Monthly Archives: April 2017

futuregenerationartprize17

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Palazzo Contarini Polignac
PinchukArtCentre
FUTURE GENERATION ART PRIZE @ VENICE 2017
Collateral Event of the 57th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia

Preview Days: 10 – 12 May 10 am – 6 pm
Press preview:
Thursday, 11. May 2017 |11:30 am /registration 11am
press conference:
Victor Pinchuk, Founder Future Generation Art Prize
Curator Björn Geldhof, Artistic Director of the PinchukArtCentre
Anna Smolak, co-curator

Artists:

Njideka Akunyili Crosby (Nigeria / United States),Iván Argote (Colombia / France), Firelei Báez (Dominican Republic / United States),Vivian Caccuri (Brazil), Sol Calero (Venezuela / Germany), Asli Çavuşoğlu (Turkey),Vajiko Chachkhiani (Georgia / Germany), Carla Chaim (Brazil), Christian Falsnaes(Denmark / Germany), EJ Hill (United States), Andy Holden (United Kingdom), Li Ran (China), Ibrahim Mahama (Ghana), Rebecca Moss (United Kingdom),Sasha Pirogova (Russia), Kameelah Janan Rasheed (United States), Martine Syms(United States), Kemang Wa Lehulere (South Africa), Open Group (Ukraine).

Organizing Institution: PinchukArtCentre, Kyiv
Exhibition: 11 May 2017 – 13 August 2017
Dorsoduro 874, Venice, Italy
http://www.pinchukfund.org/en/

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Palazzo Contarini Polignac
Dorsoduro 874, Venice, Italy
Opening hours: 10 am – 6 pm daily (Mondays off). Admission is free.
PinchukArtCentre
https://pinchukartcentre.org

PinchukArtCentre and Victor Pinchuk Foundation will present an exhibition at the Biennale Arte 2017 of the work of 21 young artists from 16 different countries, shortlisted for the 4thedition of The Future Generation Art Prize, the global art prize for artists up to 35. 

The exhibition is an official Collateral Event of the 57th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia. It will be on view in the spectacular setting of the Palazzo Contarini Polignac from 12 May to 13 August 2017.

The Future Generation Art Prize is widely acknowledged as a springboard for emerging talent. Lynette Yiadom Boakye won the Prize in 2012, before going on to be shortlisted for the Turner Prize and have a highly successful solo show at the Serpentine Gallery in London. The winner of the first edition of the Prize, Cinthia Marcelle, will represent Brazil at the 57th International Art Exhibition.

The 21 artists on show this year in Venice, chosen from amongst 4,500 entries, include among others the winner of the $100,000 Future Generation Art Prize 2017, the South African artist Dineo Seshee Bopape, and the winner of the $20,000 Special Prize, Kenyan/British artist Phoebe Boswell.

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In addition there will be new work by the other shortlisted artists who are: Njideka Akunyili Crosby, 33 (Nigeria / United States), Iván Argote, 32 (Colombia / France), Firelei Báez, 35 (Dominican Republic / United States), Vivian Caccuri, 30 (Brazil), Sol Calero, 34 (Venezuela / Germany), Asli Çavuşoğlu, 34 (Turkey), Vajiko Chachkhiani, 31 (Georgia / Germany), Carla Chaim, 33 (Brazil), Christian Falsnaes, 35 (Denmark / Germany), EJ Hill, 31 (United States), Andy Holden, 34 (United Kingdom), Li Ran, 30 (China), Ibrahim Mahama, 29 (Ghana), Rebecca Moss, 25 (United Kingdom), Sasha Pirogova, 29 (Russia), Kameelah Janan Rasheed, 31 (United States), Martine Syms, 28 (United States), Kemang Wa Lehulere, 32 (South Africa), Open Group (Ukraine).

The Future Generation Art Prize @ Venice 2017 exhibition is curated by Björn Geldhof, Artistic Director of the PinchukArtCentre and invited curator Anna Smolak. The winners were announced at an exhibition at PinchukArtCentre, which opened in February 2017, chosen from the shortlist by a distinguished international jury consisting of Nicholas Baume, Director and Chief Curator, Public Art Fund, New York; Iwona Blazwick, Director, Whitechapel Art Gallery, London; Björn Geldhof, Artistic Director, PinchukArtCentre, Kyiv and YARAT, Baku; Mami Kataoka, Chief Curator, Mori Art Museum, Tokyo and Curator, 21st Biennale of Sydney 2018; Koyo Kouoh, Founding Artistic Director, Raw Material Company, Dakar; Jochen Volz, curator of the 32nd São Paulo Biennial and General director of Pinacoteca, São Paulo, Brazil; Jérôme Sans, Co-Founder, Palais de Tokyo Paris and Artistic Director, Perfect Crossovers, Paris-Beijing.

Launched in 2009 by the Victor Pinchuk Foundation, the Future Generation Art Prize is a worldwide contemporary art prize, created to discover, recognise and give long-term support to a future generation of artists. It is important contribution to the open participation of younger artists in the dynamic cultural development of societies in global transition.

A distinguished Board oversees the Future Generation Art Prize. With Victor Pinchuk as its Chairman, the Board includes four patron artists Andreas Gursky, Damien Hirst, Jeff Koons and Takashi Murakami, the collectors Eli Broad, Dakis Joannou, Elton John, Miuccia Prada and museum directors Richard Armstrong (Solomon R. Guggenheim Foundation and Museum, Glenn D. Lowry (The Museum of Modern Art) and Alfred Pacquement (Musée Nationale d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou).

