Schwarzkolger_Nachbestattung

Meinbezirk.at
Zentralfriedhof: Tor 1 – Alter Teil – Liesing

Perinetkeller – IODE / Wiener Zentralfriedhof

Schwarzkolger-Aktion am Zentralfriedhof

Nachbestattung für den Mutigsten

Samstag, 3. Juli 2021 | 14 Uhr

Treffpunkt: Tor 1, Simmeringer Hauptstrasse 230B

(Strassenbahnlinien 73, 6)

Eine Nachbestattung für den Mutigsten

Rudolf Schwarzkogler als Modell, 1962.
Fotograf: Wilfried Klanjsek-Bratke.
Foto: © mumok — Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien

Schwarzkolger-Aktion am Zentralfriedhof:

Rudolf Schwarzkogler *1940-1969

Nachbestattung für den Mutigsten

Vor einem halbem Jahrzehnt wurde der Perinetkeller, das in den 1960er-Jahren für Aufsehen sorgende freie Atelier der Wiener Aktionisten, der Subkultur der Hauptstadt zurückerstattet. Rasch bildete sich eine aus Künstlerinnen und Kulturvermittelnden bestehende NutzerInnengruppe, die unter dem Titel «Institut ohne direkte Eigenschaften» (IODE) Ende Juni 2016 ein abenteuerliches Erbe antrat. Eine spontane Spende von weissen Klappsesseln durch das Filmarchiv Austria ermöglichte eine ansatzlose Revitalisierung des Kellers. Die Triumphe, die die Hauptprotagonisten Muehl, Brus und Nitsch in der Welt des Kunstmarkts feierten, erübrigten alle Versuchungen, auch dem Keller museale Funktionen zu übertragen.

IODE konnte sich auf die Präsentation politisch intervenierender, junger und marktferner Kunst konzentrieren oder eigene Produktionen, in den buntesten Genres, realisieren (Beispiele: das Lesetheaterensemble «Fast ein Theater» oder den «BRUS DAY», ein Aktionstag der Kunst im öffentlichen Raum). Seinen 5. Geburtstag widmet das IODE Rudolf Schwarzkogler (1940-69), dem einzigen aus dem Aktionistenquartett, der in Vergessenheit zu geraten droht. Im vergangenen November wäre Schwarzkogler 80 Jahre alt geworden, wäre er nicht schon im Alter von 28 Jahren infolge eines Sturzes aus dem Küchenfenster verstorben. Durch eine Fehlinterpretation von Fotos einer Performance entstand 1972 die Legende, sein Tod wäre durch eine radikal selbstzertörerische künstlerische Aktion verursacht worden.

Abb. IODE-Memorialbild, nach einem Foto von Ludwig Hoffenreich 1965

Aus Anlass des Perinetkeller-Jubiläums gestaltet der Schriftsteller und Grabforscher Wolfgang Koch (Hollitzer Verlag) in Kooperation mit IODE eine Erinnerungsführung am Wiener Zentralfriedhof. Der Künstler ist nicht in einem Ehrengrab oder in einem ehrenhalber gewidmeten Grab der Stadt Wien, sondern in der privaten Grabstätte Nr. 76, Gruppe 10, bestattet worden. Die Belegdauer ist seit Jahren erloschen, der Grabstein wurde entsorgt. Nichts in der eingeebneten Begräbnisstätte erinnert daran, welcher Persönlichkeit Überreste hier gebettet sind.

In der Begehung am Samstag, 3.Juli, wird Koch zusammen mit TeilnehmerInnen nachholen, was das Kulturamt versäumt hat. Auf der 10-Minuten-Strecke vom Tor 1 zum eingeebneten Grab soll ein analoges Navigationsystem entstehen, das temporär die Orientierung für den Tausch von Schwermut erleichtert. Mit der Erkundung des Nichtortes gewinnen wir für den Moment des IODE-Jubiläums die Unverbindlichkeit des Nichtdaseins als Reichtum zurück.

Wolfgang Koch

Publizist * Historiker *

Austrian GuideVerein für historische Forschung,

Blog http://blogs.taz.de/wienblog

Wiki de.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_KochWiener Zentralfriedhof

IODE – Perinetkeller

Friederike Mayröcker, 1924 bis 202

12. Juli @ 10:30 – 12:30

BRUS DAY 21 – Tag der Kunst im öffentlichen Raum.

6. Juli 2021

Joe Berger im Club 29. Juli 2021 @ 19:30 – 21:30

Zu gut für diese miserablen Filme – Joe Berger-Filmmatinee im Perinetkeller

11. Juli 2021 @ 11 – 14 Uhr

https://perinetkeller.at/2021/06/23/juli-2021-im-keller/

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SPARK ART FAIR VIENNA

MARX HALLE

BESUCHER*INNEN

VERNISSAGE: Do. 24.Juni 2021 | 17 – 20 Uhr

Messetage 25.–27. Juni 2021

Öffnungszeiten 11–19 Uhr

Karl­ Farkas­ Gasse 19, 1030 Wien

University of Applied Arts Vienna

MARTINA MENEGON

When you are close to me I shiver 2020 live simulation various © Martina Menegon

“when you are close to me I shiver” is an algorithmically controlled live simulation, a real-time generated virtual reality that takes place in a version of the future in which humans, out of desperation, gather in masses on the last remaining piece of land. Inspired by the walrus scene in the documentary “Our Planet” narrated by David Attenborough and produced by Silverback Films, the project proposes an intense scenario encompassing our environmental and personal crises. It reflects on how we identify and connect ourselves in different realities while addressing the human condition in a world in ecological and therefore social crisis. On the tablets, virtual cameras scan the environment from various point of views, like surveillance drones. On the main screen, a similar camera randomly targets and focuses on different situations while a familiar voice-over narrates the tragic story. The grotesque low-poly clones of the artist’s 3D scanned body (per)form the population of the island. Through these perceivable avatars, the artist creates a new identity that arises out of plurality, proprioceptively renegotiating the fragility of both the physical and the virtual self and its realities. The dystopian imagery of “when you are close to me I shiver” reveals a seemingly surreal scene that is all too real after all.

