch ihr Eindringen in unsere Gefühls- und Gedankenwelt. Vermittelt durch die visuelle und taktile Anziehungskraft der Oberfläche führen uns die Werke von Nazim Ünal Yilmaz, Daniel Lergon, Peter Miller, Kelly Akashi sowie Rosa Aiello in eine verborgene Welt von Ideen, Erinnerungen und Empfindungen.

 

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Nazim Ünal Yilmaz Hotel Principles, 2015

 

 

Die Gemälde von Nazim Ünal Yilmaz fungieren als Seelenlandschaften. Mit ihren verlassenen Korridoren und Treppenaufgängen erzählen sie von Einsamkeit und Melancholie aber auch von Nervenkitzel und Erregtheit. Als ambivalente Orte von Begegnung und Anonymität führen die Treppen in ein unergründliches Dunkel.  Zeit und Raum werden nicht näher definiert. Nur ein auf den Stiegen achtlos liegen gelassenes Objekt, ein Mischwesen aus Insekt und Unterwäsche verweist auf das Hotel als Ort von sexuellem Abenteuer und riskanter Erotik. Zusammen mit der Installation „Hotel Principles II“, in der Nylonstrumpfhosen zusammengenäht und zu einer Art Wandschirm aufgespannt werden, strukturiert die Arbeit den Raum und greift so auf ihn ein. Mit ihrer spezifischen Oberflächenqualität versperren die Installationen den Blick auf das, was dahinterliegt und wecken gleichzeitig die Neugier des Betrachters. Die Ambivalenz, die bereits in den Malereien anklingt, findet hier ihre materielle Manifestation.
Die Qualität der Oberfläche spielt auch für Daniel Lergon eine entscheidende Rolle. Der in Berlin lebende Künstler mit seinem experimentellen Zugang zur Malerei greift in seinen hier gezeigten Werken nur auf ein einziges Farbpigment zurück, aus dem er ein reiches Spektrum an Nuancen entwickelt – von leuchtendem Hellgrün bis zu fast schwarz wirkendem Dunkel. In einem von der Schwerkraft befreiten Raum scheint die Farbe wie im Wasser treibender Stoff auf dem monochromen Grund zu schweben. Die Zeit scheint still zu stehen. Formen kristallisieren sich heraus und manifestieren sich. Erst ein genauerer Blick enthüllt die Materialität und die besondere Haptik des gestischen Auftrags. Ein inneres Licht pulsiert in seinen Werken, die trotz der abstrahierten Formen immer auch Anklänge an Figürliches in sich bergen. Durch die Reduktion auf ein Pigment tritt einzig und allein der gestische Farbauftrag in den Vordergrund, der sich auf der Leinwand einschreibt wie Spuren im Sand, individuell und unmittelbar.
Diese Direktheit und Körperlichkeit tritt bei den Arbeiten von Peter Miller weitgehend zurück. Auch er schafft in seinem Werk „Vinyl Lines“ eine Art Fingerabdruck – doch ohne dabei als Künstler selbst einzugreifen. Stattdessen dient eine selbstgebaute Apparatur dazu, die einzigartige Struktur einer Schallplatte graphisch festzuhalten. Dem semiotischen Prinzip des Index folgend schreiben sich die Rillen der LP durch ein mechanisches Übertragungssystem in Form feiner Linien in das Papier ein. Die mit Erinnerungen und Empfindungen aufgeladene Lieblingsmusik des Künstlers wird so ohne sein weiteres Eingreifen als individuelles Selbstporträt in Form einer automatisch generierten Spur festgehalten. Die Spur als fixe Markierung spielt aber auch in seiner Videoarbeit „Eidola“ eine entscheidende Rolle. Auf selbstreferentielle Weise setzt er sich hier mit den Medien Film und Fotografie auseinander und entmystifiziert so die verborgenen Mechanismen der Apparate. „Eidola“ stellt eine antike Wahrnehmungstheorie dar, nach der sich kleine Partikel von den betrachteten Gegenständen lösen, um in den Augen des Betrachters ein Bild zu erzeugen. Dieser Vorstellung entsprechend verwendet Peter Miller in seinen Arbeiten eine Nachtsichtbrille, die zugleich filmt. Die Brille ermöglicht es ihm, in der Dunkelheit eine Kamera zu öffnen und den noch unentwickelten Film mit einem Laserpointer zu bearbeiten. Auf diese Weise entsteht ein Zusammenspiel von Belichtung, Sichtbarkeit und Zerstörung auf der Oberfläche des Filmes.