Commissioned and promoted by the Victor Pinchuk Foundation
Organizing Institution:
PinchukArtCentre, Kyiv
Official hashtag #FGAPvenice

Palazzo Contarini Polignac
Dorsoduro 874, Venice, Italy
Opening hours: 10 am – 6 pm daily (Mondays off). Admission is free.
PinchukArtCentre
https://pinchukartcentre.org

https://www.facebook.com/pg/futuregenerationartprize/photos/


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SEUNG-TAEK LEE

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GalleryHyundaiLGlevagorv
PALAZZO CABOTO VENICE
Gallery Hyundai and Lévy Gorvy Present
SEUNG-TAEK LEE
IN VENICE
OPENING RECEPTION: 9. MAY 2017 | 5-7 PM
CHAMPAGNE RECEPTION: 10. MAY & 11. MAY 2017 | 5-7 PM
Exhibition: 8. MAY – 28. JUNE 2017
1645 VIA GIUSEPPE GARIBALDI
30122 VENICE ITALY
http://www.levygorvy.com/exhibitions/seung-taek-lee-2/
http://www.galleryhyundai.com/en/?c=main
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SEUNG-TAEK LEE
IN VENICE 
Exhibition: 8. MAY  – 28. JUNE 2017

Gallery Hyundai and Lévy Gorvy are pleased to announce an exhibition of Korean artist Seung-taek Lee (b. 1932). This show affords an intimate and focused look at Lee’s rarely seen works derived from paper and stones created in the 1970s and early 1980s, offering new insights into an oeuvre defined by its elegant and unconventional approach to the lyricism and malleability of form.

A solitary figure unbound by the strictures of a movement or group, Lee has described the artist’s task as that of “connecting different worlds in search of another realm.” His art moves between the material and the metaphysical, conceiving art and philosophy as parallel pursuits. Privileging no single medium, his oeuvre spans several, incorporating aspects of painting, drawing, sculpture, installation, and performance, often within the same piece. Notions of negation—which he alternately refers to as “dematerialization,” “anti-concept,” and “non-sculpture”—structure his approach, by which he transforms ordinary objects, imbuing them with multiple meanings and affects. Embracing invisible forces and unorthodox materials such as tree branches, wire, stones, human hair, fabric, and rope, his art elevates the mundane to the level of myth. At once emphatically abstract and culturally specific, it draws on the subtle, unassuming beauty of Korean aesthetic traditions and folk art. Rooted in a concrete poetics of place, it reflects contemporaneous developments in Earth Art, Mono-ha, and Post-Minimalism while maintaining resolute independence from any of its peer groups.

Sited in the historic Palazzo Caboto, the exhibition opens with a work from Lee’s Godret Stone series. Begun in 1958, the series’ title alludes to the small stones used by Korean artisans to weight traditional mats while weaving. Grooved and hung from wooden bars with rope, the stones appear to float, thus belying their solid physicality. Such suspensions of expectation are typical of Lee’s practice, which lingers on the discrepancies between appearance and reality.

Beginning in the late 1960s, Lee turned to the representation of immaterial phenomena in nature such as wind, fire, water, smoke, and fog. Video documentation of his 1977 performance, Wind-Folk Amusement, here on view, finds Lee and his collaborators unfurling strips of scarlet cloth into the sky. Nearby, a grouping of tree branches draped with paper responds to the room’s ambient drafts and breezes, figuring air’s formless force in a more delicate register. The following floor focuses on Lee’s works in paper. Dating from the late 1970s and early 1980s, these pieces treat paper as a sculptural medium, manipulating its surface through a succession of presses and folds that produce fleeting plays of light and shadow. Paired with tied books and bowls, they demonstrate the artist’s inclination toward anti-form and anti-sculpture, enabling their viewer to imagine the gestures with which they were made. The final floor highlights Lee’s tied stones and ceramics. Deferring to the Korean tradition of onggi, a type of earthenware common in households, the latter collapse conventional hierarchies of fine art and craft, affirming Lee’s assertion that “the most local is the most universal.”

Lee’s work resides in the permanent collections of museums and institutions worldwide, including the Tate Modern, London; the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, Seoul; and the Museum of Contemporary Art Australia, Sydney. Solo exhibitions of Lee’s work have been held at the Sungkok Art Museum, Seoul and the Arko Art Center, Seoul. He received the Nam June Paik Art Center Prize in 2009 and the Eungwan Order of Cultural Merit from the Korean Ministry of Culture in 2014.

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1645 via Giuseppe Garibaldi 30122, Venice, Italy

http://www.levygorvy.com/exhibitions/seung-taek-lee-2/
https://www.facebook.com/levygorvy/

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CENTRAL STATION Basel
MICHAEL VESSA
Bücher | Zeichnungen | Installation.
Greenscreen-Filmstudio VIDEO TO GO
Concept Store ASSEMBLAGE für Mode-Accessoires und Design-Objekte
3 x Vernissage
DONNERSTAG, 4. Mai 2017 |18 Uhr
 Sternengasse 19, 1. UG, 4051 Basel
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Vernissage von Michael Vessa im Salons des Dessins und Collector’s Space in der CENTRAL STATION ein. Gleichzeitig wird das erste öffentliche Greenscreen-Filmstudio VIDEO TO GO in Basel sowie der neue Concept Store ASSEMBLAGE für Mode-Accessoires und Design-Objekte in der CENTRAL STATION eröffnet.
Vernissage MICHAEL VESSA
Bücher | Zeichnungen | Installation.
Eröffnung VIDEO TO GO:
Das erste öffentliche Greenscreen-Filmstudio in Basel. Es spielen UNDER COVER live im Studio mit einer Livemix-Show auf dem Screen von Martin Schaffner.
Ladeneröffnung ASSEMBLAGE:
Der neue Concept Store für Mode-Accessoires und Design-Objekte.
Littmann Kulturprojekte
Spalentorweg 13, Postfach
CH-4019 Basel
CENTRAL STATION Basel
DISCO TRAIN @ CENTRAL STATION Larry’s Bar
Samstag, 6. Mai 23 -5 H
6. Mai um 23:00 – 7. Mai 2017 | 5 pm

DJ lukJLite
https://soundcloud.com/dj-lukjlite

discn
DJ lukJLite stellt die Weichen im Untergrund, hat die Strecke mit ein zwei Loopings versehen und drückt auf`s Gaspedal in der Führerkanzel.
Sound like Disco, NuDisco, Funky Stuff & House
https://www.facebook.com/events/299633237132728/
 
Ongoing Project:
CENTRAL STATION
Eine temporäre Kunst- und Alltasgkulturintervention
Sternengasse 19, Basel
 