Martina Menegon

Georg Kargl Fine Arts

Jakob Lena Knebl

Jakob Lena Knebl (*1970, Baden, near Vienna) studied fashion at the University of Applied Arts Vienna with Raf Simons and textual sculpture at the Academy of Fine Arts Vienna with Heimo Zobernig. In her practice she combines the language of fashion with art historical argumentation. Her recent works deal with compositions of other artists and play with objects of contemporary European culture.

Georg Kargl Fine Art
http://www.georgkargl.com/en

EXIL VIENNA

Nschotschi Haslinger

Education 2003-2010 Hochschule für bildende Künste Braunschweig, class Prof. Walter Dahn Selected exhibitions 2020 Raupe. Performance with Shì-Kollectiv. Interspecies evening, Klosterruine, Berlin Among Them, Kirchgasse, Steckborn, CH Cherchez la femme II, Galerie Susanne Neuerburg, Hennef Museé sentimental de l’ours de Berlin, Bärenzwinger, Berlin 2019 Glazed and confused, Fonda, Leipzig Der geheime Dienst, Zerofold, Köln (solo) Sinkhole Projekt, Friedhof Pankow, Berlin Vertikalwinkel, Schaufenster, Berlin Die untere Welt, Overbeck-Gesellschaft in der St. Petrikirche, Lubek (solo) When the sick rule the world, Gr_und, Berlin. Curated by Christina Gigliotti. Hands of doom, Storage Capacité, Berlin 2018 Paradise Circus, Limbo, Berlin (solo) Carput, Hilbertraum, Berlin Das gestohlene Lied, Galerie Genscher, Hamburg (solo) mi chiedo se c’è un posto in questo mondo…, KM, Berlin Apropofola, Kunstverein Kjubh, Cologne (solo) 2017 Body Electric, Galerie Sandra Buergel, Berlin Lübeck sammelt I, Kunsthalle St. Annen, Lubeck 2016 Comedy Club 2, Berlin Project Space Festival, Berlin The Snorring Princess, Kunstgruppe, Cologne Sammlung Simonow, Kunsthalle Bozen, Bolanzo & Adler Düsseldorf, Dusseldorf 2015 Die Zitternde Kammer, Wienowski & Harbord, Berlin Kunstpreis junger Westen 2015, Kunsthalle Recklinghausen, Recklinghausen Shoes Moon, Galerie Genscher, Hamburg (solo) Die zitternde Kammer präsentiert: We Come as Friends, Sammlung Haus Harig, Hanover Eternal lines, Zerp Galerie, Rotterdam 2013 Ruhe-Störung, Streifzüge durch die Welt der Collage, Marta Herford, Herford Hamburger Bahnhof, Galerie Kai Erdmann, Hamburg

E X I L E

Dürst Britt & Mayhew NL

Jacqueline de Jong

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For the first edition of SPARK Art Fair Dürst Britt & Mayhew is proud to present a solo exhibition by Jacqueline de Jong, comprising of paintings from her series ‘Potato Blues’ and gold objects from the series ‘Pommes de Jong’.

Inspiration for both series is Jacqueline de Jong’s delight in the strange sprouted forms that a humble potato can take on. After their harvest they are left to dry for a long period of time, during which they produce sprouts, flowers, and bulges, before finally drying out completely. Only after this long natural process of transformation are they ready to be modified into precious objects or paintings. 

The lives of De Jong’s potato works start in the soil of her 16th century house in the Bourbonnais in France, where in 1996 she planted a vegetable garden. It was only in 2003 that she discovered some old potatoes in the cellar of her house. Their sprouts made her think of crazy horses or long cat’s hair and she felt that these potatoes could prove an interesting material to work with. Collector of artists’ jewellery Clo Fleiss asked her to create a piece, which led to the ‘Pommes de Jong’ series in 2008. For this series selected dried out potatoes are dipped into a bath of gold or platinum, which fixates them and preserves them for ‘eternity’ as a sort of ‘sculpture trouvée’. 

In August 2016, Jacqueline de Jong and onestar press in Paris published “La Psychogeographie des pommes de terre”: Potato Blues. This artist’s book compiles reproductions of black and white photographs of De Jong’s garden and potatoes in various stages of sprouting. For the publication the photographs were retouched by the artist with a black felt pen. Additionally De Jong enlarged and transferred selected photographs onto canvas and augmented these with oil sticks and nepheline gel. Suddenly animals, landscapes and monsters – part of the artist’s vocabulary since the early 1960s – seem to emerge upon the surface of the paintings. The titles of the works are funny, zany reinterpretations of the names of the different varieties of potatoes. 

We would like to thank onestar press in Paris and Eenwerk in Amsterdam for their kind cooperation and the Dutch Embassy in Austria for supporting this presentation.

fair

GALERIE KONZETT

FREDERICK STEINMANN

FREDERICK STEINMANN was born in Switzerland in 1953. At the age of seventeen, he enrolled in the School of Arts and Crafts in Vevey. Two years later, he left Switzerland for good and moved to Rome, where he studied at the Accademia delle Belle Arti from 1972 to 1978. At the end of 1978, he moved to Vienna, which he later left for one year to take in the euphoria of New York. In 1995, tired of the limitations imposed by geographical constraints, he returned to Switzerland, where he spent the following six months preparing his trip to Cairo, where he spent the following four years, his work imbued with Eastern mysticism. From Rome to New York and then on to Cairo, his travels have always taken him back to Vienna, where he has been living and working for the past five years. His exiles have had a strange influence on his work. He refines and plays with his materials, working the iron and wooden bases until they are smooth so that it becomes easier to apply the detailed, inevitable reality, which purports to be either cynical, greedy, sensual or simply animal-like, yet always with a poetic element. Frédérick Steinmann has gained the lucidity that comes from travelling.

