gianluca_capozzi_giardinoreciso

galleria metroquadro

Gianluca Capozzi

IL GIARDINO RECISO / THE SEVERED GARDEN

fino al 12 novembre 2022

A cura di Andris Brinkmanis

15.09.2022 – 12.11.2022

Corso San Maurizio 73/F Torino

Gianluca Capozzi: The Severed Garden

The square overlooking the harbor – this is perhaps the best way to express it – was like a palette on which my imagination experimentally mixed things; irresponsibly, if you will, and yet just in the way a great painter looks at his palette as an instrument.

/W. Benjamin, Minutes on an experiment with hashish, “September 29, 1928. Saturday, Marseille”/

With his solo exhibition Il Giardino Reciso (The Severed Garden), Gianluca Capozzi (1973, Avellino) returns to Turin, at the metroquadro gallery, with a new constellation of artistic works, assembled in dialogue and under the curatorship of Andris Brinkmanis (1978, Riga). The title, loosely inspired by a late poem by Jim Morrison, also recorded on a posthumous record with instrumental accompaniment by his band, here takes on a more connoted meaning.

Capozzi, starting from his research on psychedelia, a theme that has interested him for years, and drawing inspiration from South American magical thought, Eastern thought, and the discoveries of quantum physics, builds complex and well-articulated pictorial universes, though not immediately decipherable.

Starting from the observation and deconstruction, of the supposed objectivity of rational logical thought, Gianluca Capozzi, through his artistic intervention, enacts a kind of decomposition of the real and the visible. Overlaying multiple visual and temporal registers, the artist projects us to the deepest part of reality, for the knowledge of which, following the logic of Buddhism and other esoteric cultures of his interest, we already have all the innate tools, but which we no longer know how to access, which we no longer know how to use. We perceive nothing but an insuperable constitutive opacity. We remain locked in autistic domination of our Ego, disproportionate individualism, chronic neoteny, identity politics, ideologies of pleasure, memory, and thought — and all this leads us to develop a series of destructive attitudes toward ourselves, and other life forms, and the environment in general.

The crumbling of the perception of reality, which we see in some of the works on display, precisely, comes not only from his theoretical reflections but also from experiences with expanded states of consciousness through deep meditation and other practices, following which it is possible to access more subtle planes of reality, to see how our daily life is basically nothing more than a kind of Chinese shadow theater. A projection, as in the cave described by Plato himself. A thousand veils cloud our vision, from which we no longer know how to free ourselves. Our memory by collecting various imprints, traumas, wounds, pleasures, and emotions into a vast whole, builds what we define as the “Ego,” which is then further conditioned by social and political factors. This, also becomes almost the only tool through which we navigate and read reality. Thus, we learn membership in a defined language, state, nation, gender etc. And we hold on to this construct until our demise.

As Capozzi proposes instead, “New findings in quantum physics show us how reality is not what forms consciousness, but how instead it is consciousness that forms reality. How we live in a kind of entangled network of potentialities. The quantum world appears classical, not because of the macroscopic nature of the measuring apparatus, but because we, as observers, are part of the world we observe. The observer in some sense is the observed. To understand this complex thinking, one proposal would be to use the de-coherence method.”

Painting, here, not surprisingly still turns out to be the most effective medium to be able to represent and make understandable phenomena of such complexity and richness, as these remain beyond the reach of current technological means and our linear historical logic.

What, then, is the Garden that the exhibition is about? If for Morrison the garden with the cut flowers was the one resembling a cemetery, for Capozzi perhaps it means just the opposite, as it remains pregnant with the possibility of flourishing again. Although currently severed following the dominant aesthetic, social and political canons, this Garden can flourish wildly again as soon as it is left intact or unconditioned for a period of time.

Thus, it is not intoxication that is the phenomenon that fascinates the artist, but the expansion of consciousness as a kind of means of being able to find ways of a new awareness, such as can enable us to get through that “visual noise” to which we are constantly subjected. Thus upon awakening, perhaps, the opacity of contemporary capitalism, may appear less dense, allowing one to see clearly the mechanisms of its workings and leaving the possibility of turning away from them and its ideology as one possible world, finding alternatives that do not belong to that rhetoric.

Andris Brinkmanis

@gianlu_capozzi

https://www.instagram.com/gianlu_capozzi/

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

unnamed-1

Chagall_Welt_in_Aufruhr

SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT

CHAGALL. WELT IN AUFRUHR

Presse: Donnerstag, 3. November 2022 | 11 Uhr

Dr. Sebastian Baden, Direktor der Schirn

KURATORIN Dr. Ilka Voer­mann

Ausstellung: 4. November 2022 – 19. Februar 2023

Öffnungszeiten

Dienstag, Freitag – Sonntag 10–19

Mittwoch und Donnerstag 10–22

Römer­berg 60311 Frank­furt

https://www.schirn.de/ausstellungen/2022/chagall/

#CHAGALL

#SCHIRN

HIGHLIGHT IM HERBST:

DIE SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT BELEUCHTET MARC CHAGALLS SCHAFFEN

DER 1930ER- UND 1940ER-JAHRE IN EINER GROSSEN AUSSTELLUNG.

Marc Chagall, Um sie herum, 1945, Öl auf Leinwand, 131 x 109,5 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Schenkung des Künstlers, 1953, © VG Bild-Kunst, Bonn 2022, Foto: bpk / CNAC-MNAM / Philippe Migeat

CHAGALL
WELT IN AUFRUHR

4 NOVEMBER 2022 – 19 FEBRUAR 2023

In Marc Chagalls (1887–1985) Werk scheinen der Fantasie keine Grenzen gesetzt. Er gilt als einer der eigenwilligsten Künstler der Moderne. Die Schirn Kunsthalle Frankfurt widmet dem Maler

nach 15 Jahren erstmals wieder eine groß angelegte Ausstellung in Deutschland. „Chagall. Welt in Aufruhr“ beleuchtet vom 4. November 2022 – 19. Februar 2023 eine bislang wenig bekannte Seite seines Schaffens: Chagalls Werke der 1930er- und 1940er-Jahre, in denen sich seine farbenfrohe Palette zunehmend verdunkelt.

Als jüdischer Maler war Chagall immer wieder existenziellen Bedrohungen ausgesetzt, die sich prägend auf sein Leben und sein Werk auswirkten. In den frühen 1930er-Jahren thematisierte er in seiner Kunst den immer aggressiver werdenden Antisemitismus und emigrierte 1941 aufgrund der Verfolgung durch das nationalsozialistische Regime schließlich in die USA. Sein künstlerisches Schaffen in diesen Jahren berührt zentrale Themen wie Identität, Heimat und Exil. Mit rund 60 eindringlichen Gemälden, Papierarbeiten und Kostümen der 1930er- und 1940erJahre zeichnet die Ausstellung die Suche des Künstlers nach einer Bildsprache im Angesicht von Vertreibung, Verfolgung und Emigration nach. Sie präsentiert wichtige Werke, in denen sich Chagall vermehrt mit der jüdischen Lebenswelt beschäftigte, zahlreiche Selbstbildnisse, seine Hinwendung zu allegorischen und biblischen Themen, die bedeutenden Gestaltungen der Ballette Aleko (1942) und Der Feuervogel (1945) im US-amerikanischen Exil, die wiederkehrende Auseinandersetzung mit seiner Heimatstadt Witebsk und Hauptwerke wie Der Engelsturz (1923/1933/1947). In der Zusammenschau ermöglicht die Schirn eine neue und äußerst aktuelle Perspektive auf das Œuvre eines der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts.

Für die Präsentation konnte die Schirn bedeutende Leihgaben aus zahlreichen deutschen und internationalen Museen, öffentlichen wie privaten Sammlungen gewinnen und in Frankfurt

zusammenführen. Zu den Leihgebern zählen u.a. das Kunsthaus Zürich, das Kunstmuseum Basel, The Metropolitan Museum of Art, New York, das Moderna Museet, Stockholm, das Centre

Pompidou, Paris, das Musée national Marc Chagall, Nizza, das Museo de Arte ThyssenBornemisza, Madrid, das The David and Alfred Smart Museum of Art, Chicago, das Stedelijk Museum, Amsterdam, die Tate, London, das Tel Aviv Museum of Art sowie das The Israel Museum, Jerusalem.

