MuS Lentos
Transformation und Wiederkehr
Radikale Nationalismen im Spiegel der zeitgenössischen Kunst
Ausstellung: 24.3.–6.6.2021
KuratorInnen: Markus Proschek, Hemma Schmutz
KünstlerInnen
Monica Bonvicini, Keren Cytter, Martin Dammann, Ines Doujak, Riccardo Giacconi, Erez Israeli, Franz Kapfer, Laibach, Annika Larsson, Henrike Naumann, Markus Proschek, Roee Rosen, Dennis Rudolph, Christina Werner
Let’s talk about it – Reden wir darüber
Donnerstag 15.04 wöchentlich | 16:30-18:30 Uhr
Ernst-Koref-Promenade 1, 4020 Linz AT
https://www.lentos.at/html/de/6119.aspx

Transformation und WiederkehrRadikale Nationalismen im Spiegel der zeitgenössischen Kunst

Die Ausstellung Transformation und Wiederkehr im Lentos betrachtet Radikale Nationalismen im Spiegel zeitgenössischer Kunst. Die versammelten Werke von 14 KünstlerInnen, reinszinieren und dekonstruieren grundlegenden faschistoide Mechanismen.

Das Jahr 1945 bezeichnet das Ende des zweiten Weltkrieges und der nationalsozialistischen Herrschaft. Ideen und Weltanschauung bleiben aber auch nach dieser Zäsur in unterschiedlichen Zusammenhängen wirksam. Nationalistische und rechtsextreme politische Strömungen beziehensich direkt oder indirekt auf die Geisteshaltung des Faschismus und Nationalsozialismus. Dieser Wiederkehr rechtsextremer Positionen im Politischen entspricht eine gleichzeitige kritischeRepräsentation des Faschismus in der bildenden Kunst und der Literatur. Ästhetische Versatzstücke dieser Weltanschauung werden auch immer wieder durch die Populärkulturangeeignet. Sowohl im Feld des Imaginären als auch in dem des Realen spiegeln sich diese Erscheinungen wider.

Die Ausstellung versammelt künstlerische Positionen und Strategien einerAuseinandersetzung mit den Phänomenen Faschismus und Nationalsozialismus. Sie reichen von Aneignung und mimetischer Subversion bis hin zur analytischen Betrachtung, Reinszenierung und Dekonstruktion faschistoider Mechanismen, wie der Fetischisierung von Autoritäten oder obsessiven Untergangsphantasien.

Ein Aspekt des Ausstellungsprojektes ist die These des Psychoanalytikers Wilhelm Reich, nach der Faschismus ein originär sexualisiertes politisches Feld mit daraus resultierenden prekären Geschlechtsidentitäten sei. Daraus ergibt sich die Fragestellung wie dieses politische System, trotz (oder gerade wegen?) seines real reaktionären Charakters, eine kontinuierlicheProjektionsfläche transgressiver Phantasien werden konnte. Schlussendlich soll diese Ausstellung auch einen Blick darauf werfen, welche künstlerischen Strategien dazu geeignet sind, aktuelle totalitäre und rechtsextreme Entwicklungen zu visualisieren.

Abstract von Klaus Schönberger zum Termin:
Rechte Bilder für das Gefängnis der Identität – Protestartikulation rückwärtsgewandt auf der Höhe der Zeit

8.4.2021 | 18 Uhr

Die rechte Bildproduktion versucht offensichtliche Bezugnahmen zum historischen Nazi-Faschismus tunlichst zu vermeiden. Tatsächlich aber weist (nicht nur) ihre ästhetische Mobilisierung klare Parallelen zur NS-Bewegung vor 1933/38 auf. Dass dies gegenwärtig meist nicht bemerkt wird, liegt einerseits an der verbreiteten Vorstellung, “die Nazis” seien ein bisschen blöde, haben Glatzen, würden grimmig daher schauen und wären immer schon «ewig gestrig» gewesen. Dabei wird übersehen, dass bereits die historische Nazi-Bewegung absolut modern gewesen ist, ihre ideologischen Statthalter akademisch gebildet und aus der Mitte der Gesellschaft gekommen sind. Ähnlich verhält es sich gegenwärtig.
 