Galerie Konzett

http://www.artkonzett.com/de/ausstellungen/aktuell/

Max Goelitz Vienna

Niko Abramidis &NE

Niko Abramidis &NE (*1987 in Europe, lives and works in Munich and Berlin, DE) opens up a diverse spectrum dealing with economic structures and visions of the future. Within his drawings, paintings, sculptures and room installations, Niko Abramidis &NEs develops parallel universes in which he creates fictitious corporate identities and appropriates forms of expression from financial economics. This also includes the play with words through signs, symbols and ciphers, via which he transfers his artistic ideas of myth and literary fiction. The artist develops a semiotics of archaic symbols paired with sketchy drawings, which he puts together using the latest technologies. Niko Abramidis &NE studied at the Academy of Fine Arts in Munich with Julian Rosefeldt and Markus Oehlen and at the Berlin University of the Arts with Byung-Chul Han. He is co-founder of the art space easy!upstream, which he artistically directed from 2015-2018. In 2018, he was awarded the prize ars viva for visual arts, which is awarded annually by the Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e.V. This was followed by group exhibitions in 2019 at the Kunstmuseum Bern and at KAI 10 | Arthena Foundation in Düsseldorf. He also received an artist-in-residency grant on Fogo Island, Canada.

max goelitz

Sabrina Amrani Gallery (Madrid, ES)

ALEXANDRA KARAKSHIAN

Alexandra Karakashian (b. 1988, Johannesburg) is a South African artist based in Cape Town, South Africa. Her work stems from her personal and family history and reflects on current issues of exile, migration and refugee-statues. Process and materiality is key to her practice. Employing used engine oil and salt as a medium for painting, she engages in ecological discussion, the threatening instability and subtle collapse; and the unethical seizing of rapidly dwindling natural resources, particularly on the resource-rich African continent. Furthermore she investigates notions of mourning – both of an individual and collective nature – and the lamentation of the loss of land and of those who have been ‘unhomed’. Her work is part of private and public collections including the Iziko South African National Gallery in South Africa, the Spier Collection in South Africa, the Darvesh Collection in the UAE, The Royal Portfolio Collection, in South Africa, and the Luciano Benetton Collection in Italy.

Alexandra Karakashian

Galerie Elisabeth & Klaus Thoman

Johannes Wohnseifer

Johannes Wohnseifer * 1967 in Cologne, currently lives and works in Cologne and Erftstadt and teaches as professor at the Academy of Media Arts in Cologne. His video works, photographs, sculptures and installations contain many references to design, art history and are as well denoted to an analysis of our everyday life, which has been shaped by mass media, in which the hierarchies of the intellectual and the undemanding have become obsolete. Painting, a focal point of his oeuvre, often contains multi-layered, historical references to society, economy, design and pop. It takes up everyday culture determined by mass media and can be understood as a contemporary answer to Pop Art of the 1960s. The artist’s works are represented in many international collections, including Saatchi Gallery, London; Boros Collection, Berlin; Museum Ludwig, Cologne and the Collection of Contemporary Art of the Federal Republic of Germanyin Berlin. The artist is represented by Galerie Elisabeth & Klaus Thoman Innsbruck/Vienna, Galerie Gisela Capitain, Cologne, Johann König, Berlin and Casey Kaplan, New York, Linn Lühn, Düsseldorf and Meliksetian I Briggs, Los Angeles.

https://www.galeriethoman.com/

Kunst & Denker Contemporary

BANZ & BOWINKEL

Banz & Bowinkel

Giulia Bowinkel, 1983 born in Düsseldorf 2002-2008 Study at the Kunstakademie Düsseldorf Friedemann Banz, 1980 born in Mainz 2001-2007 Study at the Kunstakademie Düsseldorf Residencies/Awards 2020 VR ART PRIZE Working Grant by DKB & CAA, Berlin 2018 AURORA-School for Artist, Europäischer Fonds für regionale Kultur, Berlin 2017 Digital Sculpture Award, Institute of digital art, HfK+G Ulm2015 Project funding, Kunststiftung NRW, Germany2011 Bronner Residency of Kunststiftung NRW/Goethe Institut, Tel Aviv, Israel Selected Exhibitions Groupshows | Soloshows * 2021 Resonant Realities, HAL, Haus am Lützowplatz, BerlinTHE ARTIST IS ONLINE – DIGITAL PAINTINGS AND SCULPTURES IN A VIRTUAL WORLD, KÖNIG | ST. AGNES DECENTRALANDAbstract Art in The Age of New Media, MoCDA, Museum of Contemporary Digital Art 2020 New Waves, Kunst & Denker Contemporary, Düsseldorf Highlights der Sammlung 21. Jahrhundert, Kaiser Wilhelm Museum, Krefeld Bukarest Artworlds at the Wrong Biennale, Rezidenta BRD Scena 9, Bukarest Pixelfest Digital Utopia, Yeltsin Center YekaterinburgAV Experimental – Unpainted, ANALOG ROOM Dubai 2019 Glowing Globe, Kortil Gallery, RijekaV für Verantwortung, Kunstverein Wolfsburg Anders wohnen – Dystopie, Haus Esters, Museum Krefeld Gestalten – ein Jahrhundert abstrakte Kunst im Westen, Kunsthaus NRW Transfer Download, Spring/Break Art Show LA, Los AngelesIN MEDIAS RES, Kunstverein Arnsberg 2018 ENVISIONING THE FUTURE, Halcyon Arts Lab, Washington DCArtificial Paradise?, KM – Halle für Kunst & Medien, Graz DIE ZUKUNFT DER ZEICHNUNG: ALGORITHMUS, Museum Abteiberg Mönchengladbach Disorder of Appearance, Kunst & Denker Contemporary, Düsseldorf * Digital Sculpture, Museum Ulm 2017 Digital Bodies, Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan *

SIlvia Steinek Galerie

Fabian Erik Patzak

Fabian Erik Patzak At Home Between Two Worlds Fabian Erik Patzak’s painted exploration of his family’s traces between Europe and the U.S. Without diving into the complexities of why certain objects are charged with more meaning than others, and are thus more exciting than others when translated into visual art, the works in this series undoubtedly carry such weight. They are of everyday objects such as airplanes or credit cards – or at least they were in pre-pandemic times. That being the case, Patzak lends these objects a presence and esthetic charge sometimes found in portraiture, such as in the 1832 depiction of the publisher Bertin by Jean-Auguste-Dominique Ingres. The objects in Patzak’s works speak to us and tell us a story of flight and of not feeling at home anywhere and at the same time the ability to make anywhere feel like home. This experience is not just particular to the story of Fabian Erik Patzak’s family, but is also prototypical for the globalized world in which we live – albeit currently on a somewhat more virtual level. The tension inherent in the very detailed and literal paintings of the objects and their larger, overall metaphoric character is what makes up the particular appeal of these paintings. Ocean liners as icons of travel in the early twentieth century and airplanes as the same of the late twentieth and early twenty-first century have an air of historical reminiscence against the backdrop of our current reality. The fact that these paintings do not only relate a general story but also a concrete one, namely that of Patzak’s grandparents’ flight from the Nazis, lends them a multifaceted quality and depth characteristic of great art. Wolfgang Pichler