Marc Chagall, Jerusalem (Die Klagemauer), 1931, Öl und Gouache auf Leinwand, 100 x 81,2 cm, Privatsammlung, © VG Bild-Kunst, Bonn 2022, Foto: Archives Marc et Ida Chagall

Die Ausstellung „Chagall. Welt im Aufruhr“ wird gefördert durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain und die Ernst Max von Grunelius-Stiftung. Hinzu kommt die Förderung der Bank of

America als Partner der Schirn sowie zusätzliche Unterstützung durch die Georg und Franziska Speyer’sche Hochschulstiftung.

Sebastian Baden, Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt, betont: „Wie eng die oftmals als fantastisch beschriebene Kunst von Marc Chagall mit seiner Lebenswirklichkeit verbunden ist,

zeigt besonders der Blick auf seine weniger bekannten Werke der 1930er- und 1940er-Jahre. Unverkennbar reflektierte Chagall in diesen Gemälden die politische Realität und machte es sich

zum Anliegen, auch ein nicht-jüdisches Publikum zu erreichen und zur Auseinandersetzung mit der Shoah aufzufordern. Anhand des Schaffens eines der bekanntesten Künstler der

europäischen Moderne befasst sich die Schirn mit zentralen Themen wie Flucht und Verfolgung, Heimat und Exil, aber auch der Frage, wie Erfahrungen und Zuschreibungen durch andere die eigene Identität prägen. Damit eröffnet die Ausstellung einen differenzierten und neuen Blick auf das Werk von Chagall, das gegenwärtig eine besondere Aktualität erhält.“

Marc Chagall, Einsamkeit, 1933, Öl auf Leinwand, 102 x 169 cm, Collection Tel Aviv Museum of Art, Schenkung des Künstlers, 1953, © VG Bild-Kunst, Bonn 2022, Foto: Tel Aviv Museum of Art

Ilka Voermann, Kuratorin der Ausstellung, erläutert: „Bei einem genauen Blick auf Marc Chagalls Bilder wird schnell deutlich, dass die in der Rezeption dominierende Vorstellung von dem Künstler als ‚Poet‘ oder ‚Fantast‘ unter den Malerinnen und Malern der Moderne nicht stimmen kann. Chagalls Kunst ist stark in seiner Lebensrealität verwurzelt, die immer wieder durch politische Ereignisse, wie die zwei Weltkriege oder die Novemberrevolution, geprägt wurde. Diese massive Gefährdung nicht nur seiner eigenen Identität, sondern einer ganzen Kultur nimmt er zum Anlass, um gerade in den 1930er- und 1940er-Jahren einige der eindrücklichsten Darstellungen zu den

Themen Krieg, Flucht und Verfolgung der westlichen Kunstgeschichte zu schaffen. Auch für die Einordnung und das Verständnis seines Œuvres sind Chagalls Arbeiten aus dieser Zeit, die weniger bekannt sind als sein Früh- und Spätwerk, sehr bedeutsam.“

Anfang der 1930er-Jahre begann im Schaffen von Marc Chagall ein verstärktes Interesse an jüdischen Themen und eine intensive Auseinandersetzung mit der eigenen jüdischen Identität. Auftakt des Ausstellungsrundgangs bildet das bedeutende Gemälde Einsamkeit, entstanden 1933, dem Jahr der Machtergreifung der Nationalsozialisten in Deutschland. Es zeigt einen Juden in der Pose der Melancholia vor einer brennenden Stadt. Schützend umfasst er eine Thorarolle, während ihm eine Geige spielende Kuh Trost spendet. In dieser Zeit realisierte Chagall im Auftrag des Kunsthändlers Ambroise Vollard auch Illustrationen des Alten Testaments, die ebenfalls in der Schirn zu sehen sind. Vor diesem Hintergrund bereiste er 1931 gemeinsam mit seiner Familie das britische Mandatsgebiet Palästina. Vor Ort entstanden Zeichnungen und Gemälde in einer zeitlosen, für Chagall ungewöhnlich dokumentarischen Ausführung, die sich auf die Darstellung heiliger, jüdischer Stätten wie die Klagemauer sowie Innenräume von Synagogen konzentrieren und das zeitgenössische Leben in Palästina aussparen. Zu sehen sind in der Ausstellung auch Zeichnungen der Synagoge in Wilna (1935), die während einer Reise ins damals polnische Wilna, heute Vilnius, entstanden.

Chagall wechselte immer wieder seinen Lebensmittelpunkt. Im Jahr 1922 verließ er das postrevolutionäre Russland und lebte mit seiner Frau Bella Chagall und der Tochter Ida, nach einem Zwischenaufenthalt in Berlin, ab 1923 in der französischen Hauptstadt Paris. 1941 floh er gemeinsam mit seiner Familie vor der Verfolgung durch die Nationalsozialisten in die USA und kehrte nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs 1948 aus der Emigration nach Frankreich zurück. Anders als in Frankreich, wo einige von Chagalls Arbeiten wie Bonjour Paris (1939–1942) durch typische Landschafts- oder Stadtansichten eine Annäherung an das Land belegen, spiegeln sich die USA in den Werken des Künstlers kaum wider. Vielmehr beschäftigten Chagall die Geschehnisse in Europa und in seiner Heimat. Ein wiederkehrendes Motiv insbesondere der 1930er- und 1940er-Jahre ist seine Heimatstadt Witebsk, u.a. in Die Dorfmadonna (1938‒1942), Der Traum (ca. 1938/39) oder Bei mir zu Hause (1943). Sie wurde für Chagall zum Symbol für die Sehnsucht nach dem verlorenen, zerstörten Zuhause.

Marc Chagall, Krieg, 1943, Öl auf Leinwand, 106 x 76 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Seit 1995 im Depot des Musée d’art moderne de Céret (Céret), Schenkung des Künstlers, 1953, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021, Foto: bpk / CNAC-MNAM / Jacqueline Hyde

Ende der 1930er-Jahre fand Chagall eine Bildsprache für die politischen und persönlichen Ereignisse seiner Zeit in religiösen und vornehmlich christlichen Motiven. Der gekreuzigte Christus

wurde für den Künstler zum zentralen Sinnbild für das Leiden der europäischen Jüdinnen und Juden. In zahlreichen Werken wie Die Kreuzigung in Gelb (1942) oder Apokalypse in Lila, Capriccio (1945) kennzeichnete er Christus durch Attribute wie den jüdischen Gebetsschal (Tallit) oder Gebetsriemen (Tefillin) eindeutig als Juden. Indem er die christliche Ikonografie mit den

jüdischen Symbolen verknüpfte, entwickelte Chagall ein neues Narrativ und stilisierte Christus zu einem jüdischen Märtyrer.

Mit seiner Frau Bella Chagall verband den Künstler eine außergewöhnliche Lebens- und Geistesgemeinschaft. In zahlreichen Gemälden visualisierte er das ikonische Bildmotiv des schwebenden, innig verbundenen Liebespaars. Chagall griff das Paarmotiv in verschiedenen Varianten und Posen auf, als singuläre Figuren, die sich im Bildraum bewegen, häufiger als

Brautpaar, in eine dörfliche Szenerie eingebettet. 1945 entstanden die beiden monumentalen Gemälden Um sie herum und Die Lichter der Hochzeit, in denen Chagall auch seine Trauer um die plötzlich verstorbene Bella zum Ausdruck brachte.