 
Upcoming Project:
„DIE UNGEBROCHENE ANZIEHUNGSKRAFT DER NATUR“
Wörthersee Stadion Klagenfurt, 2019

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Fondation Beyeler 17

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FONDATION BEYELER
TINO SEHGAL
22. MAI – OKTOBER 2017
Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
https://www.fondationbeyeler.ch/

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TINO SEHGAL
22. MAI – OKTOBER 2017
Von Ende Mai bis Ende Oktober 2017 wird der deutsch-britische Künstler Tino Sehgal (*1976) in der Fondation Beyeler mit einer Ausstellung präsent sein, die als Serie von sechs aufeinanderfolgenden Präsentationen konzipiert ist. Ein Werk wird jeweils im Park oder in einem der Museumsräume zu erleben sein. Sehgals Werke, er nennt sie «konstruierte Situationen», werden von Interpreten und Interpretinnen umgesetzt, sie sind immateriell und flüchtig, zentral ist das Erleben der Situation selbst. Ausgangspunkt für diese Ausstellung ist die Arbeit This You, die vor zwei Jahren für die Sammlung erworben wurde.
https://www.fondationbeyeler.ch/ausstellungen/tino-sehgal/

FONDATION BEYELER
WOLFGANG TILLMANS
28.5.2017 – 1.10.2017
Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
https://www.fondationbeyeler.ch/

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WOLFGANG TILLMANS
28. MAI – 1. OKTOBER 2017
Die grosse Sommerausstellung ist dem Künstler Wolfgang Tillmans gewidmet. Es ist die erste umfassende Auseinandersetzung mit dem Medium der Fotografie in der Fondation Beyeler, in deren Sammlung sich schon seit einiger Zeit eine wunderbare Gruppe von Bildern des Künstlers befindet. Vom 28. Mai bis zum 1. Oktober werden ca. 200 fotografische Arbeiten von 1989 bis 2017 und eine neue audio-visuelle Installation zu sehen sein.

Bekannt wurde Tillmans in den frühen 1990er Jahren mit heute ikonischen Bildern über das Lebensgefühl einer ganzen Generation, geprägt von unbeschwertem Freiheitsdrang und der Lust, das Leben im Moment zu geniessen. Doch schon bald erweiterte er den Fokus und nutzte das Experimentieren mit den Mitteln der Fotografie zum Erfinden einer neuen Bildsprache. Es entstanden Arbeiten mit und ohne Kamera sowie mit dem Fotokopierer. Neben traditionellen Genres wie Porträts, Stillleben oder Landschaftsbilder präsentiert die Ausstellung abstrakte Werke, die mit der Grenze des Sichtbaren spielen. Sie wird zeigen, dass nicht Fotografie im klassischen Sinn im Vordergrund des Werkes von Tillmans steht, sondern das Schaffen von Bildern. Die Ausstellung entsteht in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler.

https://www.fondationbeyeler.ch/ausstellungen/wolfgang-tillmans/

FONDATION BEYELER
SAMMLUNG BEYELER – REMIXED
11.6.2017 – 10.9.2017
Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
https://www.fondationbeyeler.ch/

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SAMMLUNG BEYELER – REMIXED

6. JUNI – 3. SEPTEMBER 2017
Die zweite Sammlungsausstellung zeigt die Sammlung im Ist-Zustand. Mit Neuzugängen der letzten Jahre wurde angefangen, die Sammlung gezielt um einen zeitgenössischen Schwerpunkt zu erweitern. Dabei ist der Dialog zwischen den Neuerwerbungen und der bestehenden Sammlung ein wichtiges Kriterium bei den Überlegungen zu einem Ankauf. Diese Sammlungspräsentation wird dem Dialog zwischen Künstler und Sammlung in vielfältiger Weise eine Bühne geben.

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fotografierte-ferne

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Berlinischen Galerie
DIE FOTOGRAFIERTE FERNE
FOTOGRAFEN AUF REISEN (1880–2015)
Pressekonferenz: 17.05.017 | 11 Uhr
Eröffnung: Donnerstag, 18. Mai 2017 | 19 Uhr
Künstler (Auswahl):
Robert Petschow, Erich Salomon, Marianne Breslauer, Evelyn Richter, Thomas Höpker, Ulrich Wüst, Karl von Westerholt, Heidi Specker, Tobias Zielony und Sven Johne.
Ausstellung: 19.05.–11.09.2017
Alte Jakobstraße 124-128, 10969 Berlin
ThomasHoepker
Die Fotografierte Ferne. Fotografen auf Reisen (1880–2015)
19.05.–11.09.2017
Seit mehr als 100 Jahren ist das Reisen ein großes Thema der Fotografie. Mit der kolonialen Expansion und dem aufkommenden Tourismus im späten 19. Jahrhundert reisten Fotografen noch aus reiner Entdeckerlust durch die Welt, um aus der Ferne zu berichten. Erst seit den 1920-er Jahren und bis in die aktuelle Gegenwart ist das Reisen zudem Anlass für die künstlerische Auseinandersetzung mit den kulturellen, politischen, sozialen Zuständen anderer Länder. Die Bilder entstehen als spontane Reaktion auf Unbekanntes oder auch ausgehend von konzeptuellen Ideen.
180 Bilder von 15 berühmten wie weniger bekannten Fotografen stehen für die wesentlichen Epochen und Stilrichtungen der Fotografie seit der Moderne bis zur Gegenwart (1875–2015).
Die verschiedenen Positionen vermitteln auf philosophische, medienkritische oder ästhetische Weise, wie sich der Blick auf das Unbekannte von der Kolonialzeit bis in die globalisierte Welt verändert hat.
Künstler Auswahl:
Robert Petschow, Erich Salomon, Marianne Breslauer, Evelyn Richter, Thomas Höpker, Ulrich Wüst, Karl von Westerholt, Heidi Specker, Tobias Zielony und Sven Johne.
Ausstellung mit Unterstützung des Fördervereins Berlinische Galerie e.V.
Fotografierte Ferne. Fotografen auf Reisen (1880–2015)
vermittelt auf philosophische, medienkritische oder ästhetische Weise, wie sich der Blick auf das Unbekannte von der Kolonialzeit bis in die Globalisierte Welt verändert hat
https://www.berlinischegalerie.de/ausstellungen-berlin/vorschau/fotografierte-ferne/