KÖNIG GALERIE BERLIN

Jeremy Shaw

For a new body of unique silkscreen works, Jeremy Shaw uses documentary images culled from newspaper archives. The subjects depicted in the prints appear to be experiencing an excessive spiritual, somatic or technological altered state of consci-ousness. It’s unclear if the subjects are still alive, but they certainly haunt the present. The source photographs have been refracted in-camera through various effect lenses in the process of reshooting, skewing the subjects poses and proportions to illust-rate a subjective experience upon which one can only speculate. Rolled-back eyes reverberate in a feedback loop, mouths open ever wider to either ingest the world or eternally scream, arms extend freakishly upwards in a selfless act of praise or surren-der to vicissitude. The mediation of historical images by analog means (no digital manipulation or output) in the tactile medium of silkscreen further obscures their date of production in a manner akin to Shaw’s filmic works. The parenthetical parts of the artworks’ titles are taken from fragments of text found on the back side of the archival source photos – a corresponding newspaper clip or notes made by the original photographer themselves – and offer little evidence as to the primary date and location; the images remain suspended in time. Could it be that these restless souls, whose only obstacle is never getting high enough, finally find a home in such an image and properly transcend to their desired utopias?

KÖNIG GALERIE

Galerie Frank Elbaz PARIS

MICHAEL HORSKY

Michael Horsky’s paintings seem crystallized from some sort of chromatic primeval slime. Constellations of motifs that leave everything obvious behind them—art history/role models/the good idea—appear on the canvas, though not before countless other images have been shaken off, discarded. Horsky draws from deeply hidden inner networks of knowledge and feeling, as well as the inherent laws that govern them. The outer, representational pictorial structure is merely a surface to project upon, a plaything, or an indicator for the abstract processes at work behind it. Forms are liberated from the gravity of logic, not deformed; colors unfurl the wildly beguiling power of their essence; narratives shatter against the paradox of their individual parts, only to further incite intuition. Horsky’s paintings are oddly captivating equivalents for a world—our world— that, despite its real, barely comprehensible madness, mysteriously manages to function and, against all reason, is capable of creating amazing beauty. – Sonja Menches

https://www.galeriefrankelbaz.com/

LETO POLEN

Radek Szlaga

The presentation consists of the latest paintings by Radek Szlaga, created on the basis of his study of the language of painting as a medium and considering underestimated narratives and relations between art, information and knowledge. In the artist’s latest works, travellers’ boasts, drunken stories and news offered by the so called mainstream media gain a similar level of import and cognitive value. The disturbance in the hierarchy of sources is very clear on the level of both the method of painting and technique. When ‘building’ new canvases, Szlaga uses his own existing works as source material. Images that differ temporally, thematically or formally become a new, multi-layered whole. In this way, the artist not only discusses an individual’s contemporary approach to information, but also ‘sums up’ his own work, giving it a new meaning and examining it from a distance. The presentation can be seen as a peculiar atlas —elements are bound together to make up the individual works show the entire spectrum of the themes he has been working with thus far. Long-term artistic analyses of subjects such as identity, painting and the relationship between the centre and the periphery are joined on a single plane. Szlaga pays particular attention to the nature of the map and its variants, such as the globe or the atlas as symbols of a culture dominated by visuality, in which ‘I see’ means both ‘I know’ and ‘I possess’.

LETO

Smolka Contemporary

Kaja Clara Joo

Kaja Clara Joos Arbeiten changieren stets an der Schnittstelle zwischen Plastik und Bild. Kulturelle und soziale Phänomene sowie Verhaltensmuster stehen hierbei im Mittelpunkt. Es entstehen organisch wirkende und akribisch choreographierte Skulpturen. Das Medium der Fotografie, welches oftmals als begleitendes Element zum Einsatz kommt, wird dabei als physischer Prozess verstanden. Sei es im Sinne eines Materials, welches bei Lichteinfall schwärzt oder als intervenierender Moment zwischen taktilen und narrativen Spuren. Über die rein stoffliche Berührung hinweg wird abgetastet, erforscht und konserviert. Dem Betrachter soll sich ein Gespann eröffnen, welches über im Raum inszenierte Komponenten Bruchstücke einer größeren Erzählung offenbaren.

MARTINETZ KÖLN

Sophia Süßmilch

Sophia Süßmilch bewegt sich virtuos zwischen den unterschiedlichen Medien. In ihren Performances und fotografischen Selbstportraits reflektiert sie häufig auf Körpernormierungen und Identitätsmuster, die unsere Fremd- und Eigenwahrnehmung gleichermaßen prägen. Mit viel Humor nimmt sie Kategorien wie Geschlecht, Alter oder Beruf in den Blick und spielt mit Zuschreibungen und Klischees, die darauf rekurrieren. In ihren Gemälden entführt sie die Betrachter oft in Parallelwelten voller merkwürdiger Wesen, die mehr mit uns zu tun haben, als man auf den ersten Blick meinen möchte. Nicht selten sind es die hintersinnigen Titel ihrer Arbeiten, die die grotesken Wesen auf ihren Leinwänden in einen Bezugsrahmen zu unserer Lebensrealität setzen. Sophia Süßmilch skilfully moves between various media. Her performances and photographic self portraits often reflect on bodily norms and identity patterns that shape our perception of others and ourselves in equal measure. She humorously tackles categories such as gender, age or profession and plays with attributions and stereotypes that refer back to them. Her paintings often transport the viewer into parallel worlds full of strange creatures that have more to do with us than one might at first think. It is frequently the cryptic titles of her works that bring the grotesque creatures appearing on her canvases into a frame of reference with the reality of our lives.