Marc Chagall, Der Engelssturz, 1923/1933/1947, Öl auf Leinwand, 147,5 x 188,5 cm, Kunstmuseum Basel, Depositum aus Privatsammlung, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021, Foto: Martin P. Bühler

Das Werk Der Engelsturz nimmt eine Sonderstellung in Chagalls Werk ein. Über einen Zeitraum von 24 Jahren arbeitete der Künstler in Paris, im US-amerikanischen Exil und wieder zurück in Europa immer wieder an diesem Gemälde. An diesem programmatischen Werk der 1930er- und 1940er-Jahre lässt sich in der Ausstellung anhand von Skizzen die Entwicklung der Bildelemente, die Verdunklung der Farbpalette und Chagalls intensive Auseinandersetzung besonders eindrücklich nachvollziehen. Der Künstler selbst bezeichnete das Gemälde nach 1945 als „das erste Bild der Serie von Vorahnungen“. Die heutige Datierung 1923 – 1933 – 1947 benennt die Vollendungszeitpunkte der drei verschiedenen Fassungen.

Die Schirn beleuchtet auch Chagalls Schaffen während seines Exils in New York. Neben Gemälden sind in der Ausstellung Kostüme aus dem Jahr 1942 für das Ballett Aleko, vertont von

Pjotr Iljitsch Tschaikowski, zu sehen sowie Kostüm- und Vorhangentwürfe für Der Feuervogel zur Musik von Igor Strawinsky aus dem Jahr 1945. Für Chagall waren die Bühnenproduktionen nicht nur wichtige, öffentliche Aufträge, sondern gaben ihm auch die Möglichkeit, mit anderen russischen Exilanten, wie dem Choreografen Léonide Massine, zusammenzuarbeiten.

Das Ende des Zweiten Weltkriegs zeigt sich im Werk von Chagall ambivalent. In Gemälden wie Die Seele der Stadt (1945) oder Selbstbildnis mit Wanduhr (1947) thematisierte er den neuen

Lebensabschnitt, ebenso aber seine Zerrissenheit aufgrund der persönlichen Situation. In vielen Gemälden wie Die Kuh mit dem Sonnenschirm (1946) lässt sich eine positivere Grundstimmung

ausmachen, das Thema der Shoah bleibt ein fester Bestandteil in Chagalls späteren Arbeiten. Anschaulich wird Chagalls innerer Konflikt in dieser Übergangsphase auch an den doppelgesichtigen Porträts, in denen er häufig sein eigenes Gesicht mit dem seiner verstorbenen Frau verband, etwa in Der schwarze Handschuh (1923‒1948). Im August 1948 verließ Chagall sein US-amerikanisches Exil und kehrte gemeinsam mit seiner neuen Partnerin Virginia Haggard nach Frankreich zurück.

VG BILD-KUNST, BONN 2021, KUNSTHAUS ZÜRICH, GESCHENK NACHLASS ERNST GÖHNER, 1973

Eine Ausstellung der Schirn Kunsthalle Frankfurt in Kooperation mit dem Henie Onstad Kunstsenter, Oslo.

Zur Ausstellung bietet die Schirn ein Digitorial® an.

Es beleuchtet an den Stationen Witebsk, Paris, Jerusalem und New York die politischen Ereignisse, die Chagalls Schaffen geprägt haben. Das kostenfreie digitale Vermittlungsangebot ist in deutscher sowie englischer Sprache abrufbar unter www.schirn.de/digitorial.

WWW.SCHIRN.DE/MAGAZIN

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

at-jacobs-well

Das MuTh

AT JACOB’S WELL – URAUFFÜHRUNG
Oper von Diethard Leopold und Tristan Schulze
Uraufführung: DO 06. OKT 2022 | 20 Uhr
Mit: Kanako Hayashi, Emi Nakamura, Kanako Shimada-Gottfried, Anna Manske, Monika Schwabegger, Klemen Adamlje, Adrian Eröd
Momentum Vocal Music Chor
Camerata Aurea Orchester
Tristan Schulze Musikalische Leitung
Lisa Padouvas Regie
Weitere Termine:
SA 08. Okt 2022 | 20 Uhr / SO 09. Okt 2022 | 20 Uhr
Bühne
Am Augartenspitz 1, 1020 Wien
https://muth.at/programm/at-jacobs-well-urauffuehrung-2022-10-06/
https://www.vereindernohopern.com/

AT JACOB’S WELL – URAUFFÜHRUNG
Oper von DIETHARD LEOPOLD (Libretto)
und TRISTAN SCHULZE (Komposition)

Die zeitgenössische Oper „At Jacob’s Well“ ist ein bedingungslos dem Frieden verpflichtetes Projekt. Sinnlich bewegend wie auch politisch aufklärerisch hat es die methodische Zielsetzung ein Symbol zu kreieren, das eine eigene, positive Wirksamkeit in den Herzen der Menschen zu entfalten vermag. Dabei folgt die Dramaturgie der jahrhundertelangen Tradition des japanischen Noh-Theaters, das spirituelle, schamanistische und psychotherapeutische Aspekte integriert. Das Libretto zur Oper beruht auf einem Noh-Theaterstück von Diethard Leopold, das im September 2019 im Wiener ODEON-Theater erstmals gezeigt wurde.

at Jacob’s Well

Das Drama am Jakobsbrunnen entwickelt sich vor der Folie des israelisch-palästinensischen Konflikts um Wasser, zugleich jedoch zeigt es einen allgemein-menschlichen Prozess, der auf viele Konfliktherde angewendet

Mit dem neuen Begriff der “Noh-Oper” verstehen wir eine Dramaturgie, die gleich funktioniert wie jene im klassischen Noh: der “Geist” einer unabgeschlossenen, unaufgearbeiteten Geschichte, die die Gegenwart in Bann hält, taucht auf und geht mithilfe anwesender lebender Personen durch einen Prozess der Einsicht und der Läuterung.

Die Handlung von “At Jacob’s Well” spielt im Palästinensergebiet bei Nablus und entwickelt sich zwischen zwei Israelis und einer Palestinenserin, dem “Geist” der Samariterin aus dem Neuen Testament

https://www.vereindernohopern.com/besetzung

Der Verein der Noh-Opern hat seinen Sitz in Wien und wurde im Jänner 2022 mit dem Zweck gegründet, musikalisch und dramaturgisch vielschichtige Opern mit einem dezidiert humanistischen Ziel aufzuführen. Für die Erreichung des Vereinszwecks dienen Mitgliedschaften, Sponsorengelder sowie freie Spenden.

Bezüglich einer Mitgliedschaft gibt es die Möglichkeit der Anfrage über vereindernohopern@gmail.com.

Mit dem “Verein der Noh-Opern” wagen wir uns in dieses künstlerische, aber auch finanzielle Abenteuer. Wir produzieren nur mithilfe privater Sponsoren.

Infos auch unter www.vereindernohopern.com

Darf ich auch darauf hinweisen, dass es die Möglichkeit gibt, am Sponsoring mitzumachen. Es gäbe Pakete ab 1.000.-, 2.000.- bis 4.000.- Euro – dann wären Eintrittskarten natürlich inkludiert.
https://www.vereindernohopern.com/

Das MuTh
Am Augartenspitz 1, 1020 Wien
Karten- & Info-Hotline
+43 1 347 80 80
Unsere regulären Telefonzeiten:
Montag bis Freitag (werktags) | 10:00 – 18:30 Uhr
Mail: tickets(at)muth.at
Online buchen: www.muth.at/kalender

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

unnamed-1

Die_Dubarry_Volksoper

Die Dubarry

Premiere

Operette von Carl Millöcker / Theo Mackeben

In deutscher Sprache

VOLKSOPER WIEN

DIE DUBARRY

Eröffnungspremiere Direktion Lotte de Beer

GeneralProbe: Freitag, 2. September 2022 | 19 Uhr

Premiere: Samstag, 3. September 2022 | 19 Uhr

Eröffnungspremiere Direktion Lotte de Beer

Operette von Carl Millöcker / Theo Mackeben

In deutscher Sprache mit deutschen Übertiteln

Besetzung

Regie Jan Philipp Gloger / Bühnenbild Christof Hetzer

Kostüme Sibylle Wallum / Choreographie Melissa King

Licht Alex Brok / Choreinstudierung Roger Díaz-Cajamarca

Währinger Straße 78, 1090 Wien

https://www.volksoper.at/produktion/die-dubarry-2022.998316522.de.html

Ensemble, Martin Enenkel (Labille), Wolfgang Gratschmaier (Marquis de Brissac), Marco Di Sapia (Graf Dubarry), Annette Dasch (Jeanne Beçu), Oliver Liebl (Baron Chamard) © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

DIE DUBARRY

Die Dubarry erzählt in biografischen Stationen den sozialen Aufstieg des Arbeitermädchens Jeanne Beçu zur wohlhabenden Mätresse Ludwigs VX. und wirft dabei noch immer aktuelle Fragen auf: Welche Verluste erlebt sie auf dem Weg nach oben und wie weit korrumpiert sie sich? Als Jeanne vor die Wahl gestellt wird zwischen der romantischen Liebesbeziehung zu dem Künstler René und der Möglichkeit, die Geliebte des Königs zu werden, ist das nicht nur die Entscheidung zwischen zwei Männern, sondern auch die zwischen zwei völlig unterschiedlichen Lebenskonzepten.

