But Why? Terence Davies Großbritannien, Österreich 2021
ShortsViennale-Trailer 2021
But Why?Terence Davies, Großbritannien, Österreich 2021, 1min
Ein jüngerer Mann geht die Treppe hinauf. Auf dem Absatz innehaltend blickt er zum Fenster; Davies’ Stimme, die mit Emphase den Geschmack der Kindheit wachruft, die Liebe der Mutter, die Arbeit ihrer Hände, einen möglichen einstigen Traum – doch in den altmodisch gemütlich eingerichteten Räumen, die wir sehen, regt sich nichts (mehr). Lebendiges, „buried under memory’s thick silk“. Eben noch da gewesen, schon vorüber. BUT WHY? zieht einen kleinen Kreis um die widerspenstige Frage nach dem Sinn, bannt sie in wenige Begriffe – Erinnerung, Vergangenheit, Wärme, Liebe, Verlust, Vergessen – und lässt sie stehen. Ein älterer Mann geht die Treppe hinunter. (Alexandra Seitz)
Das Festival wird am Donnerstag, 21. Oktober mit dem französischen Film L’ ÉVÉNEMENT (DAS EREIGNIS) von Audrey Diwan eröffnet.
Er war eine der großen Überraschungen beim Filmfestival von Venedig und ein hoch verdienter Gewinner des Goldenen Löwen. Ein Film mit starker ästhetischer Wirkung, der auch formal intelligent und raffiniert ist und der außerdem eine wichtige Position zum Thema Entscheidungsfreiheit vertritt, sowohl in Bezug auf den eigenen Körper als auch auf die Art und Weise, wie man sein Leben lebt. Ein Film, der auf subtile Weise den Moralismus angreift, ein Film über die Freiheit; mit einem außergewöhnlichen Ensemble bestehend aus Schauspieler*innen aus verschiedenen Generationen, die selbst eine Hommage an das Autor*innenenkino sind.
Die Regisseurin Audrey Diwan wird bei der Eröffnungsgala anwesend sein.L‘ ÉVÉNEMENT wird am Eröffnungsabend
in allen fünf Viennale-Kinos zu sehen sein.
Im Rahmen der traditionellen Abschlussgala des Festivals, die am 31. Oktober stattfindet,
wird der Film VERDENS VERSTE MENNESKE (THE WORST PERSON IN THE WORLD)
von Joachim Trier gezeigt.
Nur wenigen Filmen gelingt es, filmische Anmut mit erfrischendem Humor zu verbinden. VERDENS VERSTE MENNESKE schafft dies durch eine wirklich außergewöhnliche Hauptfigur, die von Renate Reinsve großartig gespielt wird. Ein Film in ständiger Veränderung, eine Reise durch menschliche Gefühle, Leidenschaft, Zweifel und die Überraschungen, die das Leben bereithält. Subtil, tiefgründig, berührend, aber auch lustig, einer der großen Filme des Jahres.Die Abschlussgala wird in Anwesenheit der Haupdarstellerin Renate Reinsve stattfinden.
Land Of Dreams | Shirin Neshat, Shoja AzariUSA, Deutschland, Katar 2021, 113min efarsiOmeU
VIENNALE 2021
LAND OF DREAMS
MATT DILLON IST GAST DER VIENNALE 2021
Gemeinsam mit Regisseurin Shirin Neshat präsentiert er den Film LAND OF DREAMS in Wien
Vorführungen des Films Mittwoch, 27. Oktober 2021 | 17:30 Uhr
Donnerstag, 28. Oktober 2021 | 14:30 Uhr
Gartenbaukino efarsiOmeU
Land Of Dreams | Shirin Neshat, Shoja AzariUSA, Deutschland, Katar 2021, 113min efarsiOmeU
#BiennaleCinema2021 Land of Dreams – Official International Trailer Venice Film Festival
MATT DILLON IST GAST DER VIENNALE 2021
Gemeinsam mit Regisseurin Shirin Neshat präsentiert er den Film LAND OF DREAMS in Wien
Die Viennale freut sich bekanntzugeben, dass der amerikanische Schauspieler und Regisseur Matt Dillon als Ehrengast zum Festival nach Wien kommen wird.