MARTINETZ

galerie michaela stock

Sandro Đukić

Sandro Đukić, Ironworks Sisak (arch_022_143_8749), 2015 (part of the project The Outworn Structure), pigment print, 136 x 253 cm, framed, edition: 3+AE

At the booth of galerie michaela stock the Croatian New Media artist Sandro Đukić deals with the changing relationships of media such as photography and video, but also with computer-controlled mechanisms. Language as Ideology is a multimedia work – the installation including the digital archive on history of mining generated by computer algorithm, the video Daydream and a a large-format photograph from the Ironfactory Sisak – dealing with the issue of time, that is, duration and the transience of socio-historical phenomenon. Installation “arch_0001_276 / GAME OVER – wish to reconsider reality?” from 2021 is based on 10 years research on workers and miners heritage from town Labin in Istria. As a part of long term project Sandro Đukić was leading digitalization of documents and periodic for beginning of the 20 century until nowadays. Finally, over 9000 pages where processed with OCR software and text was split in six groups; from early period 1900 to 1920, telegraph correspondence between miners office in Labin and head office in Vienna – company managing strike breaks, rising after WW II optimism and glorifying productivity until collapse of socialism, until transitional period of nowadays. All text was subject of “text mining”, text analyzing procedure, based on Noam Chomsky theory, and it was created lexicon / dictionary for each period. Using that dictionary, generated by computer algorithm, the text was produced. Despite sometime strange construction, one can with ease recognize the period as well as economy, culture as well as language as tool of ideology of the specific time. Finally, all that text, over 6000 sentences, become content of the Artist Books and prints as part of the installation.

OpeningParty

Frederick Steinemann

WAS A GREAT OPENING, WITH FAIR SPACE FOR EACH GALLERY, GOOD ART GOOD ARTIST

FREE FOOD AND DRINKS ALL WAS HAPPY AFTER SO LONG LOCKDOWN!

MANY THANKS

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donkey balancing on a tennis ball

WAF galerie / Wiener Art Foundation

Christian Rothwangl

donkey balancing on a tennis ball

Opening: wednesday, 16.06.2021 | 6-10 pm

Exhibition: 17.06.-15.07.2021

Schadekgasse 6-8, 1060 Wien

https://www.artfoundation.at/

http://christianrothwangl.com/

@christianrothwangl

Christian Rothwangl

Christian Rothwangl

donkey balancing on a tennis ball

Everything you need to know, right now, enclosed in an aspect ratio of one to the square root of two: 210 by 297 millimetres. Christian Rothwangl begins with reams of blank A4 sheets and a limited selection of pigmented ink washes. He generates multitudes of sketches, in which abstraction appears as an intimate tussle between figures of naturalistic familiarity – the landscape, the hand, the donkey – and the fluid medium. Bound up in their standardised, A4 format, the resulting images are the crystallisations of a habit: the productive nonconscious, crystal formation, the artist’s own body, slow training and imitation, the creative in the technical, the machinic in the creative.

In the transposition from paper to canvas, Christian retains the initial compositions and imagery as blueprints for an expanded, painterly production. The process by which he re-makes his sketches on another surface is almost mechanical; he describes himself as his own assistant. First, he draws out dark frames around the picture-planes-to-be, which are then primed for painting. The stretched canvas is thus re-formed into a Träger of Bildträgern, to become a mise en short-circuited abyme that always loops back to Christian’s original ink sketches. And yet, this labour of re-making is also a dynamic of re-interpretation. And like the best literary translations, which cannot be judged according to some tired, heteronormative notion of ‘fidelity’, Christian’s paintings are infused with intimacy for their subject matter – they recite, in their own terms, dreams mumbled into the pillowcase after a long and restless night.

Exhibition view, Kunstbuero Vienna 2019, photo: Philipp Pess

The reverie takes off again, just above our eyelines: tracing a halo over our heads, following an interminable assembly line, or perhaps even unfolding a narrative, like a classical frieze on the interior walls of a great temple. The lines that Christian re-creates in acrylic paint have to be insistent if they will ever get their point to us, down here. The Tusche washes, however, seem to disperse, exposing one another to our scattered gaze. The interplay of lines with these unsettled surfaces is another example of the recursivity with which the works find their way: looping mechanical processes of non-mechanical re-production; poetic communication through the mute standardisation of the Deutsches Institut für Normung; abstracting the figurative and figuring the abstract. In his work (as his own assistant), Christian performs contradictions that disrupt binaries in ways neither positive nor negative. There is no sublimation, only complication, and the result would lead me to believe that differentiation through re-iteration is the only worthwhile feedback, in the end.

Text by Miriam Stoney

*1993 in Bruck an der Mur AT

2013-19 Akademie der Bildenden Künste Wien AT

2017 Slade School of Fine Art London GB

2019/20 ASA Stipenium HfBK Hamburg GER

lebt und arbeitet in Wien  lives and works in Vienna AT

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Mahagonny

PORGY & BESS

Mahagonny – Ein Songspiel (A/D/ISR)

Kammeroper von Kurt Weill/ Bert Brechtund

Arien von Kurt Weill

Premiere der Kammeroper: SO 27. JUNI 2021 | 14 Uhr

MO 28. JUNI 2021 | 20:30 Uhr

Bruno Berger-Gorski: Inszenierung

Anna Sushon: Dirigentin

mit: Gail Gilmore, Victoria Hotjanov, Franz Gürtelschmied, Zoryana Kushpler,

Ethel Merhaut, Ognjen Milivojsa, Wolfgang Resch, Shlomi Wagner,

Anna Kreinecker: Ausstattung

Tadeusz Krzeszowiak: Licht


Für die Schirmherrschaft danken wir:

S.E. Ralf Beste,Botschafter der Bundesrepublik Deutschland

S.E. Mordechai Rodgold, Botschafter des Staates Israel

Riemergasse 11, A-1010 Wien

https://www.porgy.at/events/10513/

“MAHAGONNY – Ein Songspiel”

sowie selten gespielte Songs und Arien von Kurt Weill im Porgy & Bess

Am 27. und 28. Juni 2021 gestaltet der Verein Musiktheater Wien e.V. einen Abend mit selten gezeigten Werken von Kurt Weill im Porgy & Bess. Im ersten Teil gelangt eine Neuinszenierung der Kammeroper “Mahagonny – ein Songspiel” zur Aufführung, im zweiten Teil werden Arien und Songs aus wenig bekannten Opern und Musicals von Kurt Weill präsentiert.