Theo Mackebens Bearbeitung wirft Ende der 20er-Jahre einen neuen Blick auf die 1879 von Carl Millöcker komponierte Gräfin Dubarry. Mackebens Librettisten erzählen, ausgehend von der historischen Jeanne Beçu, die Geschichte einer starken Frauenfigur, die ihren eigenen Weg geht. Text und Musik der Neubearbeitung mit dem Titel Die Dubarry wurden punktgenau gestaltet für die jüdisch-ungarische Sopranistin Gitta Alpár, die in der Zeit des Nationalsozialismus ins Exil gehen musste, während Theo Mackeben Musik zu Unterhaltungs- und Propagandafilmen schrieb.

Wie schauen wir nun aus heutiger Perspektive auf die weiblichen Rollenbilder, die der Titelfigur zur Verfügung gestellt werden? Geben wir uns mit der Auswahl zwischen Spielfigur und Strippenzieherin immer noch zufrieden? Und so schön es musikalisch auch sein mag, stimmen wir einem alkoholselig intonierten „Cherchez la femme“ überhaupt noch so vorbehaltlos zu?

Um Weiblichkeitszuschreibungen im Wandel der Zeit zu befragen, haben Regisseur Jan Philipp Gloger und sein künstlerisches Team für die Neuproduktion dieses Werks eine theatrale Zeitreise über vier Jahrhunderte erfunden, die in großen Bildern aus unserer Gegenwart bis in das Frankreich Ludwigs VX. zurückführt.

Musikalische Fassung von Kai Tietje

Martin Enenkel (Labille), Harald Schmidt (Ludwig XV.), Annette Dasch (Jeanne Beçu) © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Eröffnungspremiere Direktion Lotte de Beer

Probenbeginn mit Annette Dasch und Harald Schmid

Startschuss für die Proben zur Eröffnungspremiere der Direktion Lotte de Beer an der Volksoper Wien – Leading-Team und Solist:innen nahmen die Probenarbeit für die Premiere

(3. September 2022) von Carl Millöckers und Theo Mackebens Operette Die Dubarry auf.

Regisseur Jan Philipp Gloger beleuchtet die Entwicklung der charismatischen Titelheldin in Form einer Zeitreise, die im Heute beginnt und zurückführt in die Zeit Louis XV. Kai Tietje dirigiert und Starsopranistin Annette Dasch kehrt als Mätresse des Königs an unser Haus zurück. Als Seine Majestät Ludwig XV. gibt kein Geringerer als Comedy- und Talkshow-Legende Harald Schmidt sein Volksoperndebüt.

Vom Arbeitermädchen zur Mätresse des Königs

Die Dubarry erzählt in biografischen Stationen den sozialen Aufstieg des Arbeitermädchens Jeanne Beçu zur wohlhabenden Mätresse Ludwigs XV. und wirft dabei noch immer aktuelle Fragen auf: Welche Verluste erlebt sie auf „dem Weg nach oben“ und wie weit korrumpiert sie sich? Als Jeanne vor die Wahl gestellt wird zwischen der romantischen Liebesbeziehung zu dem Künstler René und der Möglichkeit, die Geliebte des Königs zu werden, ist das nicht nur die Entscheidung für den einen oder anderen Mann, sondern auch für ein jeweils vollkommen anderes Leben.

Annette Dasch (Jeanne Beçu), Lucian Krasznec (René Lavallery) © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

„Die Waffen einer Frau“

Theo Mackebens Bearbeitung wirft Ende der 1920er-Jahre einen neuen Blick auf die 1879 von Carl Millöcker komponierte Gräfin Dubarry. Mackebens Librettisten erzählen, ausgehend von der historischen Jeanne Beçu, die Geschichte einer starken Frauenfigur, die ihren eigenen Weg geht. Ihren Erfolg erringt sie dabei mehr als einmal mit den vielzitierten „Waffen einer Frau“.

Wie schauen wir nun aber aus heutiger Perspektive auf die von der Gesellschaft zur Verfügung gestellten weiblichen Rollenbilder? Und so schön der Walzer musikalisch auch ist, stimmen wir einem alkoholselig intonierten „Cherchez la femme“ inhaltlich noch vorbehaltlos zu? Um Weiblichkeitszuschreibungen im Wandel der Zeit zu befragen, haben Regisseur Jan Philipp Gloger und sein künstlerisches Team für die Neuproduktion dieses Werks eine theatrale Zeitreise über vier Jahrhunderte erfunden, die in großen Bildern aus unserer Gegenwart bis in das Frankreich Ludwigs XV. zurückführt. An der Volksoper verkörpert Starsopranistin Annette Dasch die charismatische Titelfigur. Als König Ludwig XV. steht Talkshow-Legende Harald Schmidt auf der Bühne.

DIE DUBARRY

Mi. 07.09.2022 | 19 Uhr

Fr. 09.09.2022 | 19 Uhr

Mo. 12.09.2022 | 19 Uhr

So. 18.09.2022 | 19 Uhr

Fr. 23.09.2022 | 19 Uhr

Di. 27.09.2022 | 19 Uhr

Volksoper Wien

Währinger Straße 78, 1090 Wien
Information: +43/1/514 44-3670

Öffentliche Verkehrsmittel: U-Bahnlinie U6, Straßenbahnen 40, 41, 42, Bus 40A
Haltestelle „Währinger Straße / Volksoper“

KARTEN:

https://www.volksoper.at/volksoper_wien/karten/kaufen/Karten_kaufen.de.php

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

unnamed-1

Bruce_Nauman_Pirelli22

Pirelli HangarBicocca

BRUCE NAUMAN

Neons Corridors Rooms

Bruce-Nauman-Left-or-Standing-Standing-or-Left-Standing-Installation-view-at-Pirelli-HangarBicocca-PH-Agostino-Osio

Opening: Wednesday 14 September 2022 | 19 – 23 pm

Curated by Roberta Tenconi and Vicente Todolí

with Andrea Lissoni, Nicholas Serota,

Leontine Coelewij, Martijn van Nieuwenhuyzen and Katy Wan

Organized by Pirelli HangarBicocca, Tate Modern, London

and Stedelijk Museum Amsterdam

Bruce-Nauman-Neons-Corridors-Rooms-exhibition-view-at-Pirelli-HangarBicocca-PH-Agostino-Osio

Exhibition: 15 September 2022 – 26 February 2023

HOURS EXHIBITIONS

Thursday—Sunday, 10.30AM—8.30PM

Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126 Milan

https://pirellihangarbicocca.org/en/exhibition/bruce-nauman/

Bruce-Nauman-Neons-Corridors-Rooms-exhibition-view-2-at-Pirelli-HangarBicocca-PH-Agostino-Osio

One of the world’s most prominent living artists, Bruce Nauman (b. Fort Wayne, Indiana, 1941; lives and works in New Mexico) has contributed to writing the history of contemporary art since the mid-1960s, thanks to his pioneering research across a variety of media, including installation, video, sculpture, performance, photography, drawing, and sound. His art is distinguished by an interest in understanding the human experience and its conventions, as well as the inner workings of the psyche, which he investigates through the perception of the body, and interactions with space, time, and language. Nauman’s work also makes frequent use of wordplay, with which he explores alternative methods of communication.