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julius-koller

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Museion

FOUNDATION MUSEION
Museum für moderne und zeitgenössische Kunst
JULIUS KOLLER
One Man Anti Show
Opening 19/05/2017 | 7 pm
Curated by Daniel Grúň,
Kathrin Rhomberg und Georg Schöllhammer
Exhibition: 20/05 – 27/08/2017
Piazza Piero Siena 1, 39100 Bozen, Italien
http://www.museion.it/2017/05/julius-koller/?lang=en

JKMnichovskakulturnasituacia

Július Koller, Mníchovská kultúrna situácia (U.F.O.) / Munich Cultural Situation (U.F.O.), 1991. SW-Fotografie auf Papier / b & w photograph on paper, 40 x 59,3 cm. Photo: Courtesy Květoslava Fulierová

JULIUS KOLLER
One Man Anti Show
20/05 – 27/08/2017
Museion presents, in collaboration with mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Vienna and The Slovak National Gallery, Bratislava, the largest retrospective ever shown of the works of Július Koller (Piešt’any, Slovacchia 1939- Bratislava, 2007). Koller is one of the most important Eastern European artists working since the 1960s, whose art had and has considerable international significance. The exhibition documents his independent contribution to the neo-avantgarde and based on painstaking research into his art and archives. Alongside works of international relevance there will be works, archive material and inedited ephemera presented. Koller‘s work developed in critical distance to the communist authorities and their official art, and it also questioned traditions in modernism and the conventions of the Western art business. Since the mid-1960s he designed Antihappenings and Antipictures, creating a playfully ironic oeuvre that combined a Dadaist spirit with radical-skeptical stance. Koller painted object-images in white latex and pictures of question marks that became the universal symbol of his critical view of everyday life and reality.
Koller saw tennis and table tennis as participatory art forms and here too he combined sport with political statement by demanding that the rules of the game and fair play be adhered to—as the basis of all social action – a statement that is of utmost relevance even today, given the current international political situation. After the Prague Spring was put down, Koller began his U.F.O.naut series that challenged reality with “cultural situations” and utopias of a new, cosmohumanistic culture and future.

Július Koller. One Man Anti Show is an exhibition project in co-operation with the mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Vienna and the Slovak National Gallery, Bratislava.

http://www.museion.it/2017/05/julius-koller/?lang=en#sthash.wgC90tjl.dpuf
http://www.museion.it/2017/05/julius-koller/?lang=en

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Every thursday Museion is open till 10 pm. From 6 pm entry is free and at 7 pm a free guided tour starts through the exhibitions. Our art mediators guide visitors through Museion in Italian and German and will examine the arguments in the exhibitions.

Foto: Luca Meneghel

http://www.museion.it/2017/05/long-thursday-at-museion/?lang=en#sthash.gwx0u21b.dpuf

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INS_FREIE17

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infreie2017
INS FREIE/NA PROSTO/ALL´APERTO
Ein Kulturwochenende in Kärnten | Kulturni konec tedna na Koroškem | Un fine settimana culturale in Carinzia
11.- 13. Mai 2017
Ein Gemeinschaftsprojekt von | skupni projekt| una coproduzione di:
GALERIE3 | FLUX23 | KUNSTRAUM LAKESIDE | MUSEUM AM BACH | UNIKUM
MUAB/Museum am Bach, UNIKUM
http://www.unikum.ac.at/001_PROJEKTE_2017_FI/INSFREIE_FI/001_INS_FREIE_index_13052017.html
KUNSTRAUM LAKESIDE
RADICAL CONTEMPORANEITY
Marina Gržinić and Aina Šmid
35 years of work revisited (1982-2017)
Eröffnung: 11. Mai 2017 | 18.30 Uhr
19 Uhr:  Into the Now
Performance von Marina Gržinić und Aneta Stojnić
 Kuratorin: Aneta Stojnić
Ausstellung: 12. Mai – 14. Juli 2017
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
http://grzinic-smid.si/?p=1339
grzinicsmid
KUNSTRAUM LAKESIDE | LAKESIDE B02 | KLAGENFURT/CELOVEC
RADICAL CONTEMPORANEITY
Ausstellungseröffnung und KünstlerInnengespräch
Marina Gržinić and Aina Šmid: 35 years of work revisited (1982-2017)
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
http://grzinic-smid.si/?p=1339
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GALERIE 3 | FLUX 23
KLAGENFURT/CELOVEC
KOPF ODER ZAHL
Junge Künstlerinnen  und Künstler mit der
Bank Austria  auf dem Weg zum Erfolg
Eröffnung:
Mittwoch,  10. Mai 2017 | 19 Uhr
INS FREIE Führung: Freitag,  12 Mai 2017 | 14 Uhr
Simon Goritschnig · Matthias Bürger-Mader
Moya Hoke · Gregor Pirker · Céline Struger· Anna Paul
Ausstellung:
Alter Platz 25 I 2. Stock (Lift) I 9020 Klagenfurt/Celovec
https://www.galerie3.com
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zum Bank Austria Kunstpreis für junge Kunst, Kärnten/Koroška
Simon Goritschnig · Matthias Bürger-Mader
Moya Hoke · Gregor Pirker · Céline Struger Anna Paul

 

 

Einleitende Worte und Preisübergabe Bruno Waldl, Landesdirektor Firmenkunden Kärnten.

Künstlerinnen und Künstler
sowie Jurymitglieder sind anwesend.

Über Ihren Besuch würden wir uns sehr freuen.