Der in den 1980er Jahren in Filmen wie RUMBLE FISH und THE OUTSIDERS (beide von Francis Ford Coppola) als Teen-Idol bekannt gewordene Dillon führte seine frühen Erfolge später im Independent-Film mühelos weiter, beeindruckende schauspielerische Leistungen wie in DRUGSTORE COWBOY (von Gus van Sant) oder TO DIE FOR (an der Seite von Nicole Kidman) brachten ihm Lobeshymnen von Kritikern wie der Journalisten-Legende Roger Ebert ein, der ihn neben Sean Penn für den besten Schauspieler seiner Generation hielt. Jüngst spielte Dillon eine Hauptrolle im auch bei der Viennale 2018 gezeigten Film THE HOUSE THAT JACK BUILT von Lars von Trier.
Der große Musikfreund, der mit seiner eigenen dokumentarischen Regie-Arbeit EL GRAN FELLOVE von 2020 eine wunderbare Liebeserklärung an die kubanische Musik ablieferte, kommt erstmals zur Viennale, um gemeinsam mit Regisseurin Shirin Neshat ihren neuen Film LAND OF DREAMS zu präsentieren. In dieser in der Zukunft angesiedelten Polit-Satire spielt Matt Dillon den Leibwächter Alan, der die Vertreterin einer alles kontrollierenden Regierungsbehörde begleitet.
„Er ist selbst ein außergewöhnlicher Filmregisseur und Schauspieler, der es geschafft hat, sich im Laufe seiner jahrzehntelangen Karriere immer wieder neu zu erfinden“, so Viennale Direktorin Eva Sangiorgi, „indem er auch anspruchsvolle Rollen – von der Komödie bis zum Genre – mit herausragenden Regisseuren wählte. Seine stete Neugier und seine Offenheit als Mensch machten dies möglich, und das ist etwas, das ich besonders an Matt Dillon schätze.“
VIELE GROSSARTIGE GÄSTE BEI DER VIENNALE 2021
Neben Matt Dillon und Shirin Neshat finden in diesem Jahr äußerst viele attraktive Filmgäste den Weg nach Wien. Mia Hansen-Løve, Andrea Arnold, Miguel Gomes und Maureen Fazendeiro, Avi Mograbi, Bruno Dumont, Azazel Jacobs, Nadav Lapid, Maria Speth, Audrey Diwan, Mathieu Amalric (im Bild), Ed Lachman, Jeremy Thomas und Abel Ferrara sind nur einige wenige große Namen in der Filmszene, die ihre Werke in den hiesigen Kinos präsentieren werden.
Wir haben bei der diesjährigen Viennale mit rund 150 dieselbe Zahl an Gästen wie 2019, als das Festival drei Tage länger dauerte. Bei durchschnittlich 15 Vorstellungen pro Tag werden Gäste vor Ort sein, um über ihre Werke zu sprechen.
VIENNALE BAR
Nach coronabedingter Pause kann die Viennale in diesem Jahr wieder einen Ort als Treffpunkt anbieten, um sich vor dem Kino zu verabreden oder nach der Vorstellung auszutauschen. In der Viennale Bar wird es täglich ab 16 Uhr möglich sein, in gemütlicher Atmosphäre über das Festival und Filmprogramm zu plaudern. Nach Diskussionen und Gesprächen mit Festivalgästen am Nachmittag wird am Abend ein Musikprogramm mit DJs und Filmemacher*innen an den Plattenspielern geboten. An ausgewählten Terminen kann im darunter liegenden Club bis in die späten Stunden gefeiert und getanzt werden (unter Einhaltung der 2G-Regel).So diskutieren die Festivaldirektor*innen der Berlinale sowie der Festivals von Locarno, San Sebastián und Cannes (Quinzaine des réalisateurs) mit Eva Sangiorgi über die Bedeutung und Zukunft des Formates Filmfestival, an anderen Abenden legen u.a. Lars Eidinger (im Bild), Coco Maria oder Joyze Muniz in der Bar oder im Club Platten auf.