Bruce-Nauman-Green-Light-Corridor-1970-Installation-view-at-Pirelli-HangarBicocca-PH-Agostino-Osio

Organized in collaboration with Tate Modern in London (7 October 2020—21 February 2021) and the Stedelijk Museum in Amsterdam (5 June—24 October 2021), the exhibition at Pirelli HangarBicocca will focus on Nauman’s spatial and architectural practice. In addition to several works already shown in London and Amsterdam, the exhibition will include a large number of his iconic corridors and rooms. Highlighting interrelations, developments and formal variations, for the first time the show will explore his diverse experimentation in the areas of spatial experience and architectural scale, as well as the use of light, sound, language and video in this corpus of work.

Many of the most important international art institutions have exhibited Bruce Nauman’s work and solo shows, including Punta della Dogana, Venice (2021-2022); Stedelijk Museum Amsterdam (2021); Tate Modern, London (2020-2021); Museo Picasso Malaga (2019); Schaulager, Basel, MoMA Museum of Modern Art and MoMA PS1, New York (2018-2019); Philadelphia Museum of Art (2016); Fondation Cartier, Paris (2015); the Museum of Contemporary Art, San Diego (2008); “A Rose Has No Teeth” at Berkeley Art Museum, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin, and the Menil Collection (2007-2008); and “Raw Materials” at Tate Modern, London (2004), as well as a major retrospective in 1993-1995 at the Walker Art Center, Minneapolis and Hirshhorn Museum, Washington D.C. His first retrospective originated at the Los Angeles County Museum of Art and traveled to the Whitney Museum of American Art, New York and international venues (1972-1974).

Bruce-Nauman-Deam-Passage-with-Four-Corridors-1984-Installation-view-at-Pirelli-HangarBicocca-PH-Agostino-Osio

Nauman has also participated in numerous group shows and biennials worldwide, including the Venice Biennale (2015, 2013, 2007, 1999, 1987, 1980, and 1978) and documenta, Kassel (1992, 1982, 1977, 1972, and 1968). He has received numerous awards, including the Frederick Kiesler Prize for Architecture and the Arts, Austria (2014); Centennial Medal Laureates, American Academy, Rome (2009); Beaux-Arts Magazine Art Awards: Best International Artist, Paris, Praemium Imperiale Prize for Visual Arts, Japan (2004); and Honorary Doctor of Arts, California Institute of the Arts, Valencia (2000); and the Wolf Foundation Prize in Arts (Sculpture), Israel (1993). In 2009 he represented the United States at the 53rd Venice Biennale, winning the Golden Lion for Best National Participation, and in 1999 he won the Golden Lion for Lifetime Achievement at the 48th Venice Biennale.

The catalogue, published in conjunction with the exhibition, will present the most up to date studies on Nauman’s spatial and architectural research in its entirety, by analyzing and shedding light on his conceptual developments, formal variations and endless experimentations. Among the invited authors, Francesca Esmay, Gloria Sutton and Taylor Walsh.

“Neons Corridors Rooms” is also supported by TERRA Foundation for American Art.

https://pirellihangarbicocca.org/en/exhibition/bruce-nauman/

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

NV / NIGHT VATER / VIENNA

V°T Volkstheater

NV / NIGHT VATER / VIENNA

Premiere: Samstag, 03.09.2022 | 19:30 Uhr

von und mit Paul McCarthy und Lilith Stangenberg,

kuratiert von Henning Nass

4. September 2022 | 18 Uhr

6. + 7. September 2022 | 19:30 Uhr

3. – 7. September 2022

3 Std.30 Min.

ab 18 Jahre / in englischer Sprache

Arthur-Schnitzler-Platz 1, 1070 Wien

https://www.volkstheater.at/produktion/1333032/nv-night-vater-vienna/1333119

Lilith Stangenberg, Paul McCarthy
© © Paul McCarthy. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo: Ryan Chin

„Auch ich weiß manchmal nicht, was meine Werke bedeuten sollen. Aber genau dazu ist Kunst ja da. Es gibt sie einfach, und man muss damit klarkommen.“ Paul McCarthy

Gemeinsam mit der Schauspielerin Lilith Stangenberg ist der Ausnahmekünstler McCarthy mit zwei Performance-Installationen in Wien und Hamburg zu Gast

Seit 2017 arbeiten der US-amerikanische Künstler Paul McCarthy und sein Sohn Damon am Projekt NV / NIGHT VATER – ausgehend vom berühmt-berüchtigten, in Wien gedrehten Film THE NIGHT PORTER (1974) der italienischen Regisseurin Liliana Cavani. Der Film thematisiert die sadomasochistische Beziehung des ehemaligen SS-Offiziers Max mit seinem ehemaligen Opfer Lucia, einer ehemaligen KZ-Insassin. Max tauchte nach dem Krieg unter und arbeitet als Nachtportier in einem Wiener Hotel. Dort begegnen er und Lucia sich zufällig wieder – und sie sind sich immer noch verfallen, so dass ihr Verhältnis neu auflebt.

Der Film wie auch McCarthys Projekt greifen die Überschneidungen von Sex und Macht, die Wiederkehr des Verdrängten, den Vaterkomplex in der Politik und die anhaltende Anziehungskraft des Faschismus als Ideologie und Ästhetik auf – eine Adaption als Neuinszenierung politischer Landschaften. NV / NIGHT VATER wurde in einem labyrinthartigen Set gedreht, das eine Reihe von Räumen umfasst – darunter Nachbildungen von Sets des Originalfilms sowie Flure und Zimmer eines Marriott-Hotels in direkter Nachbarschaft des Filmstudios in Pasadena.

© Paul McCarthy. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo: Ryan Chin

McCarthy spielt Max, einen alternden Hollywood-Produzenten, der von Faschismus und Kontrolle besessen ist. Lilith Stangenberg spielt eine junge Schauspielerin, die nach Los Angeles kommt, um für einen Film vorzusprechen, der von Max gedreht wird. Diese Handlung ist das Grundgerüst – der Ausgangspunkt, von dem in ein sadomasochistisches Reich der psychologischen Ausgrenzung eingedrungen wird.

Nach Abschluss der Dreharbeiten beschlossen McCarthy und Stangenberg, das Thema weiter zu vertiefen. Das Wiener Publikum wird heuer die seltene Gelegenheit haben, einer Performance von McCarthy in Form von öffentlichen Dreharbeiten beizuwohnen. Über vier Tage hinweg werden sowohl improvisierte, als auch im Skript fixierte Aktionen eine geschlossene Erzählung bilden, wobei jeder Tag eine andere Episode darstellt.

NV / NIGHT VATER verstrickt in einen Prozess des Sammelns von Bildern, des Betrachtens und Diskutierens von Filmen, des Schreibens und Zeichnens in den Performances mit Lilith Stangenberg. Kunst also als Prozess eines ewigen Kreislaufes. Alle entstehenden Bilder scheinen als der einzige Zweck und einziges Ergebnis des Projekts, aber sie sind letztendlich nur Teil eines Puzzles, welches ein tiefer führendes Labyrinth durch die Aktion, die Aufführung, die Performance ist.