Im Rahmen von INS FREIE, Kulturwochenende in Kärnten findet am 13. Mai um 17 Uhr eine Führung durch die Ausstellung statt.
Das gesamte Programm finden Sie unter:
» www.facebook.com/insfreie

INS FREIE SPECIAL 2017:
UNCUT von Gabriele Sturm
Freitag 12. 05. 2017  I  15 Uhr
SPRING IS SPRINGING I Performance I Aussäen von speziell für Wildblumenwiesen zusammengestelltem Saatgut für faunistische Vielfalt im öffentlichen Raum mit Gabriele Sturm, Leonhard Wallisch und dem Team des Stadtgartenamtes Klagenfurt
Es ist eine künstlerische und ökologische Intervention zur Re-etablierung selten gewordener Lebensräume.
Treffpunkt Galerie3 I bei Schlechtwetter Regenschutz mitbringen
Magdas Lokal Klagenfurt/Celovec
FAUNA UND FAUN
Gespräch
Freitag 12. 05. 2017  I 18Uhr  
mit Heinz Blechl (Stadtgartendirektor), Gabriele Sturm (Künstlerin) und Lena Freimüller (Kuratorin) über »edge effects«, faunistische und floristische Biodiversität, Mythen und deren Rezeption in der Bildenden Kunst und Bevölkerung.
Treffpunkt magdas Lokal I Stauderplatz 1 | 9020 Klagenfurt/Celovec
MUSEUM AM BACH
UNIKUM | KLAGENFURT/CELOVEC
TIEFGANG | V GLOBINO
13 05 2017 | AB 13Uhr
MIT DEM BUS UND ZU FUSS ZUM MUSEUM AM BACH I Z AVTOBUSOM IN PEŠ DO MUZEJA OB POTOKU
Rinkolach/Rinkole–Rinkenberg/Vogrče–Lippitzbach/Lipica–Krassnitz/Krasnica
Musik I Glasba: Blockflötenensemble des Konservatoriums Klagenfurt/Celovec
 
ABLAUF | POTEK | ORARIO:
13.00: Bustransfer ab Klagenfurt/Celovec, Universitätsstraße 90, Mensagebäude
14.00—17.30: Wanderung von Rinkolach/Rinkole über Rinkenberg/Vogrče und Lippitzbach/Lipica nach Krassnitz/Krasnica. Musik I Lesungen I Video I Labung
18.00: Ausstellungseröffnung im Museum am Bach
20.30: Rückfahrt nach Klagenfurt I Povratek v Celovec
Anforderungen & Ausrüstung I Napotki & Oprema
Länge ca. 7 km, 250 Höhenmeter, festes Schuhwerk, Trittsicherheit, Trinkwasser, Jause
Unkostenbeitrag I Prispevek € 10,- / 5,-
Begrenzte Teilnehmerzahl I Anmeldung erforderlich! Število udeležencev je omejeno, prijava obvezna!
Busfahrt zum Museum am Bach und zurück auch ohne Wanderung möglich I Anmeldung erforderlich! Vožnja z avtobusom možna tudi brez pohoda, prijava obvezna!
unikum@aau.at | +43 676 7714038
ANMELDUNG | PRIJAVA
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13 05 2017 | 18:00
MUSEUM AM BACH | KRASSNITZ/KRASNICA 12 | 9113 RUDEN/RUDA
GAMES & CIRCLES
POSITIONEN ZEITGENÖSSISCHER KUNST ZUR INNEN- UND AUSSENWIRKUNG VON FESTEN UND SPIELEN
ERÖFFNUNG DER AUSSTELLUNG mit »Im Süden feiert man Feste« des TURBOtheater | KopFINdeRwaNd
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Kunstraum Lakeside17

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KUNSTRAUMLAKESIDE
KUNSTRAUM LAKESIDE
Heidrun Holzfeind “Never Neverland”
Heidrun Holzfeind “EXPOSED”, 2005
Filmabend und Gespräch
mit Heidrun Holzfeind und Silvia Eiblmayr
Dienstag, 2. Mai 2017 | 18.30 Uhr
Hemma Schmutz | Kuratorin
Nora Leitgeb | Koordination und Kunstvermittlung
Ausstellung: 10. März – 5. Mai 2017
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
http://www.lakeside-kunstraum.at/index.php?id=270
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Der Kunstraum Lakeside richtet die erste Einzelpräsentation der in Kötschach-Mauthen gebürtigen Videokünstlerin Heidrun Holzfeind in Kärnten mit einer adaptierten Präsentation ihres dreiteiligen Videoprojektes „Never Neverland“ aus.

Die Arbeiten der österreichischen Künstlerin Heidrun Holzfeind spüren dem Verhältnis zwischen individuellen Lebensgeschichten und politischen Realitäten nach. Für die vom steirischen herbst beauftragte Arbeit „Never Neverland“ spannt Holzfeind einen Bogen von einer Künstler Community in der kalifornischen Wüste zu Orten experimenteller Lebensentwürfe in der Steiermark und Slowenien. Das filmische Erkundungsprojekt porträtiert in einer 3-Kanal-Videoinstallation Menschen, die einen alternativen Lebensweg abseits der Konsumgesellschaft eingeschlagen haben. Diese Suche nach einem menschenwürdigeren Dasein wird zum Ausgangspunkt einer Reflexion über Kreativität, Spiritualität und Nachhaltigkeit und dem Gegensatz zwischen Kommunalismus und Individualismus. Holzfeinds Arbeit ist als künstlerischer Versuch zu verstehen, vernachlässigte soziale Narrative aufzugreifen und diese mit den Wünschen, Erwartungen und Gefühlen der Besucher zu konfrontieren. Dabei gelingt es Heidrun Holzfeind, ein politisches Moment jenseits der Konventionen politischer Kunst zu erzeugen.

Heidrun Holzfeind “EXPOSED”, 2005
Filmabend und Gespräch
mit Heidrun Holzfeind und Silvia Eiblmayr
Dienstag, 2. Mai 2017 | 18.30 Uhr

Filmabend mit Heidrun Holzfeind und der Kunsthistorikerin und Kuratorin Silvia Eiblmayr, bei dem eine weitere Arbeit der Künstlerin, nämlich „EXPOSED“ aus dem Jahr 2005, gezeigt und diskutiert wird. Die Protagonistin des Filmes leidet unter einer Vielfachen Chemikalienunverträglichkeit (MCS). Der Film zeigt die Verletzlichkeit und Ausgesetztheit der Tänzerin, aber auch ihren Kampf um Anerkennung ihres von Umweltgiften belasteten gesundheitlichen Zustandes und um entsprechende Unterstützung.