 

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Kelly Akashi Heliotrope

 

Auf ganz andere Weise beschäftigt sich auch die in Los Angeles arbeitende Künstlerin Kelly Akashi mit der Oberfläche als Bedeutungsträger. Sie verwendet vor allem Werkstoffe wie Wachs, Glas oder Bronze und schafft so filigrane Skulpturen, die verschiedene Sinne des Betrachters ansprechen.  Leichtigkeit, Transparenz und Zerbrechlichkeit spielen hierbei eine ebenso große Rolle wie Haptik, Oberflächengestaltung und Dichte im Material. Das Glas trägt seine Oberfläche mit all seinen Qualitäten zur Schau. Das Sehen wird zum Fühlen. Gleichsam wird sich der Betrachter aber durch die Spiegelung in der Oberfläche seiner distanzierten Stellung bewusst. Bei genauerer Betrachtung offenbaren sich verborgene Strukturen, die sich im Inneren zu winden scheinen. In Akashis Werken wird der Weg von der Oberfläche ins Innere somit wörtlich umgesetzt. Durch die im Inneren verborgenen Gräser und Äste wird aber nicht nur die Verbindung von Innen und Außen hergestellt, sondern auch eine Versöhnung von Kunst und Natur. Die Grenze zwischen der natürlichen Welt und der des Kunstwerkes wird aufgehoben. Zudem sind die Elemente Feuer und Luft als Bedingung ihrer Arbeit mit dem Material entscheidende Bestandteile ihrer Werke, eingebettet und zur Evidenz gebracht in den organischen Formen der zerbrechlichen Oberflächen.
Die Videoarbeit „Amore Molesto“ der in Kanada geborenen und nun in Frankfurt lebenden Künstlerin Rosa Aiello bildet den Abschluss der Ausstellung. Wiederkehrende Motive wie das Alphabet, die Jahreszeiten, oder Natur und Architektur flickern hierbei über den Videoscreen wie eine Spur, die sich nur für den Bruchteil einer Sekunde in den Schirm einschreiben kann. In Aiellos Videoarbeiten verbinden sich gegensätzliche Strukturen ohne ordnungsstiftenden Funktion. Ausgangspunkt bildet hierbei das Alphabet als Grundeinheit unserer Sprache. Unzusammenhängende Wörter, die aus einem Kreuzworträtsel der New York Times entnommen wurden, werden von einem computergesteuerten Programm für Sehbehinderte gesprochen und mit den Bildern des Videos verbunden. Die Sprache als individuelle Visitenkarte wird so entpersonalisiert. Ein Großteil des Bildmaterials stammt aus Kalabrien, dem Herkunftsort ihres Vaters. Menschen, Orte, Musik und Gegenstände, die in besonderer Beziehung zu ihr stehen, geben so Einblick in ihre ganz persönliche Geschichte. Durch die Verbindung von vertrautem Material und einer arbiträren, willkürlichen Organisation, sucht sie einen Weg zwischen Ordnung und Chaos, Verantwortung und Vernachlässigung.

 

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Daniel Lergon Untitled, 2017
Medium: Paintings, oil on canvas

 

From the Outside to the Inside
With this show, curated by Andreas Huber, we continue our series of exhibitions around art as a mediator between outer and inner states of being.

While the exhibition “From the Inside to the Outside”, which opened in January this year, examined how emotions and feelings expressed themselves and materialised in outward appearances, “From the Outside to the Inside” explores the opposite process, namely, the inevitable dissolution of reality when it enters the world of feelings and thoughts. Harnessing the visual and tactile allure of surfaces, the works of Nazim Ünal Yilmaz, Daniel Lergon, Peter Miller, Kelly Akashi and Rosa Aiello take visitors on a journey into a hidden world of ideas, memories and sensations.
The paintings of Nazim Ünal Yilmaz act as landscapes of the soul. Their abandoned corridors and staircases speak of loneliness and melancholy but also of thrill and excitement. As ambivalent sites of encounter and anonymity, their steps lead into inscrutable darkness. Although the time and place are not specified, a hybrid object between insect and underwear, which seems to have been carelessly dropped on the stairs, points to a hotel as a place of sexual adventure and daring eroticism. Together with the installation “Hotel Principles II”, in which nylon tights have been sewn together and stretched into a kind of screen, it structures the space and thereby actively intervenes in it. Both installations, owing to the material qualities of their surface, obstruct spectators’ view on what lies beyond, while at the same time arousing their curiosity. The ambivalence that marks the paintings here finds its material expression.
The nature of the surface also plays a crucial role for Daniel Lergon. In the works shown here, the Berlin-based artist, who is known for his experimental approach to painting, uses a single colour pigment based on which he develops a rich spectrum of nuances, from luminescent light green to near-black darkness. In a space devoid of gravity, the colour floats on a monochrome ground as though on water. Time seems to stand still. Forms crystallise and materialise. Only a closer look reveals the materiality and texture of the paint. An inner light seems to pulsate in Lergon’s works, which, despite their abstract forms, always contain hints at figuration. By reducing colour to a single pigment, the artist lets the gestural application of paint move to the foreground, which inscribes itself on the canvas directly and personally, like fingerprints in the sand.