© Paul McCarthy. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo: Ryan Chin

Paul McCarthy (geb. 1945) zählt zu den einflussreichsten und bedeutendsten Künstlern seiner Generation und ist für seine multidisziplinären Werke bekannt. McCarthy hat mit seiner scharfen Sozialkritik und seinen experimentellen Arbeiten seit Ende der 1960er Jahre Empörung, Proteste und Debatten ausgelöst. Er fordert sowohl seine eigenen Grenzen, als auch die des Publikums heraus und lädt uns ein, das scheinbar Gewöhnliche mit neuen Augen zu sehen und zu entdecken, wie illusorisch und relativ unsere Vorstellung von Realität ist. In seiner Kunst geht es um das Scheitern – das Scheitern der Kommunikation, das Scheitern, aus der Vergangenheit zu lernen, das Scheitern des Menschseins – und das ist wohl einer der Gründe, warum sein Werk einen solchen Bestand hatte und weiterhin haben wird.

in Zusammenarbeit mit Deutsches SchauSpielHaus Hamburg

Die Aufführungen sind für Besucher*innen unter 18 Jahren nicht zugänglich

© Paul McCarthy. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo: Ryan Chin

Es gilt freie Platzwahl.
Der Saal kann während der Performance jederzeit verlassen und wieder betreten werden. Nacheinlass ist dadurch ebenso möglich.
Sollten für die Vorstellung am selben Tag noch Karten verfügbar sein, ist die Abendkassa im Foyer bis 21:30 Uhr geöffnet.

Mit Ihrem Ticket erhalten Sie für jede weitere Vorstellung von NV / NIGHT VATER / VIENNA an Folgetagen Tickets um EUR 10, – / ermäßigt EUR 5, –. Erhältlich im Kartenservice und an der Abendkassa unter Vorlage der ersten Eintrittskarte.

KARTENSERVICE +43 1 52 111-400

Öffnungszeiten Mo–Sa 12:00–19:30 Uhr

ausgen. Feiertage

kartenservice@volkstheater.at

McCarthy: „Der Titel »A&E« ist eine Abkürzung für Adolf und Eva, wie auch für Adam und Eva, zwei kulturelle Klischee-Polaritäten. A&E kann auch für Arts & Entertainment stehen. Alle drei Bezeichnungen fungieren als menschliche, kulturelle Signifikanten.“

Deutschen SchauSpielHaus Hamburg

A&E / ADOLF & EVA / ADAM & EVE / HAMBURG

Premiere: 24. August 2022 | 19 Uhr

von und mit Paul McCarthy und Lilith Stangenberg

ab 18 Jahre / in englischer Sprache

Weitere Termine:

25., 26., 27. August, 19 Uhr / 28. August, 18 Uhr

24. – 28. August 2022

Kirchenallee 39, 20099 Hamburg

Karten Deutschen SchausSpielHaus

https://www.schauspielhaus.de/de_DE/stuecke/paul-mccarthy.1325664

Das Hamburger Publikum wird die seltene Gelegenheit haben, einer Performance von McCarthy und Stangenberg in Form von öffentlichen Dreharbeiten beizuwohnen, wobei jeder Tag eine andere Episode darstellen wird. So können die Zuschauer*innen alle Tage nacheinander besuchen und immer etwas anderes erleben oder sich nur der Entwicklung eines einzelnen Tages hingeben. Es werden sowohl improvisierte, als auch im Skript fixierte Aktionen eine geschlossene Erzählung bilden. Kunst als Prozess eines ewigen Kreislaufes: „… als Deutsche habe ich das Gefühl, dass es meine Verantwortung ist, immer und immer wieder Eva Braun zu spielen. Es ist sehr wichtig, sich mit solchen Figuren zu konfrontieren. Ich sehe sie wie Spielzeugfiguren. Es ist gut, sie zu verbrauchen, sie abzunutzen und sie nicht zu konservieren, denn dann kommen sie irgendwann wieder“, so Stangenberg. „Natürlich sind diese Themen düster, und es kann auch sein, dass die Bilder für einige Leute zu schockierend sind. Aber ich sehe sie als komplex und tiefgründig an.“

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

Jean-Michel Basquiat_Albertina22

ALBERTINA

BASQUIAT OF SYMBOLS AND SIGNS

Eröffnung: Donnerstag, 8. September 2022 | 18:30 Uhr

KuratorIn: Dieter Buchhart | Antonia Hoerschelmann

mit Klaus Albrecht Schröder G. Dir Albertina

Mrs. Victoria Reggie Kennedy US Ambassador in Austria

AB 9. SEPTEMBER 2022

Ausstellung: 9. September 2022 – 8. Jänner 2023

Öffnungszeiten: Täglich | 10 – 18 Uhr

Mittwoch & Freitag | 10 – 21 Uhr

Albertinaplatz. 1, 1010 Wien

https://www.albertina.at/presse/ausstellungen/basquiat-of-symbols-and-signs/

Jean-Michel Basquiat Untitled, 1982
Acryl, Ölkreide und Sprühfarbe auf Holz
Private Collection – courtesy of HomeArt, Hong Kong

DIE SPEKTAKULÄRE HERBSTAUSSTELLUNG IN DER ALBERTINA

Kaum ein anderer Künstler steht als schillernde Ausnahmeerscheinung so repräsentativ für die 1980er Jahre und deren pulsierende New Yorker Kunstszene wie der 1960 in New York geborene Jean-Michel Basquiat.

Mit 17 reißt der Sohn eines Haitianers und einer Puerto-Ricanerin von zu Hause aus. Als Graffiti-Künstler lebt er teilweise auf der Straße. Doch schon bald folgt ein rasanter Aufstieg. Basquiats kometenhafte Karriere wirkt dabei wie ein Schnelldurchlauf eines sequenzreichen Films: Als Hauptfigur verkehrt er mit den bedeutendsten Künstlern seiner Zeit, darunter Musiker wie David Bowie und Madonna. Mit Andy Warhol verbindet ihn eine inspirierende Freundschaft. Basquiats Bilder sind extrem gefragt und werden schnell teurer. 1982 wird er zum jüngsten Teilnehmer der documenta 7 und zum ersten Künstler von Weltruhm mit afro-amerikanisch-karibischen Wurzeln. Doch der schnelle Erfolg wird für ihn zu einer Herausforderung, der er nicht lange standhält – 1988 stirbt er an einer Überdosis Drogen.

Jean-Michel Basquiat Self Portrait, 1983
Öl auf Papier und Holz | Collection Thaddaeus Ropac

Aktueller denn je, ist Basquiats Werk bis heute bahnbrechend und visionär. Er beschäftigt sich ebenso mit afrikanischer Vergangenheit wie mit den problematischen Hierarchien in der Gesellschaft. Wichtigstes Thema ist ihm der allgegenwärtige Rassismus, der ihn auch persönlich betrifft. Als exzentrischer Outsider und ausgebeuteter Superstar seiner Zeit behauptet sich Basquiat als eine der bedeutendsten Schlüsselfiguren für die zeitgenössische Kunst.

BASQUIAT. Of Symbols and Signs ist die erste umfassende Museumsretrospektive des außergewöhnlichen Werks von Jean-Michel Basquiat in Österreich.

ean-Michel Basquiat | Light Blue Movers, 1987 | Nicola Erni Collection, Reto Pedrini Photography © Estate of Jean-Michel Basquiat.
Licensed by Artestar, New York

Die Ausstellung in der ALBERTINA zeigt rund 50 Hauptwerke aus renommierten öffentlichen und privaten Sammlungen, gibt neue Einblicke in die einzigartige Bildsprache Basquiats und entschlüsselt die Inhalte seiner künstlerischen Ideen.

Jean-Michel Basquiat La Hara, 1981
Acryl und Ölkreide auf Holz
Courtesy of Arora Collection © Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Jean Michel_Basquiat_1982
by_Andy_Warhol

Jean-Michel Basquiat war ein US-amerikanischer Künstler, Maler und Zeichner. Er war der erste afroamerikanische Künstler, der in der hauptsächlich weißen Kunstwelt den Durchbruch schaffte. Der gängigen Einordnung als Graffitikünstler widersprach Basquiat: „Ich bin kein Teil der Graffitikunst.“ Wikipedia

Geboren: 22. Dezember 1960, Brooklyn, New York City, New York, Vereinigte Staaten

Verstorben: 12. August 1988, Great Jones Street, New York City, New York, Vereinigte Staaten

Beeinflusst von: Andy Warhol, Pablo Picasso, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jean Dubuffet

Filme: Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child, Downtown 81, MEHR

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

human-brains-preserving

FONDAZIONE PRADA MILAN

HUMAN BRAINS: PRESERVING THE BRAIN

FORUM ON NEURODEGENERATIVE DISEASES

Press preview | 15 September 2022 | 10 am – 2 pm

Introduction by Professor Giancarlo Comi

Exhibition: 16 Sep – 10 Oct 2022

Largo Isarco, 2, 20139 Milano

https://www.fondazioneprada.org/project/human-brains-preserving-the-brain/?lang=en

HUMAN BRAINS: PRESERVING THE BRAIN

FORUM ON NEURODEGENERATIVE DISEASES

“Preserving the Brain” is a forum on neurodegenerative diseases to be held in September and October 2022, as the fourth phase of “Human Brains,” Fondazione Prada’s neuroscience project. Realized in collaboration with thirteen of the most prestigious international neuroscience institutes and universities, “Human Brains: Preserving the Brain – Forum on Neurodegenerative Diseases”

Exhibition: 16 September – 10 October 2022

Conference: 6 and 7 October 2022

Fondazione Prada’s Milan premises.