Die Inszenierung übernimmt der internationale Regisseur mit polnischen Wurzeln Bruno Berger-Gorski. Er hat in Wien u.a. die österreichische Erstaufführung von Kurt Weills “Der Silbersee” inszeniert sowie in Bergen /Norwegen „Die sieben Todsünden“. Als Regisseur und Produzent engagierte er sich für die Aufführung von Kammeropern zeitgenössischer israelischer Komponist*innen wie Ella Milch-Sheriff , Josef Tal und Luca Lombardi und hat wiederholt junge israelische Sänger*innen nach Deutschland, Polen und Österreich eingeladen.

Berger-Gorskis Inszenierung von “Gespräch mit einem Stein” von Ella Milch-Sheriff kombiniert mit “Else” von Josef Tal wurde mit Shira Patchornik/ Einat Aronstein u.a. in die Kultur-Synagoge “Zum Weißen Storch“ nach Wroclaw, zum jüdischen Festival ins Galicia-Museum nach Krakau und zum Jaffa-Festival nach Tel Aviv eingeladen sowie (mit der Beteiligung von Marko Feingold) im Museum der Moderne und der Synagoge Salzburg gezeigt.

Bruno Berger-Gorski hat mehrmals in Israel inszeniert: “Samson et Dalila” im Amphitheater von Ashkelon , “Il Barbiere di Siviglia” am Stricker-Conversatorium in Tel Aviv, “Hommage an Else Lasker-Schüler” von Josef Tal im Hateiva-Theater sowie die israelische Erst -Aufführung der Kammeroper “Golden Dragon” von Peter Eötvös im Gesher-Theater.

Mahagonny – ein Songspiel

Jessie: Ethel Merhaut

Bessie: Zoryana Kushpler

Charlie: Franz Gürtelschmied

Billy: Wolfgang Resch

Bobby: Shlomi Wagner

Jimmy: Ognijen Milivojsa

Bewohner von Mahagonnny

Rami Rafea Abusaeeda, Zoe – Afan Strasser, Vito Vidovic Bintchende

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Guertelschmied_small_c_Julia_Refle

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“Le Grand Lustucru” aus dem Musical “Marie Galante” (1934)
Shlomi Wagner, Bariton



1927 fand die Uraufführung von als Auftragswerk des Musikfestivals “Deutsche Kammermusik Baden-Baden” statt. Es war die erste Zusammenarbeit von Kurt Weill mit Bertolt Brecht. Caspar Neher gestaltete das Bühnenbild als Boxring, Brecht führte Regie – die Aufführung ruft Begeisterung bei der Kritik, als auch Protest beim Publikum hervor. Kurz danach wird die Partitur zurückgezogen, Brecht und Weill beginnen, aus dem Stoff die dreiaktige, abendfüllende Oper „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ zu entwickeln. Das “Songspiel” in seiner ursprünglichen Form ist bis heute ein äußerst selten aufgeführtes Werk.

Arien und Songs

„What good would the Moon be” aus dem Musiktheater-Stück “Street Scene” ( 1947)

Ethel Merhaut, Sopran

“Cowboy Song” aus dem Musical “Johnny Johnson” (1936 )

Ognijen Milivojsa, Bassbariton

“My Ship” aus dem Musical “Lady in the Dark” (1941)

Zoryana Kushpler, Mezzo

“Les Filles de Bordeaux” aus dem Musical “Marie Galante” (1934)

Wolfgang Resch, Bariton

“Le Grand Lustucru” aus dem Musical “Marie Galante” (1934)

Shlomi Wagner, Bariton

“Und was bekam des Soldaten Weib ?” aus dem Theaterstück

“Schweyk im Zweiten Weltkrieg” von Bertolt Brecht (1943)

Victoria Hotjanov, Mezzo

“Oh Captain, my Captain” , Four Walt Whitman Songs/ No 2 (1942-47)

Franz Gürtelschmied, Tenor

“Caesar`s Tod” aus der Oper “Der Silbersee” (1933),

Ethel Merhaut, Sopran

„Septembersong“ aus dem Musical „Knickerbocker Holiday“ (1938)

Gail Gilmore, Mezzo

Anastasia Noya, Klavier

Produktionsteam:

Inszenierung: Bruno Berger-Gorski

Anna_Sushon_c_xy

Dirigentin: Anna Sushon

Ausstattung: Anna Kreinecker

Lichtdesign: Tadeusz Krzeszowiak

Mit: Ethel Merhaut, Victoria Hotjanov, Zoryana Kushpler, Franz Gürtelschmied,

Ognjen Milivojsa, Wolfgang Resch, Shlomi Wagner, Shmuel Barzilai, Gail Gilmore

Vorstellungen:

Porgy & Bess, Riemergasse 11, 1010 Wien

Sonntag, 27. Juni 2021 | 14:00 Uhr

Montag, 28. Juni 2021 | 20:30 Uhr

SAVE THE DATE

Galicia Jewish Museum, ul. Dajwór 18, Kraków, Polen

Sonntag, 4. Juli 2021

Eine Neuproduktion von Musiktheater Wien e.V.

in Kooperation mit Exilarte – Zentrum für verfolgte Musik und dem
Festiwal Kultury Żydowskiej w Krakowie (Jüdisches Kulturfestival Krakau)

Dajwór 18, 31-052 Kraków, Polen

http://www.galiciajewishmuseum.org

Gefördert durch den Nationalfonds der Republik Österreich für Opfer des Nationalsozialismus, den Zukunftsfonds der Republik Österreich, das Bundesministerium für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport, die Stadt Wien

Für die Schirmherrschaft danken wir:
S.E. Ralf Beste, Botschafter der Bundesrepublik Deutschland
S.E. Mordechai Rodgold, Botschafter des Staates Israel

https://brunoberger-gorski.com/

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Drei_Heavy_Burschis

Weingut Payr Carnuntum

Drei Heavy Burschis

Betrachtungsweisen im Weingut Payr

ALEXANDER PEEV – BEGI GUGGENHEIM -GEORG KUBLA

Eröffnung: Opening: 18. June 2021 | 14 -20 pm

Curator Lukas Willmann

Ausstellung: 19. June – 30. August 2021

in Kooperation mit Kunstraum am Schauplatz, WienWeingut Payr,

Dorfstraße 18 2465 Höflein

https://www.weingut-payr.at/weingut/robert-und-carnuntum

@robertpayr @kunstraumamschauplatz @begiguggenheim @alexandar_peev

@kubla.studio @wiener_artfoundation Anton Herzl

Poster design @studio______ia#begiguggenheim

Anfahrt:per Automobil ca 40min : Ostautobahn bis Bruck a.d. Leitha Ausfahrt Ost rechts abbiegen dann Beschilderung folgen