KUNSTRAUM LAKESIDE
RADICAL CONTEMPORANEITY
Marina Gržinić and Aina Šmid
35 years of work revisited (1982-2017)
Eröffnung: 11. Mai 2017 | 18.30 Uhr
19 Uhr:  Into the Now
Performance von Marina Gržinić und Aneta Stojnić
 Kuratorin: Aneta Stojnić
Ausstellung: 12. Mai – 14. Juli 2017
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
http://grzinic-smid.si/?p=1339
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RADICAL CONTEMPORANEITY
Marina Gržinić and Aina Šmid: 35 years of work revisited (1982-2017)

12. Mai – 14. Juli 2017

Diese Ausstellung umfasst den wichtigsten Bestand an Werken, die die slowenischen Künstlerinnen Marina Gržinić und Aina Šmid im Laufe von 35 Jahren entwickelten. Hoch performativ in der Herstellung ihrer spezifischen Wirkung in der aktuellen sozialen und politischen Realität, ist ihre Produktionsweise von einem scharfen und genauen Sinn für den zeitgenössischen Kontext angeregt, wobei jede Arbeit eine konkrete Darstellung davon gibt, was wir radikale Kontemporanität nennen wollen. Das bedeutet, dass sie nicht bloß mit brennenden politischen Fragen arbeiteten, sondern auch, dass sie sich mit diesen zeitgleich mit den Ereignissen selbst auseinandersetzten, und somit immer das Risiko eingingen, Analysen einer traumatischen Gegenwart zu liefern, im Bewusstsein der historische Dynamik, aber auch mit einem klaren Verständnis von Prozessen der Historisierung.

Gržinić und Šmid zeigten den historischen Prozess, der dem Übergang vom Sozialismus zum Postsozialismus und zum Turbokapitalismus (über den Turbofaschismus) zugrunde liegt, analysierten die von den Technologien der neuen Medien eingeführten Veränderungen, machten die Bedingungen des zeitgenössischen globalen Nekro-Kapitalismus sichtbar, und erteilten somit eine harte Kritik von Diskriminierung, Rassismus und Faschismus im heutigen Europa. In dieser Hinsicht erlangt ihr Werk eine historische Position in seiner künstlerischen, kulturellen und politischen Infragestellung und Kritik der Konstruktion und Dekonstruktion des politischen Projekts des ehemaligen Osteuropas in Bezug zum sogenannten „ehemaligen Westen“, sowie in seinem Verständnis der zeitgenössischen Beziehungen von Segregation und Ausbeutung in Europa, vor allem hinsichtlich Klasse, Herkunft und Gender. Während sie den Charakter einer Retrospektive hat, folgt die Ausstellung diesen Eigenschaften der Arbeiten und nimmt dadurch das Format einer Akkumulation politischer Geschichte an, um somit eine Lesart der dystopischen Gegenwart anzubieten und über eine mögliche Zukunft nachzudenken.

Kuratorin: Aneta Stojnić

Kunstraum Lakeside
RADICAL CONTEMPORANEITY
Marina Gržinić and Aina Šmid:
Dystopian futures, panel discussion with jan jagodzinski,
Martin G. Weiss, Marina Gržinić and Aneta Stojnić,
07. June 2017 | 18 pm
 Kuratorin: Aneta Stojnić
Ausstellung: 12. Mai – 14. Juli 2017
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
Marina Gržinić and Aina Šmid are involved in videofilm experimental and political productions from 1982. They have collaborated in more than 40 video art projects; they made a short feature 16 mm film and numerous video and media installations. Marina Gržinić is doctor of philosophy and Professor at The Academy of Fine Arts Vienna. Aina Šmid is art historian and free-lance journalist.
Aneta Stojnić is theoretician, curator and artist. She works as assistant professor at the Faculty of Media and Communications in Belgrade.
jan jagodzinski is Professor of Visual Art and Media Education in the Department of Secondary Education, University of Alberta in Edmonton, Alberta, Canada.
Martin G. Weiss is Assistant Professor of Philosophy at the Alpen-Adria-Universität Klagenfurt.
KUNSTRAUM LAKESIDE
Dystopian Futures
Podiumsdiskussion
Ausstellung: 07. Juni 2017 | 18 Uhr
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
KUNSTRAUM LAKESIDE
Moritz Majce + Sandra Man “Choros”
Ausstellung: 8. September bis 6. Oktober 2017
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
KUNSTRAUM LAKESIDE
kozek hörlonski mit Alexander Martinz
Ausstellung: 29. September – 24. November
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria
KUNSTRAUM LAKESIDE
Christoph Schäfer
Ausstellung: 01. Dezember – 26. Jänner 2018
Lakeside Science & Technology Park
Lakeside B02
9020 Klagenfurt Austria

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 GALERIE WALKER
Gasteiger I Haberpointner I Bockelmann
Eröffnung: Sonntag, 7. Mai 2017 | 11Uhr
Jakob Gasteiger – Alfred Haberpointner
Zwischen Bild und Skulptur
Manfred Bockelmann
en passant
Ausstellung: 8. Mai – 3. September 2017
Schloss Ebenau / Rosental
A-9162 Weizelsdorf
https://www.galerie-walker.at/