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Peter Miller Blätter, 2017

 

Directness and materiality are less prominent in the work of Peter Miller, who also creates a kind of fingerprint in his work “Vinyl Lines”, though without intervening as an artist himself. Instead, he has conceived a device that graphically captures the unique structure of a vinyl record. Following the semiotic principle of an index, the grooves of the record are transcribed as fine lines onto a sheet of paper by means of a mechanical transmission system. The artist’s favourite music, fraught with memories and feelings, is thus captured as a very personal self-portrait in the form of an automatically generated trace. The trace as a fixed mark also plays a crucial role in Miller’s video work “Eidola”, in which he self-referentially examines the media of film and photography in order to demystify their hidden mechanisms. “Eidola” illustrates an ancient theory of perception according to which small particles detach themselves from the object and form an image in the eye of the beholder. In keeping with this conception, Miller uses a pair of night-vision goggles that simultaneously act as a film camera. They allow him to open a camera in the dark and to work on the undeveloped roll of film with a laser pointer. By doing so, he creates an interaction of exposure, visibility and destruction on the very surface of the film.
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While the Los Angeles-based artist Kelly Akashi also considers surfaces as mediators of meaning, her approach is essentially different. She uses predominantly materials such as wax, glass or bronze to create delicate sculptures that appeal to several senses at once. Lightness, transparency and fragility are just as important in her work as texture, surface design and material density. The glass literally exhibits the qualities of its surface. Seeing becomes feeling. At the same time, spectators experience their detached position when they see their reflection on the glass. On closer inspection, they discover winding structures hidden beneath its surface. In Akashi’s works, the process leading from the surface to the inside is thus translated literally. The hidden grasses and branches not only establish a connection between inside and outside, but also reconcile art and nature. The boundaries between the world of nature and the world of art are abolished. Air and fire are further components of the artist’s works, embedded and evidenced in the organic forms of the fragile surfaces.

 

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Rosa Aiello: Amore Molesto, 2017

 

The video work “Amore Molesto” by the Frankfurt-based Canadian artist Rosa Aiello concludes the exhibition. Recurring motifs such as the alphabet, the seasons or nature and architecture flicker over the video screen like traces that can only inscribe themselves on the screen for a fraction of a second. Aiello’s video works combine antagonistic structures without any ordering logic. Their starting point is the alphabet as the basic unit of language. Disconnected words taken from a crossword puzzle in the New York Timesare spoken by a computer programme for the visually impaired, and linked to the images in the video. Language as the individual’s hallmark is depersonalised. Much of the footage was shot in Calabria, the place of birth of the artist’s father. People, places, music and objects with which she entertains a special relationship provide an insight into her personal story. By combining familiar material and arbitrary arrangement, her work walks a critical path between order and chaos, or between responsibility and carelessness.

CRONE WIEN GmbH ⦁ GETREIDEMARKT 14, EINGANG ESCHENBACHGASSE 14 ⦁ 1010 WIEN
TEL +43 1 581 31 64 ⦁ FAX +43 1 581 31 64 20 ⦁ http://www.galeriecrone.at ⦁ info@galeriecrone.at

 

 

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baltictriennial13

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Baltic Triennial 13
GIVE UP THE GHOST
Chapter 1
Contemporary Art Centre, Vilnius
opening 11 May 2018
Artistic Director: Vincent Honoré
11 May –12 August 2018
Vokiečių g. 2, 01130 Vilnius
https://curamagazine.com/give-up-the-ghost-baltic-triennial/
https://www.baltictriennial13.org/

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Baltic Triennial 13
GIVE UP THE GHOST
Chapter 2
Tallinn Art Hall (Kunstihoone), Tallinn
Press and professional preview: 29 June 2018
29 June–2 September 2018
https://www.baltictriennial13.org/

 

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Baltic Triennial 13
GIVE UP THE GHOST
Chapter 3
Kim? Contemporary Art Centre, Riga
Press and professional preview: 21 September 2018
21 September–18 November 2018
https://www.baltictriennial13.org/