Per Zug ca 37 min: REX von Hbf Wien nach Bruck a.d.Leitha je 15 min nach/15 min vor voller Std

dann Shuttle (6 Pers.max) von Bhf nach Höflein

Kontakt: +43 699 15252515

Besichtigung nach Vereinbarung: Robert Payr +43 664 2307535

Lukas Willmann +43681 81939710

Teaser Drei Heavy Burschis

„Drei Heavy Burschis“ – Begi Guggenheim, George Kubla undAlexandar Peev, allesamt Bildhauer, stellen ihre Arbeiten auf dem Weingut Payr in Höflein (bei Bruck an der Leitha) aus. Der mit dem Ausstellungstitel vom Kurator Lukas Willmann herbeizitierte Superstar Martin Kippenberger schwebt ahnenhaft über diesem Projekt: Sein Motto „Utopien für Alle“ mag auch in den Plastiken und Skulpturen von Guggenheim, Kubla und Peev wiederzuentdecken sein.

In Anverwandlung an Martin Kippenbergers Shandyismus – Kunstwerke müssten nicht authentisch sein, sondern „taktisch richtig“*  – platziert der Ausstellungsmacher Lukas Willmann seine drei schwersten Geschütze, Begi Guggenheim, Alexandar Peev und George Kubla in höfleiner Weingut Payr vor den Toren Wiens.

Mit dem Anglizismus „heavy“ beschreiben die Jugendkulturen deutschsprachiger Länder wohl schon seit den 1970er Jahren (heavy-metall) all jene Phänomene, die aufgrund ihrer heftigen Wirkung einen starken Eindruck hinterlassen; und das tun die Künstler dieser Ausstellung mit ihrem plastischen- und skulpturalen Werken alle Male:  Gewichts- und Formatbewusstsein findet sich bei allen drei Künstlern als vordergründige Gemeinsamkeit und die Ausstellung „Drei Heavy Burschis“ im Weingut Payr fordert das Publikum dazu auf, sich auf diese Verkostung unterscheidend einzulassen und sich vor der Fetten nicht zu fürchten, wenn es darum geht Assoziationen zu erschmecken und die Unterscheidbarkeiten zu benennen, was die Kunst betrifft, versteht sich!

Auf dem assoziativen Feld stellt diese plastische und skulpturale Kunst, wie wir sie auf dieser Ausstellung vorfinden, nämlich Bezüge zu (Kunst-)Geschichte her und man ist dazu geneigt, die bildnerischen Arbeiten mit historischen in eine gedankliche Verbindung zu setzen. Begi Guggenheims Beiträge mögen die Betrachterinnen an die Utopien – geschwängerten Epochen vor etwa 100 Jahren erinnern, als eine strahlende Zukunft vor der Menschheit zu liegen schien und die Gegenwart von daher als etwas Vorläufiges betrachtet werden konnte, während das jeweilige künstlerische Schaffen damals als prothetisch, also vorläufig, betrachtet werden konnte. Mechanische Roboterträume mit ihrem klassisch anmutenden Design prägen unsere Erinnerungen die zukunftsfreudige Filmwelt der 1920er Jahre! In George Kublas Arbeit schwingt bei manchem Stück möglicherweise ein Hauch futurismo mit, eine Stilepoche die den Wechsel in ihre Zukunft radikaler und nähergerückter darstellt; hier findet sich bereits der Verweis auf die allgemeine Beschleunigung, welcher durch ein Ineinanderfließen von Bewegungsmomenten zu der typischen Formensprache geführt hatte.  Für Peev und beispielsweise sein Sujet vom Bärentierchen erscheint die Zukunft als Gegenwart, die in der selben Sekunde – hier etwa als wissenschaftsgeschichtliches Zitat – schon wieder Historie ist. Entsprechend gibt es auch bei allen drei Künstlern, Guggenheim, Kubla und Peev einen Moment des Skurrilen, welcher von Arbeit zu Arbeit und Künstler zu Künstler unterschiedlich stark ausgeprägt sein mag, aber philosophisch gesehen leben wir nun einmal in einer Zeit, in der die technischen Erwartungen an Zukunft bisweilen sogar übertroffen worden zu sein scheinen, wo also ein ernsthafter Versuch, mittels Design eine positive Zukunft zu beschreiben, kein staubtrockenes Unterfangen mehr sein kann.

Im zeitgenössischen Geschehen kann Utopie am besten/bestenfalls als vergangene Utopie beschrieben werden, denn alle sitzen wir auf der Oberfläche einer Augenblicklichkeit, die Zukunft und Vergangenheit in das ewige Jetzt der Gegenwart hinein zu saugen scheint.

Doch die Werke von Bildhauern haben aufgrund ihrer Dinghaftigkeit, in einer von Digitalität geprägten Welt immer auch etwas archaisch Retrospektrales [sic], verweisen eben auf die Körperlichkeit unserer Existenz und sind im Gegensatz zum Flux der elektronischen Dateien

„heavy“, da gegenständlich.  In dieser Hinsicht leben wir in einer Zeit, wo die Veränderung von Skulptur dort stattfindet, wo sich der Kontrast hinsichtlich der (digitalisierten) Lebensrealität der

Betrachterinnen verändert. Plastiken sind eben keine Bilder, sondern (in der Regel) dreidimensionale materielle Objekte und selbst in einem Kunstkatalog können diese immer nur von einer Seite abgebildet werden, während ihre Gegenwart das Publikum dazu herausfordert sich selbst (und das payr´sche Weinglas) zu dem Kunstwerk zu verhalten, es gehend zu umkreisen, mit den Augen zu begreifen, sich persönlich um einen Wechsel in der Perspektive zu bemühen.  Diese Interaktion mit einem skulpturalen Kunstwerk ist zwar auf der Welt nicht neu, aber mag der Alltagserfahrung der Interessentinnen um ein gestiegenes Maß widerlaufen, wenn man bedenkt, dass wir nunmehr in einer Welt leben, wo ein Gros der sinnlichen Erfahrungen über einem mehr oder weniger kleinen Bildschirm zustande kommt.  Von diesem Gedanken ausgehend ist

anzunehmen, dass die Routinen für die Begehung eines Skulpturen- Parcours in unserer Gegenwart beim Publikum eine jeweils neuartige Herausforderung darstellen mögen, jedenfalls sich bereits eine Umkehrung hinsichtlich dessen vollzogen haben mag, was das Selbstverständliche und was das ungeahnt-in-der-Zukunft-Liegende sein könnte.