“Preserving the Brain” aims to stimulate an open and critical exchange between international scientists and experts on neurodegenerative diseases, such as Alzheimer’s, Parkinson’s, Amyotrophic lateral sclerosis and Multiple sclerosis, which are widely spread and as yet incurable. The forum participants will include researchers, patient associations, and representatives of health care institutions and the pharmaceutical and biotechnology industries. They will debate the current state of knowledge of these diseases and the tools currently used to fight them, while also seeking to identify lacunae in the search for possible therapies, and jointly defining priorities and strategies to sustain scientific research.

As stated by Miuccia Prada, President of Fondazione Prada, “For us, this phase of the project is particularly significant as it permits a closer understanding of scientific research’s impact on our everyday lives, and in particular on the discovery of possible cures and treatments. ‘Preserving the Brain’ also demonstrates how critical collaboration and sharing of knowledge are within the scientific community. This first international forum could become recurring and allow the organizations we are associated with to communicate with a wider audience, as they would like to, and Fondazione Prada to contribute tangibly to neuroscientific research.”

Glass Brain Project: visualizing brain activity in 3D. Credit Neuroscape / UCSF Weill Institute for Neurosciences. Courtesy University of California, San Francisco, USA

As underlined by Giancarlo Comi, President of the “Human Brains” scientific board, “The exhibition and conference that comprise the ‘Preserving the Brain’ project have been developed with the goal of finding a common strategy to protect the brain from neurodegenerative diseases. New technological developments have markedly increased knowledge of the biology that underlies these diseases, and potential targets for new treatments are taking shape.”

SCIENTIFIC CONFERENCE
The pivotal moment of “Preserving the Brain” will be the scientific conference held on 6 and 7 October 2022, at Fondazione Prada’s Cinema in Milan. Giancarlo Comi has conceived this initiative in dialogue with the thirteen research institutes involved in the project.

Each day will be divided into four thematic sessions, each one featuring three lectures and an open discussion between the scientists and researchers. The second day will end with a round table discussion in which scholars, technology experts, representatives from the pharmaceutical industry and patient advocacy associations will discuss future challenges in developing new therapies. The speakers will explore the subject of neurodegenerative diseases from different perspectives, such as genetic implications and molecular mechanisms, clinical trials and possible drug treatments. The conference is addressed to researchers and universities involved in the project and representatives of prominent institutions in the health sector. The sessions will also be streamed and visible to all on the online platform dedicated to Human Brains.

Exhibition: 16 September – 10 October 2022

in the Podium, the space at the center of Fondazione Prada’s Milan venue.

Heterogeneous remyelination profiles in 3 subjects with MS (Demyelination in red; Remyelination in blue). Courtesy Hôpital de la Pitié-Salpêtrière, Sorbonne University AP-HP, Neurology department and Paris Brain Institute, Paris, France

Conceived by the New York studio 2×4, the exhibition design will be divided into different sections supervised by the research centers, and a common central area that will encourage dialogue and exchanges between the thirteen institutes. Each section will examine a specific research process on neurodegenerative diseases employing video presentations, technological objects and instruments, scientific documents, and visual materials. The exhibition aims to explore the complexity of scientific research by retracing the stages from identifying therapeutic targets to the different phases in the validation of new therapies to the availability of a drug for the patient. Special attention will be given to personalized medicine, a new approach that recognizes the uniqueness of the individual and treats the person suffering from a disease rather than a disease manifested in a person, thus optimizing the use of drugs and the treatment monitoring.

INTERNATIONAL INSTITUTES INVOLVED
Harvard Medical School, Brigham and Women’s Hospital, Ann Romney Center for Neurological Diseases, Boston, United States; Hôpital de la Pitié-Salpêtrière, Sorbonne University AP-HP, Neurology department and Paris Brain Institute, Paris, France; UniSR – Università Vita-Salute San Raffaele, Milan, Italy; Juntendo University Hospital, Neurology Department, Tokyo, Japan; Karolinska Institutet, Stockholm, Sweden; German Center for Neurodegenerative Diseases (DZNE) within the Helmholtz Association, Bonn, Germany; Max Planck Institute of Neurobiology, Munich, Germany; Montreal Neurological Institute-Hospital, McGill Research and Teaching Institute, Canada; Tianjin Medical University General Hospital, Neurology Department, Tianjin, China; UCSF Weill Institute for Neuroscience, University of California, San Francisco, United States; University College London, United Kingdom; Weizmann Institute of Science, Revohot, Israel; Yale School of Medicine, New Haven, United States.

https://www.fondazioneprada.org/project/human-brains-preserving-the-brain/?lang=en

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

Emanuele Giannelli | Mr Arbitrium

CAP VERMELL GRAND HOTEL

and on its behalf Antonio Mir Martínez

CEO CAP VERMELL GROUP

Presentation of the italian artist Emanuele Giannelli.

Mr. ARBITRIUM EMANUELE GIANNELLI

Opening: Thursday, 18 August 2022 | 19:30 pm

Urbanizacion Atalaya de Canyamel,

Vial A,12 07589 Capdepera, Spain

http://www.capvermellgrandhotel.com/

365 Art 365art.biz/

Olga Daniele 365 Art_ Artist Emanuele Giannelli_Antonio Mir Martínez CEO Cap Vermell Group © Foto EstherAttar-Machanek

Presentación de la obra “Mr. Arbitrum” de Emanuelle Giannelli

en Cap Vermell Grand Hotel

CAP VERMELL GRAND HOTEL

Presented the italian artist Emanuele Giannelli on Thursday, 18th of August 2022 with a celebration event took place in one of the most beautiful hotels in Canyamel,
Opening Speach by Antonio Mir Martínez CEO Cap Vermell Group and The Artist Emanuele Giannelli .

Mr. ARBITRIUM

a monumental male figure three meters tall, leans against the wall

of the Cap Vermell Grand Hotel

Olga Daniele 365 Art © Foto EstherAttar-Machanek

Mr. Arbitrium is a three-meter male figure with all his muscles in tension, thus showing ambivalence as the artist’s own intention. A tribute, according to Toni Antonio Mir Martínez, CEO of Cap Vermell Group, to the “perseverance”, “commitment” and “passion” of the group.