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Jakob Gasteiger 1.6.2009
Acryl mit Aluminium auf Leinwand 81×70,5cm
KUNSTRAUM WALKER
Gasteiger I Haberpointner
Eröffnung: Sonntag, 7. Mai 2017 | 11Uhr
Ausstellung: 8. Mai – 3. September 2017
Richard-Wagner-Str. 36
9020 Klagenfurt Austria
https://www.galerie-walker.at/
In der Sommerausstellung 2017 im Schloss Ebenau werden drei spannende Künstlerpositionen gezeigt, in denen einstige Grenzen zwischen den Kunstrichtungen ausgelotet und überwunden werden. In einer radikal modernen Haltung, die in den Anfängen vom Minimalismus geprägt ist, verweigern die Künstler das Einbinden eigener Emotionalität zugunsten einer anonymen Handschrift, die im Material selbst ihre wahre Aufgabe findet. Das Material, ob Acrylfarbe oder Holz, ist zugleich Darstellungsmittel wie Darstellungsgegenstand. Ihre Kunst stellt Fragen nach dem, was ein Bild, eine Skulptur, eine Zeichnung sind – welche Aufgabe sie zu erfüllen haben und welche die Aufgaben des Betrachters sind – und findet sich in diesen Fragen nach sich selbst. Eine Rückkehr zu den immerfort gleichen Handlungen, in ihrer Formbeständigkeit, führt über die Veränderungen in den Individuen selbst zu einem postmodern anmutenden Variantenreichtum im Werk beider Künstler. Der Entstehungsprozess, ob im Furchen von Acrylmasse durch Rakeln, oder Aufhacken einer Holzplatte durch eine Axt, bleibt als sinnlich fühlbare Verankerung in der Zeit bestehen.
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Jakob Gasteiger 14.1.16
Acryl auf MDF Durchmesser 80 cm
Jakob Gasteiger (geb. 1953 in Salzburg) studierte 1970-1974 Bühnenbild an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst in Salzburg und besuchte ab 1976 in Wien die Graphische Lehr- und Versuchsanstalt. 1990 erhält er den Faistauer Preis für Malerei. In den 1980er Jahren beginnt er eine künstlerische Richtung einzuschlagen, die zu den „Neuen Wilden“ einen Gegenpol darstellt und sich an der Radikalen Malerei orientiert. Dabei geht es um die Thematisierung von Malprozess und Malerei ohne jeden ikonographischen Anspruch, in einer non-narrativen Form, ohne Ausdruck der eigenen Befindlichkeit. Mit gezahnten Rakeln aus Kartonstreifen wird die zumeist monochrome Acrylmasse auf der Leinwand durchzogen, wodurch Grate und Furchen entstehen, die durch das einfallende Licht den Charakter einer Zeichnung, aber auch eines Reliefs erhalten. Diese Formsprache behält der Künstler in einer aus sich selbst schöpfenden Monotonie über 15 Jahre bei. Die Furchen sind zumeist horizontal und vertikal gezogen, auch in Kombination, manchmal in Schwüngen und Bögen. Die monochrome Bildfläche wird durch die Vermengung der gefurchten Farbe mit der noch nassen, andersfärbigen Grundierung aufgebrochen; in den letzten Jahren werden einzelne Farben in einem Bild nebeneinander gesetzt.
Der Künstler verwendet Lack auf seinen Bildern, um ein nüchtern-reduziertes Liniengeflecht zu erzeugen. Parallel dazu schafft er Papierarbeiten aus Kohlepapieren, die großflächig, als Installationen, auf die Wand geklebt werden. Ab dem Jahr 2000 entstehen Skulpturen aus gegossenem Aluminium. Diese zeichnen sich durch ihre Einzigartigkeit aus – in Sekundenschnelle wird das
Aluminium gegossen und erzeugt eine einmalige, unwiederholbare Form. Diese Arbeitsweise, die den Zufall verstärkt als formgebend einbindet, bildet einen Gegensatz zum Ziehen der Farbe mit der Rakel und dem damit verbundenen längeren, konzentrierten Prozess. In den letzten Jahren vermischt der Künstler die Acrylmasse mit Glassplittern, Kupfer oder Aluminium, wodurch die Bilder glitzern; so, als würde ihrem choralartigen Farb- und Formklang eine neue Stimme hinzugefügt.
Bis zum 26. Februar 2017 ist eine Einzelausstellung von Jakob Gasteiger in der Residenz des Salzburg Museums zu sehen – einige Werke daraus werden im Anschluss in Ebenau gezeigt.
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Alfred Haberpointner W-NIKS 2016
200 x 151 cm gebeiztes Fichtenholz
Alfred Haberpointner (geb. 1966 in Ebenau bei Salzburg) besuchte von 1980-1984 die Fachschule für Bildhauerei in Hallein und anschließend die Hochschule für Gestaltung in Linz. 1997 erhält er den Theodor-Körner-Preis. Für seine künstlerische Ausdrucksform wählt er neben dem Werkstoff Holz, der ihn hauptsächlich beschäftigt, auch Bronze und Metall. Auf eine modernistische Weise versteht es der Künstler, jene Quellen in sich anzusprechen, die traditionslos, nicht-anekdotisch und nicht-historisch sind, um zu einer innovativen, abstrakten und auf sich selbst bezogenen Lösung zu gelangen. Sein Interesse gilt minimalistischen Künstlern und Kunstwerken, wobei er sich in seinen unterschiedlich bearbeiteten Kopfformen (teilweise ein- und zerschnitten, mit grober oder feiner Struktur überzogen, mit Nägeln beschlagen) einem Thema zuwendet, das  berührt. Gerade in der konzentrierten Bearbeitung der Kopfformen, gleichmütig gegenüber ihrer Konnotation, zieht der Künstler die Bedeutungsschwere des Objektes hin zu einer haptisch ansprechenden, in frischer Anonymität sich wiederholenden abstrakten Form. Seine Wandobjekte, an der Grenze zwischen Bild und Skulptur angesiedelt, nennt er selbst „Zentrierungen“ oder „gehackte Objekte“, wobei es hier durch den zusätzlichen Farbauftrag und den zentral zusammenlaufenden Hackspuren zu einer räumlichen Illusion von Tiefe oder Höhung kommt.
Vom 21.05 bis 01.10. 2017 sind Skulpturen von Alfred Haberpointner in der diesjährigen Ausstellung der „Blickachsen 11“ in Bad Homburg zu sehen, die in Zusammenarbeit mit dem Museum Liaunig gestaltet wird.
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Manfred Bockelmann “Landart”
Skulpturenpark Schloss Ebenau
Manfred Bockelmann studierte von 1962 bis 1966 in Graz Fresko, Fotografie und Grafik. Ab 1966 arbeitete er auf dem Gebiet der Fotografie und der Gebrauchsgrafik. Es folgten dann Reisen nach Madrid, Istanbul, Tunis und London. Seit Anfang der 1970er-Jahre trat er mit zunehmenden Erfolg als Maler und Fotograf durch Ausstellungen und Buchveröffentlichungen in Erscheinung. Nach seinem Aufenthalt in Ostafrika 1974 bekam er dort die entscheidende Inspiration für seine “Malerei der Stille”. es handelt sich dabei um eine Synthese zwischen den fotografierten und gemalten Landschaften.
Besonders beeindruckend und berührend sind die in den letzten Jahren entstandenen Werke  “Zeichnen gegen das Vergessen” die im Leopoldmuseum und in Klagenfurt in der Stadtgalerie zu sehen waren.
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ALTER PFARRHOF SAAK
ASPEKTE
Malerei – Zeichnung – Skulptur – Fotografie
Eröffnung: Tage der offenen Tür:
Samstag, 20. Mai | Sonntag, 21. Mai 2017  | 11 – 17 Uhr
Irene Andessner – Xenia Hausner
Gudrun Kampl – Kiki Kogelnik
Und andere Künstler und Künstlerinnen
Alter Pfarrhof, Saak 49, 9611 Nötsch im Gailtal
https://www.galerie-walker.at/