Rechte Aktionen und Interventionen orientieren sich an den politischen Aktionsformen der Neuen Linken und ihre politische Strategie beziehen sie von dem marxistischen Theoretiker Antonio Gramsci. Ideologisch rückwärtsgewandt fordern sie das ethnokulturelle Gefängnis der Identität und verknüpfen dies mit politischen Artikulationsformen auf der Höhe der Zeit.

Das Webinar wird ausgehend von den gesellschaftlichen Grundlagen der (nicht nur) rechtsextremen gegenwärtigen Bildproduktion, dieselbe im Kontext ihrer Aktionsformen diskutieren, sie nach Parallelen zum Nazi-Faschismus befragen und nach Gegenstrategien suchen.

 

THE 4TH MEDITERRANEAN BIENNALE Israel Haifa
LIVING TOGETHER — CROSSING BORDERS
Opening: Tuesday, 6 April 2021 | 17 -22 pm
Opening reception: 19:30 pm
Director & Curator: Belu-Simion Fainaru, Avital Bar-shay

Participating artists:
AES+F (Russia), HANNAN ABU-HUSSEIN (Israel), LELA AHMADZAI (Germany / Afghanistan), RASHID AL KHALIFA (Bahrain), NEVIN ALADAĞ (Germany / Turkey), ANNA ANDERS (Germany), CARLOS AMORALES(Mexico), ABIR ATALLA (Israel), AVITAL BAR-SHAY(Israel), AVNER BEN-GAL (Israel), JANET BIGGS (USA), IRINA BOTEA BUCAN & JON DEAN (Romania / UK), THORSTEN BRIKMAN (Germany)RAAYA BRUKENTHAL (Israel), MICHAL CHELBIN (Israel), CHTO DELAT (Russia), EDUARD CONSTANTIN (Romania), TRACEY EMIN(UK),
BELU-SIMION FAINARU (Israel), REUT FERSTER (Israel), SHIRA GEPSTIEN-MOSHKOVICH (Israel), AMOS GITAI (Israel), ADRIAN GHENIE (Germany / Romania) ION GRIGORESCU (Romania), NETA ISHAY (Israel), ORIT ISHAY (Israel), BOAZ KAIZMAN (Germany / Israel), MUHAMMAD SAID KALLASH(Israel), ALI KAZMA (Turkey), HACER KIROGLU (Turkey), DANIEL KNORR (Germany / Romania), JANNIS KOUNELLIS (Italy), ANNA LUKASHEVSKY (Israel), IDDO MARKUS (Israel), ALMAGUL MENLIBAYEVA (Germany / Kazakhstan), CIPRIAN MURESAN (Romania), HIAM MUSTAFA (Israel), ARASH NASSIRI (France / Iran)KARAM NATOUR (Israel),
IULIA NISTOR (Germany / Romania), BOAZ NOY (Israel), MARIO PFEIFER (Germany) MANUEL SAIZ (Spain), SHAHAR SIVAN (Israel), FATMA SHANAN (Israel), ANGELIKA SHER (Israel) KHEN SHISH (Israel), MICHA ULLMAN(Israel), SAMIRA WAHABI (Israel), OR FAINARU (Israel), KAY WALKOWIAK (Austria) CLEMENS VON WEDEMEYER (Germany), PAVEL WOLBERG (Israel), SHARON YAARI (Israel), OLA ZAITOUN (Israel), HECTOR ZAMORA (Portugal / Mexico), AMIRA ZIAN (Israel), NATALIA ZURABOVA (Israel)