Urban Görtschacher, Susannenlegende, um 1520 Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien
In der Übergangszeit von der Spätgotik zur Renaissance waren in Österreich bedeutende Künstler wie Albrecht Dürer, Lucas Cranach d. Ä., Albrecht Altdorfer oder Jacopo de’ Barbari tätig. Ihre Werke zeugen vielfach von einem neuen künstlerischen Selbstverständnis und nehmen damit den Weg in die Moderne vorweg. Das Belvedere widmet diesem bislang wenig beleuchteten Kapitel österreichischer Kunstgeschichte nun eine umfassende Ausstellung.
Die Wende zum 16. Jahrhundert und die folgenden Jahrzehnte waren geprägt von gesellschaftlichen und kulturellen Umbrüchen, die sich auch in der Kunst jener Zeit widerspiegeln. Deutlich waren noch Reminiszenzen der ausklingenden Gotik spürbar, als die Errungenschaften der italienischen Renaissancekunst auf dem Gebiet des heutigen Österreich Einzug hielten. In dieser Zeit des Wandels wurden Kunstwerke zunehmend von Funktionen befreit, die ihnen im Mittelalter zugedacht waren – etwa die Bewahrung eines Andenkens, die Belehrung der Gläubigen oder die Förderung der Andachtsübung. Die ästhetische Wirkung der Objekte begann in den Vordergrund zu treten, und ihre Schöpfer etablierten sich mehr und mehr als Künstler in einem modernen Sinne. So entstanden auch auf dem Gebiet des heutigen Österreich mathematische Perspektivkonstruktionen, minutiöse Naturschilderungen und psychologisierende Porträts.
Urban Görtschacher, Ecce Homo, 1508 Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien
In der Ausstellung wird diese Kunstproduktion nun erstmals fokussiert in den Blick genommen. Neben teilweise aufwändig restaurierten Werken aus dem eigenen Bestand werden zahlreiche Leihgaben aus nationalen und internationalen Sammlungen präsentiert.
Meister I. P., Sündenfall, 1521 Foto: Johannes Stoll / Belvedere, Wien
Zu sehen sind dabei u. a. Werke von Lucas Cranach d. Ä., Albrecht Altdorfer, Wolf(gang) Huber oder Jacopo de’ Barbari. Darüber hinaus werden Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Druckgrafiken und Medaillen von weniger bekannten Meistern gezeigt, die das hohe Niveau der Produktion in den österreichischen Werkstätten jener Zeit erfahrbar machen.
KAMPF-L.O.L.I.T.A. (EVOLUTION IST CHEF) oder L.O.L.I.T.A. D.Z.I.O. (ZARDOZ
FLIEGT WIEDER!) Universums-Uraufführungoder L.O.L.I.T.A DE LARGE (Das 3. Baby)
oder DIE BARBARENLOLITAS (Kampf um Kunst) oder DR. ERZLOLITA DE L.O.L.I.T.A
(ZARDOZ LEBT) oder DIE ZARDOZLOLITAS (Keine Angst)
JONATHAN MEESE – works and poses during first premiere performance of his theatre play “LOLITA (R)evolution (Rufschädigenst) – Ihr Alle seid die Lolita Eurer Selbst” at the Schauspiel Dortmund theatre on Feb. 15, 2020 in Dortmund, Germany.