Artist Emanuele Giannelli_Antonio Mir Martínez CEO Cap Vermell Group © Foto EstherAttar-Machanek

Emanuele Giannelli Born in Rome in 1962, as a boy he moved to Carrara to study marble and investigate sculpture, starting from classical bases that will soon be transformed into contemporary themes. In the 90s, in particular, Giannelli meets post-human, cyber-punk, industrial music, literature and alternative illustration: languages ​​that inspire his three-dimensional inventions where the body is always the protagonist, to embody obsessions of a generation close to the anxieties of the new millennium. From the following decade his poetics reached full maturity, as confirmed by various exhibitions in galleries and public spaces curated by Luca Beatrice, Martina Cavallarin, Gianluca Marziani. The interventions in the courtly palaces (Palazzo Taverna, Rome, Palazzo Collicola, Spoleto) and in street furniture, in Seravezza, Carrara, Viareggio, Lucca, Pietrasanta, Milan and now in Forte dei Marmi are increasingly complex and articulated.

https://www.emanuelegiannelli.it/en/emanuele_giannelli.asp

Mr. Arbitrium ©Foto EstherAttar-Machanek
Olga Daniele 365 Art_ Artist Emanuele Giannelli_Manana Palagaschwili_Alexandra Mayer ©Foto EstherAttar-Machanek
Olga Daniele 365 Art ©Foto EstherAttar-Machanek
Antonio Mir Martínez CEO Cap Vermell Group ©Foto EstherAttar-Machanek
Antonio Mir Martínez CEO Cap Vermell Group ©Foto EstherAttar-Machanek
Alexandra Mayer ©Foto EstherAttar-Machanek
Artist Emanuele Giannelli ©Foto EstherAttar-Machanek

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log

STOP! Norbert_Brunner

NORBERT BRUNNER

STOP!

Kugelmuehle in Feldbach

NORBERT BRUNNER “StoP!”

HOCHsommer Final Art Party

Eröffnung: Samstag, 13. August 2022 | 19 Uhr /Kugelmühle

Ausstellung: 05. August – 15. August 2022

Kugelmühle Mühldorf 176, 8330 Feldbach

Andreas-Stern.at

stop!

NORBERT BRUNNER

Sommerausstellung Kugelmühle Feldbach

Stete Bereitschaft zu offener Kommunikation und Neugier sind Triebfedern in Norbert Brunners Schaffen. Seinem Werdegang entsprechend versteht er sich als Künstler und Handwerker, der nicht nur gestalten und dekorieren, sondern vor allem auch etwas sagen möchte. Allerdings nicht in Form eines Monologs, er möchte wissen, wie seine Arbeiten aufgenommen werden. Seine Kunst lebt von der Wechselbeziehung zwischen ihm und dem Betrachter, vom Impuls, den er setzt, von der Reaktion, auf die er wartet, von seiner Aussage und deren Interpretation. Am wohlsten fühlt er sich in der Welt gegensätzlicher Positionen. Kunst bedeutet für ihn Freiheit für andere, völlig neue Denkansätze. Ziel seiner Arbeiten ist die globale Kommunikation, die möglichst viele Menschen erreichen und auf Empathie und gegenseitiger Wertschätzung basieren soll, abseits jeglicher Bewertungsstruktur.

NB Kugelmuehle in Feldbach August 2022

Geprägt von schmerzhaften, frühkindlichen Erfahrungen und von der Lebensgeschichte seiner Mutter, die sich ihm erst spät enthüllte und manches ins rechte Licht rückte, beschäftigte sich der Künstler aus temporärer Einsamkeit heraus schon früh und intensiv mit seiner eigenen Gedankenwelt und nahm eindringlich seine zeitweise eingeschränkte Umgebung wahr. Frei von jedweder Wehleidigkeit ist Brunner keiner, der wegsieht. Vielmehr betrachtet er die Dinge von ganz nah, er vergrößert und hebt hervor mit dem ihm eigenen, in Selbstreflexion geschulten diagnostischen Blick, ohne Berührungsangst. Er beleuchtet, zerlegt und setzt wieder zusammen, um Gewohntes zu relativieren, um die Schale rationaler Intelligenz aufzubrechen, hinter der die emotionale und soziale Intelligenz sich seines Erachtens schon viel zu lange verbirgt. Aus der Bildhauerei hat Brunner formale Aspekte wie Spannung und Proportion übernommen.

NB August 2022

Die Wahl der Materialien steht mit seinen Fragen in engem Zusammenhang. Die Hinwendung zur installativen Kunst, die ja per se die aktive Beteiligung des Betrachters verlangt, war nur eine logische Schlussfolgerung auf die unendlich vielen Fragen an sich selbst und seine Umgebung und die Suche nach einer Ausdrucksform, die diesem Anspruch gerecht wird. Mit der ihm eigenen handwerklichen und technischen Präzision, der Betonung von Helligkeit und Licht, den Grundelementen seines Schaffens, scheint Brunners Werk eine bedingungslose Reinheit und Klarheit als Vorgabe zu haben, mit vagen Erinnerungen an ein steriles, medizinisch-technisches Umfeld, wozu der Werkprozess, der teilweise in einem Reinraum stattfindet, beiträgt. Sein visuelles Vokabular, seine Punktekompositionen, deren Botschaften nur aus einem bestimmten Winkel erkennbar sind, da das Bild sonst optisch in tausend einzelnen Punkten verschwimmt, sind gleichsam Sinnbild für die vielen Berührungspunkte, die das Miteinander ausmachen. Diese Punkte sind auch Inbegriff des fast schon schmerzhaften Tiefgangs, den der Künstler mitunter im Blick auf das scheinbar Alltägliche entwickelt, als würde er den Finger auf genau den Punkt drücken, wo es weh tut. Texte sind ein sehr wichtiger Bestandteil seiner Objekte und Installationen, dazu hat er Englisch als leicht verständliche Weltsprache gewählt, um niemanden auszuschließen. Seine zentralen Fragen, die in kurzen, sehr klaren Statements in seinen Arbeiten in Interaktion mit dem Betrachter quasi aufpoppen, richten sich an die Befindlichkeit unserer Gesellschaft:

Sind wir uns unserer Stärken bewusst, leben wir sie aus?

Welche Talente müssen wir entfalten, welche Chancen ergreifen, welche Bedürfnisse erfüllen,

welche Grenzen setzen, um unser Wesen zu leben?

Welche Themen haben wir zu klären?

NB Kugelmuehle in Feldbach August 2022

Schlussendlich müsse man nicht alles verstehen, jedoch fähig sein, zu verarbeiten, zu spüren und zu respektieren, zu begreifen, dass im Anderssein Schönheit steckt, dass andere Positionen faszinierend sein können, dass in einem anderen Licht, aus einem anderen Blickwinkel heraus, selbst unscheinbarste Dinge eine neue Ästhetik gewinnen können.

In der Heimat seiner Mutter eine Ausstellung zu machen, war schon lange ein Wunsch von Norbert Brunner. Damit seine hier ansässigen Verwandten Gelegenheit haben, sein Werk kennenzulernen. Damit sich endlich ein Kreis schließt, in einer Art Heilungsakt, der vielleicht jeden von uns betrifft, und der in Vertrauen in das Leben münden soll, das Hören auf die innere Stimme, die Absage an die Angst. Und es ist im Grunde auch ein Jubiläum: Genau 30 Jahre sind es nun, die Brunner Kunst macht, in denen er sich intensiv der Multidimensionalität widmet. Auf drei Geschoßen zeigt er hier seine Themenschwerpunkte dieser Jahre und gibt dabei erstmals direkte Einblicke in seine komplexe Arbeitsweise, die meditativen Charakter hat.

Daheim, das ist für Brunner der Ort, wo man ihm vertraut, wo er nichts beweisen muss, wo generationsübergreifend ein Bogen gespannt und wo verstanden wird, dass wir letztendlich die Essenz mehrerer Generationen sind, deren Ängste, Hoffnungen und Sehnsüchte auch in uns weiterleben, und dass Heilen nicht nur im Jetzt sondern auch in der Vergangenheit passiert. So dass dadurch ein Gefühl der Richtigkeit entsteht. Und wir uns wohl fühlen.

Regine Sachiko Vaget

Soma Bay, 2. August 2022

1969 Born in Hohenems, Austria

1984 – 1987 Cabinetmaker apprenticeship in Hohenems, Austria

1987 – 1990 Sculptor school in Elbigenalp, Tirol

1990 – 1994 Studied at the University of Applied Arts in Vienna, master class in sculpture Prof. Wander Bertoni, further: Oswald Oberhuber, Bernhard Leitner, Franz Graf, Isabelle Graw

https://www.facebook.com/norbert.brunner.98

estherartnewsletter_logo_georgia

EVENT LOG:

If you want to announce your event in EstherArtNewsletter please fill out the form.

http://www.estherartnewsletter.com/event-log