6 April – 15 June 2021
HAIFA / SAKHNIN VALLEY
Venues: Main exhibition: NB Haifa School of Design; City Center Mall; Café Aroma, 8 Ben Gurion Blvd, Haifa; the Colony Hotel, 28 Ben Gurion Blvd, Haifa; Daniel Hair Salon, 36 Ben Gurion Blvd, Haifa; Kingdom Bar, 37 Ben Gurion Blvd, Haifa; Strudel Restaurant, 39 Ben Gurion Blvd, Haifa; Haifa Tourist Board,
48 Ben Gurion Blvd, Haifa, French Consulat Hagefen st. 37.
https://mediterraneanbiennale.com/

The Mediterranean Biennale offers an alternative platform, highlighting the local processes being created in the region and enhancing their cultural impact by means of art directed toward the community; art that emerges from the museum walls and integrates with the city. The city becomes a place for artistic thinking and inspiration, and a laboratory for ideas and creativity.Entitled “LIVING TOGETHER—CROSSING BORDERS”,

the 4th Mediterranean Biennale seeks to reinforce solidarity, delving into the notion of the city as a shared public space, in response to the current Coronavirus crisis and its aftershocks. It sustains interpersonal interaction beyond borders in a time of travel restrictions and social distancing.

The Mediterranean Biennale is celebrating its tenth anniversary since its inauguration in 2010 as a model for multicultural cooperation and dialogue spanning diverse outlooks and opinions held by different communities and groups. It offers a venue in which one may discuss social issues relevant to contemporary society and explore art as a bridge between cultures.

Entitled “LIVING TOGETHER—CROSSING BORDERS,” this year the Biennale seeks to reinforce social solidarity, delving into the notion of the city as a shared public space, in response to the Coronavirus crisis and its aftershocks. It sustains interpersonal interaction beyond borders in a time of travel restrictions and social distancing. The Mediterranean Biennale offers an alternative platform, highlighting the local processes being created in the region and enhancing their cultural impact by means of art directed toward the community; art that emerges from the museum walls and integrates with the city. The city becomes a place for artistic thinking and inspiration, and a laboratory for ideas and creativity.

The city will serve the Biennale as a meeting point for artists, artworks, and audiences. Through art, viewers will be able to explore different parts of the city, wander around and discover the urban spaces and the people living in them. The Biennale asks how to build and maintain structures of solidarity to counter isolation in light of current restrictions. It will function as a locus that brings people from different cultures together, striving to introduce art as a a tool that shortens distances and expands possibilities, providing a forum for the exchange of ideas and sharing of experiences even when physically distanced.

The 4th Mediterranean Biennale will present work by 50 participants, approximately half of them from overseas, including artists from Middle Eastern countries such as Iran, Afghanistan, Turkey, Bahrain, etc., whose work will be featured throughout Haifa’s German Colony, and later this year—in the Sakhnin Valley. In Haifa, the works will be presented in alternative spaces, such as the NB Haifa School of Design, which will be the main venue, as well as at the Colony Hotel, in cafes, a hair salon, the City Center Mall, and a hookah (Nargila) bar—venues that form an urban walking route.The exhibition was initiated by Haifa-based entrepreneurs and curators, Avital Bar-Shay and Belu-Simion Fainaru, in collaboration with the NB Haifa School of Design, where the main exhibition will be staged, as well as the owners of the cafes, hotels, and mall. All of them have come together and taken the initiative to conceive of an art event as a focal point of cooperation, experience, and learning.

https://mediterraneanbiennale.com/

EVENT LOG If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form. http://www.estherartnewsletter.com/event-log