WIEN-PREMIERE
Donnerstag, 04. November 2021 | 19:30 Uhr /3 Std
Besetzung: mit Maximilian Brauer – Uwe Schmieder – Bernhard Schütz –
JONATHAN MEESE – German artist, works and poses during first premiere performance of his theatre play “LOLITA (R)evolution (Rufschädigenst) – Ihr Alle seid die Lolita Eurer Selbst” at the Schauspiel Dortmund theatre Germany. 15. Feb. 2020
Jonathan Meese zeigt sein neues Theaterprojekt in Wien. Es wurde 2020 für das Schauspiel Dortmund entwickelt und konnte in den Zeiten von Corona nur ein einziges Mal aufgeführt werden. Für das Volkstheater wird die Produktion des bildenden Künstlers und Performers überarbeitet und in kleiner, exklusiver Serie aufgeführt. Basierend auf dem gleichnamigen und umstrittenen wie weltberühmten Roman des russischen Autors Vladimir Nabokov, stellt Meese den Mythos Lolita ins Zentrum seiner Kunst und überführt die Romanvorlage in seinen eigenen mythologischen Kosmos: Lolita als die einzige Alternative zu allem, Lolita als Utopie und als Idealbild der Frau, die perfekte Verkörperung einer zu errichtenden neuen Ordnung. Lolita wird angestarrt und rückhaltlos bewundert und verehrt. Sie löst bei Betrachter*innen die Revolution aus. „Lo-li-ta: Die Zungenspitze unternimmt eine Reise von drei Schritten den Gaumen herunter, um beim dritten an die Zähne zu stoßen …“ (Nabokov)
Lo. Li. Ta. Das ist das ideale, bloße Bild einer Sache, die reine Waffe, die kein Mensch mehr ist, sondern ein Zustand, wie – für Meese – Marquis de Sade, Oscar Wilde, Scarlett Johansson, Adolf Hitler oder auch die Kaiserin Sissi. Alle Darstellerinnen sind alle Figuren des Romans gleichzeitig: Jeder ist eine Lolita oder eine Dolly oder eine Dolores oder einfach nur eine Lo. Natürlich sind sie auch Lolitas Mutter, Dolores Haze oder Hauptprotagonist Humbert Humbert sowie sein Konkurrent Clare Quilty, als auch Zardoz, Captain Spock, Robespierre und SS Obersturmbandführer Tanz … Ohne feste Absprachen oder Spielanleitungen entsteht an jedem Abend – mit Gästen wie Lilith Stangenberg, Bernhard Schütz, Maximilian Brauer und natürlich Jonathan Meese selbst auf der Bühne – eine neue Erzählung. Die so entstehenden Bilderwelten verbinden sich mit Wörtern oder kurzen Texten zu einem dichten Netz von Informationen und verleihen diesen speziellen Abenden emblematischen Charakter. Es gilt das Prinzip der Sporttasche: Pack ein, was du zum Spielen brauchst!
Jonathan Meese führt durch die Ausstellung “Die Dr. Mabusenlolita (Zwischen Abstraktion und Wahn)”
Image: Schauspiel Dortmund theatre Germany
JONATHAN MEESE – German artist JONATHAN MEESE works and poses during first premiere performance of his theatre play “LOLITA (R)evolution (Rufschädigenst) ~ Ihr Alle seid die Lolita Eurer Selbst” at the Schauspiel Dortmund theatre on Feb. 15, 2020 in Dortmund, Germany. Jonathan Meese performs as actor, director, stage and costume designer a theatre series. Further performances take place on 21.3., 3.4., 25.4. and 16.5.2020. Meese performs with actors Maximilian Brauer, Uwe Schmieder, Bernhard Schütz, Lilith Stangenberg and Anke Zillich.
JONATHAN MEESE – works and poses during first premiere performance of his theatre play “LOLITA (R)evolution (Rufschädigenst) ~ Ihr Alle seid die Lolita Eurer Selbst” at the Schauspiel Dortmund theatre on Feb. 15, 2020 in Dortmund, Germany.
“Finite Rants” is an online project curated by Luigi Alberto Cippini and Niccolò Gravina, a series of visual essays commissioned by Fondazione Prada to filmmakers, artists, intellectuals and scholars.
The list of authors includes German director and writer Alexander Kluge, Japanese photographer Satoshi Fujiwara, French director Bertrand Bonello, American director and actor Brady Corbet, Swiss economist Christian Marazzi, Argentinian director Eduardo Williams, French directors Caroline Poggi and Jonathan Vinel, REMEMBER, writer and cultural critic Shumon Basar, photographer Alessia Gunawan, AI researcher and professor Kate Crawford and architect Elizabeth Diller.