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Irene Andessner
Madonna del Arte (c)Irene Andessner
Der liebevoll von der Familie Walker restaurierte kleine Pfarrhof aus dem Jahre 1757 in Saak bei Nötsch wird 2017 für die Präsentation zeitgenössischer österreichischer Kunst geöffnet und kann zu den Tagen der offenen Türe (20. und 21. Mai, 11 – 17 Uhr) sowie jeden Donnerstagnachmittag bis Ende September besichtigt werden.

Im Zentrum von der ersten Ausstellung mit dem Titel „Aspekte“ steht vor allem das Wirken von Künstlerinnen, deren Arbeiten eine große Vielfalt von künstlerischen und thematischen Fragestellungen beinhalten. Es geht dabei immer wieder um weibliche Identität, wie bei Irene Andessner (*1954), die gerne Rollen berühmter Künstlerinnen erarbeitet und sich im Werk „Madonna del Arte“ in eine Madonnenfigur („Virgen del Arte“, Madonnen in Malaga) verwandelt.
Auch Xenia Hausners (*1951) handbearbeitete Pigmentdrucke zeigen immer wieder Mädchen- und Frauengesichter, die, oft ausschnitthaft, fein und präzise gearbeitet sind und mit unterschiedlichen Dingen des Alltags oder Naturelementen in eine oftmals hintergründige Verbindung gebracht werden.

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Gudrun Kampl Vase, 2010
Samtbild 140 x 100 cm (c) Galerie Walker
Auch Gudrun Kampl (*1964) ist im Pfarrhof mit verschiedenen Samtobjekten und Malerei vertreten. Neben der haptischen Sinnlichkeit des Materials entdeckt der Betrachter in ihren handgearbeiteten Objekten immer wieder Anspielungen auf die großen Themen der Menschheit wie Liebe, Erotik, Krieg und Tod.
In der Reihe der bedeutenden österreichischen Künstlerinnen darf hier die vielseitige Künstlerin Kiki Kogelnik (1935 – 1997) nicht fehlen; von ihr werden verschiedene Arbeiten gezeigt. Kogelnik bearbeitete feministische Themen mit viel Witz und Humor und entwarf in den 1970er Jahren ein Frauenbild, in dem weibliche Klischees immer wieder demontiert werden.
Neben den genannten Künstlerinnen und Künstlern sind im alten Pfarrhof noch weitere, verschiedene Positionen zu sehen.
Das diesjährige Thema des Nötscher Museums ist den „Künstlerinnen um den Nötscher Kreis“ gewidmet und ermöglicht ergänzend mit der Ausstellung im kleinen Pfarrhof eine inspirierende Zusammenschau von bedeutenden Frauen in der zeitgenössischen Kunst.
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Eröffnung Kleiner Pfarrhof Saak
Saak/Nötsch im Gailtal (c)Galerie Walker
http://www.galerie-walker.at/

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ulisiggmovie

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Cinema Paris, Berlin
The Chinese Lives of Uli Sigg
Filmpremiere
30. April 2017 | 12 Uhr
Regisseur: Michael Schindhelm
Produzent: Marcel Hoehn
Kamera: Filip Zumbrunn
Musik komponiert von: Peter Bräker, Mengbo Feng
Kurfürstendamm 211, D- 10719 Berlin
 
 
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The Chinese Lives of Uli Sigg in Berlin.
Am 30. April feiert der Dokumentarfilm The Chinese Lives of Uli Sigg seine Deutschlandpremiere im Cinema Paris, Berlin.
Die Filmvorstellung findet in Anwesenheit von Michael Schindhelm, Uli Sigg und Ai Weiwei statt.
 
https://www.youtube.com/watch?v=9lAodjq-igc
Zum Film
Der Schweizer Uli Sigg spielte in der Zeit der wirtschaftlichen Öffnung Chinas nach Mao eine wesentliche Rolle, die er bis heute innehat. Um China besser zu verstehen, wendet sich der 1980 als Unternehmer und Wirtschaftsexperte ins Land gerufene Sigg der Kunst zu und trägt über Jahre hinweg die bedeutendste Sammlung chinesischer Gegenwartskunst zusammen. Zeitgenössische Künstler wie Ai Weiwei, Zeng Fanzhi, Cao Fei, Fang Lijun oder Wang Guangyi betrachten ihn als Freund und Mentor, dem sie ihre Werke anvertrauen konnten, um sie vor der willkürlichen Zerstörung durch die Autoritäten zu schützen. Den grössten Teil der Sammlung übergibt Sigg nun dem Museum M+ in Hongkong, das voraussichtlich 2019 eröffnet und die Werke dem breiten Publikum präsentieren wird.
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