ALBERTINA

HUBERT SCHEIBL SEEDS OF TIME

AB 31. AUGUST 2021

Kuratorin Antonia Hoerschelmann

Ausstellung: 31. August – 5. Dezember 2021

Täglich | 10 – 18 Uhr

Albertinaplatz 1, 1010 Wien

https://www.albertina.at/ausstellungen/hubert-scheibl-seeds-of-time/

HUBERT SCHEIBL Seeds of Time
AB 31. AUGUST 2021

Unter dem Titel Seeds of Time zeigt die ALBERTINA eine Auswahl aktueller Arbeiten von Hubert Scheibl, die großteils in der Abgeschiedenheit der Pandemie entstanden sind. Fragen über Leben und Tod, über die Natur mit ihren Mutationen und die Evolution der kleinsten Lebensbausteine, von Zellen, Viren und Bakterien drängen sich unter den neuen Gegebenheiten auf. Die Pandemie hebt unsere Welt aus den Angeln: Ein Virus beweist eindrucksvoll und für alle spürbar, dass Zeit und Raum doch nur relative Größen im Angesicht von elementaren Bedrohungen sind. Gewohnte Bezugspunkte werden verschoben und müssen neu definiert werden. Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft verdichten sich zu einem flüchtig im Gemälde festgehaltenen Augenblick, der die lineare Kontinuität von Zeit negiert. Der Zufall und das Unkontrollierbare stehen dabei im Mittelpunkt – ganz wie in Scheibls Kunst.
 

Kunst zwischen Zufall und Kalkül

Die drei Ausstellungsräume widmen sich speziellen Phänomenen in Scheibls Kunst: Im ersten Raum kommunizieren beinahe monochrom wirkende Quadratbilder miteinander. Die durch viele übereinanderliegende Farbschichten entstandenen Kunstwerke entfalten einen faszinierenden Farbklang aus jeweils individuellen, koloristischen Akkorden. 

Scheibls Serien entstehen nicht innerhalb eines begrenzten Zeitraums. Sobald neue Impulse auftauchen, greift der Künstler auf Formate, Ideen und Techniken aus der Vergangenheit zurück. So erlaubt im zweiten Raum der koloroistisch subtil aufbereitete Bildgrund von ‚Ones‘ ebenso wenig, nachträglich etwas zu ändern, wie die neuen ‚My private B.‘ betitelten Arbeiten. Auf einen atmosphärisch komplexen Hintergrund überträgt der vom Impuls und maximaler Konzentration geleitete Pinselstrich die Körperbewegung dynamisch und unabänderbar auf das Bild, gibt ihm Raum und Gestalt.

Der dritte Raum thematisiert das wechselseitige Verfahren des Herauskratzens von Linien und Spuren bei Gemälden einerseits und das Auftragen von Linien auf das Weiß des Papiers beim Zeichnen andererseits. Die abstrakten, impulsiv entstandenen Linienstrukturen erinnern an gegenständliche Formen aus der Natur, an Gräser, Äste oder Wälder.
 

Ausloten von Extremen

Scheibls künstlerisches Universum ist ein Kaleidoskop an Vielfalt und Koexistenzen. Seine Kunst ist ein permanentes Experiment, das Gegensätze verbinden will. Zentrale Ausdrucksform von Scheibl ist das Malen, in das Musik, Film, Bildhauerei, Zeichnen, Literatur, Philosophie und Wissenschaft einfließen.

Hubert Scheibl (1952*) zählt seit Jahrzehnten zu den international anerkannten österreichischen Künstlern. Auch in der ALBERTINA ist der Künstler mit bedeutenden Hauptwerken aus unterschiedlichen Schaffensperioden vertreten. Arbeiten aus seinem Œuvre sind regelmäßig in Sammlungspräsentationen zu sehen.

Ausstellung: 31. August – 5. Dezember 2021

Die Auswahlkriterien sind dabei vielfältig: formale, inhaltliche wie auch assoziative Aspekte leiten den Künstler in seinem Entscheidungsprozess. Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle, Skulpturen und Künstlerbücher unterschiedlichster Schaffensperioden umkreisen umfassende Themenbereiche. Topoi wie Evolution und Natur, das „ständige Oszillieren zwischen hüben und drüben“ (Hubert Scheibl), das Durchbrechen von Raum- und Zeitachsen sind Ausgangspunkte dieser Annäherung. Die Präsentation wird aus drei Kapiteln bestehen, die auf die drei architektonisch sehr unterschiedlichen Ausstellungsräume der Pfeilerhalle reagieren.