As stated by avant-garde director Hans Richter in 1940, the film or video essay is a form of expression capable of creating “images for mental notions” and of portraying concepts. Starting from Richter’s ideas, some later theorists identify specific traits in the video essay, such as creative freedom, complexity, reflexivity, the crossing of film genres and the transgression of linguistic conventions. “Finite Rants” aims to test the versatility of the visual essay in expressing thought images and demonstrate its relevance in contemporary visual production.
The aesthetic and theoretical roots of “Finite Rants” can be traced back to the experimental work La Jetée (1962) by French author Chris Marker. Defined by its creator as “photo-roman”, La Jetée is described by its voice-over as “the story of a man obsessed with an image of his childhood”. Set in a fictional Paris almost destroyed by a future nuclear holocaust, this dystopian, intimate and theoretical film expresses its distance from later narrative experimentations. The film thus integrates science fiction and obscure psychological introspection into a hybrid form, eliminating every concept of space and time, and freeing itself from a form generally considered definite. The authors of “Finite Rants” are therefore invited to confront themselves with a radical model of cinematic experimentation such as La Jetée, a fragmentary and dispersive story, consisting of a single short film sequence and a succession of static frames, which questions the very idea of cinema, understood as a set of moving images.
Following a process of creative collaboration between the authors and Fondazione Prada, the visual contributions featured in “Finite Rants” analyze social, political and cultural issues that have emerged in our present time and are normally addressed by the media with a documentary approach. Through the creation, editing and post-production of raw, heterogeneous and diverse images and visual materials, the authors are able to express personal visions and poetics that involve the viewer in an active and reflective role.
Willem van Aelst, Nazgol Ansarinia, Joannis Avramidis, Stefano della Bella, Johann Bitterlich, Christoph Wilhelm Bock, Pieter Boel, Hieronymus Bosch, Simnikiwe Buhlungu, Domenico Campagnola, Ali Cherri, Daniel Chodowiecki, Pieter Codde, Jacques Courtois, Jean-Baptiste Decável, Discursive Justice Ensemble (Kabelo Malatsie, Michelle Wong, Lantian Xie), Nico Dockx, Albrecht Dürer, Julie Edel Hardenberg, Thomas Ender, Denise Ferreira da Silva, Jan Fyt, Bonaventura Genelli, Giovanni di Paolo di Grazia, Rajyashri Goody, Joseph Grigely, Artur Grottger, Franz Xaver Gruber, Nilbar Güreş, Johann Gottfried Haid, Abhishek Hazra, Josef Heideloff, Jan van der Heyden, Melchior d’ Hondecoeter, Jan van Huysum, Sanja Iveković, Franz Jäger d. J., Kiluanji Kia Henda, Hein Koh, Lakshmana Rao Kotturu, Pieter van Laer, Farideh Lashai, Maria Lassnig, Christine Leins, Melchior Lorch, Nicola Malinconico, Lavanya Mani, Arun Vijai Mathavan, Maria Sibylla Merian, Jan Miel, Josef Mikl, Jota Mombaça, Monogrammist A. C., Monogrammist L. F., Huma Mulji, Adriaen van Ostade, Ryan Presley, Raqs Media Collective (Jeebesh Bagchi, Monica Narula, Shuddhabrata Sengupta), Rembrandt Harmensz. van Rijn, Rachel Ruysch, Jean le Saive (Jean de Namur), Egon Schiele, Jacques van Schuppen, Ayesha Singh, Dayanita Singh, Nicole Six und Paul Petritsch, Pieter Snayers, Pieter Claesz. Soutman, Künstlerinnen-Duo SPLICE (Rohini Devasher und Pallavi Paul), Theodor Stundl, Pierre Subleyras, Fiona Tan, Pietro Tenerani, David Teniers d. J., Franz Thaler, Tizian (Tiziano Vecellio), Paul Troger, Jaret Vadera, Alice Wanke, Jan Weenix, Philips Wouwerman, Congcong Zhang sowie Abgüsse nach Michelangelo Buonarroti, Phidias, Praxiteles, Bertel Thorvaldsen u. a.