CURA. in conversation with
Artistic Director Vincent Honoré about shifting form of BT13:

„For the three exhibitions in Vilnius, Tallinn and Riga it was important to find a balance between coherence and fragmentation. It has been important to delineate a coherent structure that forms a single exhibition, united by the main theme of belonging. At the same time, it has been of equal importance to resist any form of conclusion that would neutralize the potency of individual works, hence leading us to embrace fragmentation as an active strategy.“

#giveuptheghost
#baltictriennial13
#BT13 #contemporaryart
#Vilnius #Tallinn #Riga

Kaasaegse Kunsti Eesti Keskus/ Center for Contemporary Arts, Estonia
Kim?

 

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The Baltic Triennial has historically taken place at the CAC Vilnius only. For its 13th edition, it will – for the first time – be organised by and happen in Lithuania, Estonia (opening on June 29th) and Latvia (opening on September 21st), where the Triennial will take the form of three different chapters and include different artists.

Baltic Triennial 13 is informed by a shared concern: what does it mean to belong at a time of fractured identities? BT13 – GIVE UP THE GHOST will unfold through and with this very question, careful not to offer a single or illustrative response. Instead, it opts for a collective vision of what is at stake: independence and dependency—and everything that lies in between—to territories, cultures, classes, histories, bodies and forms. The fluctuating notion of belonging, which can be understood to exist within the conceptual and formal framework of a relationship, allows us to think beyond identity as something fixed, self-contained and essentialised.

The exhibition in Vilnius, set within an ambitious architectural intervention designed by architect Diogo Passarinho, and which will considerably change the institution by opening it up and reconfiguring the entire space, tackles the concept of belonging by bringing together unstable territories and bodies. A large number of works have been commissioned especially for the exhibition: Anna Hulačová creates a monument in the form of a fountain; Dora Budor takes over the space surrounding the terrace and turns it into a futuristic desolate landscape inhabited by animatronic birds; Augustas Serapinas has worked with a local community to address the heritage of the nuclear industry; Sanya Kantarovsky premieres a group of new, unique works; Daiga Grantina has created a large group of sculptures; Melvin Edwards revisits one of their iconic barbed wire pieces from the 1970s; Laure Prouvost creates an immersive installation in the form of a landscape; Pakui Hardware produce new works addressing technology and human perception; Ieva Rojūtė installs two new murals; Michael E. Smith infiltrates the space with sculptures and videos; Caroline Achaintre produces large-scale new sculptures… These commissions are accompanied by loans, shown for the first time in Vilnius, of important works by: Darja Bajagić, Nina Beier, Huma Bhabha, Miriam Cahn, Jayne Cortez, Melvin Edwards, Pierre Huyghe, E’wao Kagoshima, Ella Kruglyanskaya, Katja Novitskova, Max Hooper Schneider, Anu Põder and Rachel Rose. Drawings, paintings, installations, videos, music, texts, performances form a polyphony addressing the multiple artistic strategies of our time.

https://curamagazine.com/give-up-the-ghost-baltic-triennial/

Curatorial Team:
Dina Akhmadeeva, Canan Batur, Neringa Bumbliene,
Cédric Fauq, Anya Harrison
Architect: Diogo Passarinho
Designer: Tadas Karpavičius

Supported by Ministry of Culture of the Republic of Lithuania, Lithuanian Council for Culture, Institut Français, Arterritory.com, Go Vilnius

Partners: Embassy of the Czech Republic in Vilnius,
Institut Français in Lithuania, artnews.lt

The Triennial celebrates the Centennial of the restored Latvia,
Lithuania and Estonia
https://www.baltictriennial13.org/

Contemporary Art Centre, Vilnius
11 May–12 August, 2018

Tallinn Art Hall (Kunstihoone)
29 June–2 September, 2018

Kim?, Riga
21 September–18 November, 2018

 

#giveuptheghost
#baltictriennial13
#BT13 #contemporaryart
#Vilnius #Tallinn #Riga

https://www.instagram.com/baltictriennial13/

https://www.facebook.com/BalticTriennial13/

 

1.13 – oji Baltijos trienalė „Išsižadėk šmėklų“
gali būti pakeista į 13 oji Bal
tijos trienalė (be pavadinimo).
pvz.: 13-oji Baltijos trienalė
LAURE PROUVOSTBūdas tekėti, laižyti , tekėti, 2016
InstaliacijaMeninink ės nuosavybė
NuotraukaŠMC/ Andrej  Vasilenko

 

 

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