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Desert X 2021 DESERT BIENNIAL 2021

Serge Attukwei Clottey | The Wishing Well

33.868111, -116.552750

12 March- 16 May 2021

On view from sunrise to sunset

James O. Jessie Desert Highland Unity Center

480 W. Tramview Road Palm SpringsCoachella Valley

in southern California PO Box 4050 Palm Springs

CA 92263 United States

© DESERT BIENNIAL 2021

https://www.afrogallonism.com/

https://desertx.org/dx/desert-x-21/serge-attukwei-clottey

The Wishing Well is a sculptural installation of large-scale cubes draped with sheets of woven pieces of yellow plastic Kufuor gallons used to transport water in Ghana. Transforming a public park into a destination, The Wishing Well refers to the wells to which many people around the world must trek daily to access water. Europeans introduced Kufuor gallons, or jerrycans, to the people of Ghana to transport cooking oil. As repurposed relics of the colonial project, they serve as a constant reminder of the legacies of empire and of global movements for environmental justice. Sited in the Coachella Valley, whose future is deeply dependent on water, The Wishing Well creates a dialogue about our shared tomorrow.

Serge Attukwei Clottey (Accra, Ghana, 1985) explores the sociopolitical, economic, environmental, and cultural legacies of the colonial project in Africa. Using yellow plastic jerrycans known as Kufuor gallons, he creates sculptures, installations, and performances that speak to histories of colonial pillaging and its effects on trade and migration. These gallons function as material and a striking symbol in Attukwei Clottey’s practice: a reminder of the way violent pasts manifest in the everyday.

The artist and Desert X would like to thank the generous support of the Desert Highland Gateway Estates Community Action Association and SIMCOR.

https://www.instagram.com/_desertx/

Serge Attukwei Clottey (b. 1985) is known for work that examines the powerful agency of everyday objects. Working across installation, performance, photography and sculpture, Clottey explores personal and political narratives rooted in histories of trade and migration. Based in Accra and working internationally, Clottey refers to his work as “Afrogallonism”, a concept that confronts the question of material culture through the utilisation of yellow gallon containers.

Cutting, drilling, stitching and melting found materials, Clottey’s sculptural installations are bold assemblages that act as a means of inquiry into the languages of form and abstraction. Utilising flattened Kuffuor gallon, jute sacks, discarded car tires and wood pieces, he forms abstract formations onto which he inscribes patterns and text. In doing so, he elevates the material into a powerful symbol of Ghana’s informal economic system of trade and re-use. While some surfaces resemble local textile traditions such as Kente – a key reference in west African Modernism throughout the 20th century – others refer to barcodes and feature Chinese characters in reference to the emergence of new power structures in Ghana. In Clottey’s drawings, the artist explores a formalist approach, depicting disjointed figures and faces, not unlike the visions of nude women under Cubism, a European movement which drew heavily from traditional African tribal sculpture.

At the centre of Clottey’s engaged dialogue with Ghana’s cultural history is the notion of performance as a daily activity. Through his notable work, My Mother’s Wardrobe, presented at Gallery 1957, Clottey used performance to explore traditional gender roles along with notions of family, ancestry and spirituality. In a personal work inspired by the aftermath of the death of his mother, the artist staged a performance exploring the concept of material possessions honouring women as the collectors and custodians of cloth that serves as signifiers of history and memory. Clottey’s work sits at the intersection of making and action, drawing heavily on the artist’s immediate and ever-changing environment.

http://www.gallery1957.com/artists/serge-attukwei-clottey/