Die Akademie der bildenden Künste Wien ist nach umfassender Sanierung und Modernisierung im Sommer dieses Jahres in ihr historisches Gebäude am Schillerplatz zurückgekehrt. Aus diesem Anlass wurde das international tätige Künstler_innen- und Kurator_innen-Trio Raqs Media Collective (Jeebesh Bagchi, Monica Narula, Shuddhabrata Sengupta) aus Neu-Delhi eingeladen, die historischen Kunstsammlungen der Akademie – Gemäldegalerie, Kupferstichkabinett und Glyptothek – aus einer externen Perspektive zu befragen und ihre thematischen Neuausrichtungen durch den Dialog mit zeitgenössischer Kunst zu begleiten. Basierend auf der Expertise des Hauses eröffnet die Ausstellung Hungry for Time unter Einbeziehung des aktuellen Dekolonialismus-Diskurses in der Kunst und den Kulturwissenschaften die Möglichkeit der Neubetrachtung der drei Sammlungen.
Im historischen Ambiente der Gemäldegalerie und der zentralen Aula des Hauses inszeniert Raqs Media Collective eine Schau, die sich dem Thema Zeit aus der Perspektive von Hunger und Begehren annähert – dem titelgebenden Hunger nach Zeit. In elf Szenen soll der „Zeithunger“ näher umrissen werden. Werke aus allen Kunstsammlungen treten in diesen Szenen in einen Dialog mit zeitgenössischer Kunst, darunter eigens für die Ausstellung beauftragte Arbeiten.
Den Kern jeder Szene bildet jeweils ein Werk aus den historischen Beständen, wie das Weltgerichts-Triptychon von Hieronymus Bosch oder Grafik von Thomas Ender. Einige Stationen bespielt Raqs Media Collective mit Unterstützung von Gesprächspartner_innen wie dem Discursive Justice Ensemble oder dem Künstler_innen-Duo Rohini Devasher und Pallavi Paul. Jeder Szenenkern zieht wie ein Magnet weitere Werke an – historische ebenso wie zeitgenössische. Die dadurch erzählten Geschichten handeln von gebrochenen Gliedmaßen und deformierter Gerechtigkeit, von erblühenden Entwürfen zu Raum und Zeit, vom anmaßenden Versuch, der Sterblichkeit zu entrinnen, und von Sichtweisen darauf, wie Gesichter, Landschaften und Blicke eine Sammlung beinahe geisterhaft prägen. Der Weg durch die Szenen lädt die Besucher_innen dazu ein, sich auf die Frage einzulassen, wie wir „epistemischen Ungehorsam“ (Walter D. Mignolo) aufbringen können.
Im Zusammenspiel von Beleuchtung, akustischem Ambiente, Gegenüberstellungen, Überlagerungen, erklärenden Texten und Randnotizen kommt es zu Brüchen in der Linearität, Kontinuität und Chronologie, wodurch sich von Station zu Station neue Einblicke in die Kunstsammlungen ergeben.
Rebecca Horn zählt zu den außergewöhnlichsten und vielseitigsten Künstlerinnen ihrer Generation. Das Bank Austria Kunstforum Wien widmet ihr die erste umfassende Werkschau seit knapp 30 Jahren in Österreich. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf der medialen Verflechtung der unterschiedlichsten Genres im Werk Rebecca Horns und soll einen weitreichenden Einblick in ihre künstlerische Praxis geben.
Bekannt wurde Horn 1972 als jüngste Teilnehmerin der epochemachenden documenta 5 unter dem Titel „Individuelle Mythologien“ – kuratiert von Harald Szeemann. Sie war eine der wenigen Künstlerinnen – neben Hanne Darboven, Eva Hesse, Agnes Martin und Katherina Sieverding – die mit Arbeiten in Kassel vertreten waren.
Mit ihren frühen Körperinstrumenten und Performances, über ihre Spielfilme und kinetischen Skulpturen, bis hin zu ortsspezifischen Installationen, aber auch mit ihren intimen Zeichnungen und Gedichten ist Horns Œuvre mehr als facettenreich. In ihrer mittlerweile fünfzig Jahre andauernden Praxis hat die Künstlerin einen ihr eigenen, symbolisch aufgeladenen Kosmos geschaffen, in dem Realität und Fiktion ineinander übergehen und Dualismen wie Materie/Geist, Subjekt/Objekt, oder weiblich/männlich überschritten werden. Ihr Arbeiten ist ein wachsendes Geflecht aus Objekten, Motiven und Themen, die von der Künstlerin immer wieder neu aufgegriffen werden. Sie knüpft dabei zahlreiche Beziehungen zu Kunst-, Literatur- und Filmtraditionen – ebenso wie zur Mythologie und Märchenwelt.
Im Zentrum ihrer frühen Arbeiten stand die Auseinandersetzung mit den Grenzen des Körpers und dessen sinnlicher Wahrnehmung. In den Performances wurden bestimmte Bewegungsabläufe isoliert und mit äußerster Präzision ausgeführt. Mit ihren Körperapparaten choreografierte Horn Prozesse des Ver- und Enthüllens, Gefangennehmens und Befreiens – etwa in Form eines sich langsam spreizenden Federkleides wie in „Paradieswitwe“ (1975). Ende der 1970er-Jahre erweitert Horn ihre Beschäftigung mit den filmischen Möglichkeiten, nachdem sie bereits ihre frühen Aktionen in diesem Medium dokumentiert hat, entstehen nun in Folge drei Spielfilme unter ihrer Regie.
Die Künstlerin kommentierte diese Entwicklung folgendermaßen: „Die aufgeladenen Emotionen der Schauspieler verwandeln sich später in einsam agierende Skulpturen, die ihren Dialog in Räumen fortsetzen“. Losgelöst vom Film begannen die Objekte nun ihre eigene Geschichte zu erzählen.
Ab 1982 entstanden zahlreiche kinetische Objekte, die obwohl unabhängige Arbeiten, auf den Kosmos Film bezogen bleiben. Rauminstallationen und diese Objekte bilden in den folgenden Jahren Horns primäre künstlerische Ausdrucksform und prägen ihr Werk bis heute. Besonders Emotionen – die Bewegungen des Gemüts von Freude bis Angst, Lust und Schmerz – werden mit feinmechanischer Präzision inszeniert.
Seit 1986 spielen Horns Malmaschinen eine wesentliche Rolle in dem transformativen Prozess, der ihr Werk kennzeichnet. Ihre Arbeiten stehen immer im Bezug zu ihrem Gesamtwerk, sie schafft ein ständig wachsendes Netz an Assoziationen, in dem sie des Öfteren frühe Performances und bestehende Objekte überarbeitet oder wieder aufgreift. Seit den 1990er-Jahren entstehen vermehrt großformatige Installationen und Arbeiten in situ im öffentlichen Raum. Eine völlig neue Werkgruppe entsteht ab 2017, die für sich alleine steht und keine Rückgriffe auf das frühere Werk beinhaltet – „Die Hauchkörper“: Dünne Messingstangen mit Spitzen an den Enden, die sich wie durch einen leichten Windhauch hin und her wiegen.
Die Ausstellung „Rebecca Horn“ möchte einen umfassenden Einblick in das Werk dieser Ausnahme-Künstlerin vermitteln. Die Multimedialität und die das Werk durchziehenden Querverbindungen Horns sind ein wesentliches Augenmerk dieser Werkschau, so sollen sowohl die anfangs eher dokumentarisch angelegten Filme zu den Performances und Aktionen gemeinsam mit den später entstandenen Spielfilmen, Skulpturen und Installationen gezeigt werden. Auch das grafische Werk der Künstlerin wird präsentiert.
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