Es ist ebenfalls rund hundert Jahre her, dass ein gewisser Georges Hébert seine sogenannte Méthode Naturelle begründete, ein Programm, das mit Hilfe eines – heute würde man sagen – Trimm-dich-Pfades die körperlichen und geistigen Fähigkeiten seiner Mitmenschen anzuregen gedachte. Das Lustwandeln auf dem Hof und auch im Gelände, von einem Ausstellungspunkt zum Anderen mag dabei in der Inszenierung durch den Kurator Lukas Willmann auf ähnliche Weise jene Talente des Publikums wieder zum Vorschein befördern, welche in der Zeit des Lockdowns möglicherweise schon durch die Bildschirme geschlüpft waren: Den einen Körper als ein Korrelat von Kunstgegenständlichkeit in Stimmung und Position zu heben, sich selbst an die Orte der Eigentlichkeit zu begeben und damit ad personam Teil des Geschehens zu werden. Dabei fallen die zu Guckkästen umfunktionierten Stahlbehälter in der Weinkelterei besonders auf: Deren dezidierte Wirkung beim Betrachten der darin positionierten Ausstellungsstücke, mag in der unerwarteten Anverwandlung von winzerischer und künstlerischerProduktivität begründet sein.   Skulptur ist gerade in einem solchen Umfeld in außergewöhnlichem Ausmaß eine Kunstgattung, die diese Aktivitäten des Publikums einzufordern im Stande ist. Vom Kurator Willmannmotiviert, vom Gastgeber Robert Payr gelabt und auf künstlerische Arbeit von Alexandar Peev, George Kubla und Begi Guggenheim neugierig gemacht, wird das verehrte Publikum in post-utopischer Absicht zu den Strapazen von Anreise, Aufenthalt und Besichtigung eingeladen, den jeweiligen Wettern zu trotzen, die Bewegung nicht zu scheuen, die Gedanke selbst zu entfalten und das Gebotene durch stetigen Perspektivenwechsel zu verinnerlichen, um an der Erbaulichkeit der Weinqualitäten und dem Kunstgenuss ästhetischer Erfahrung sich zurück in die Zukunft zu begeben, oder war es umgekehrt?

 *[Zitat Burkhard Riemschneider]     Anton Herzl, 2021

Anton Herzl

#kunstimweingut #carnuntum.wein#artshow#hoeflein#weingutpayr#carnuntum

#wineandart #sculpture_now #contemporaryart

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MOVE THE VIEW!Gasteiger – Vopava – Zitko

GALERIE ESTERMANN+MESSNER

MOVE THE VIEW!Gasteiger – Vopava – Zitko

Eröffnung: opening: Mittwoch, 19. Mai 2021

Künstler: Jakob Gasteiger – Walter Vopava – Otto Zitko

Einführung Florian Steininger (Kunsthalle Krems)

Finissage 2. Juli 2021 | 18-21 Uhr

Ausstellung: Exhibition: 20. Mai – 2. Juli 2021

Öffnungszeiten: Donnertag – Freitag | 14 – 18 UhrSamstag | 11 – 15 Uhr

Himmelpfortgasse 22, 1010 Wien

http://www.estermannmessner.at

#JakobGasteiger #WalterVopava #Otto Zitko

Pic: by Casaluce -Geiger /http://www.casaluce-geiger.net/

Video: Estherartnewsletter.com

Otto Zitko _oT_WVZ1890_2021_Acryl_Ölstift auf Aluminiumverbund_149,4 x 109cm

Jakob Gasteiger – Walter Vopava – Otto Zitko
Neue Abstraktion in Österreich

Während sich in den 80er Jahren die „Neuen Wilden“ innerhalb der österreichischen Malerei austobten, gab es einzelne malerische Positionen, die ihren eigenen Weg einschlugen, nämlich den Weg in die Gegenstandslosigkeit. Auf der Suche nach dem „einen, idealen Bild“ wurden sie, jeder auf seine Weise, zu Aushängeschildern der österreichischen Malerei und können heute jeweils auf national und international erfolgreiche Karrieren zurückblicken. Die entfesselte Urkraft Zitkos, der sich selten auf die reine Bildfläche beschränkt und oft den gesamten Ausstellungsraum mit seiner bedingungslosen Spur überzieht, trifft auf die zurückhaltenden, mit feinen Lasuren in abstrakten Raumtiefen suchenden Werke von Vopava. Das reine Material Farbe als Gegenstand der Bildfindung und ein Schritt in dasDreidimensionale, Bildskulpturale finden wir bei Gasteiger.

Walter Vopava_oT_2021 150x100_Acryl auf Leinwand 2

Jakob Gasteiger (*1953 in Salzburg) stellt, in Anlehnung an die Tendenzen von Minimal Art und Monochromie, den Malprozess in den Vordergrund. Seine Arbeiten sind von einer reduzierten Formensprache einerseits und höchster ästhetischer Kompetenz andererseits geprägt. Mit einem Kamm, der eigens für jedes Bild gefertigt wird, bearbeitet der Künstler die aufgetragene Farbe, horizontal, vertikal oder in Schwüngen. Was bleibt, sind Furchen und fragile Farbgrate als Zeugen der künstlerischen Geste. Schon früh begannen die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur bei Gasteiger zu verschwimmen. Doch während seineGemälde von wohl überlegter Kontrolliertheit und formaler Askese erzählen, kommt in seinen Plastiken dem Zufall eine entscheidende Rolle zu: Sie entstehen, indem flüssiges Aluminium in kaltes Wasser gegossen wird.

Jakob Gasteiger_2020_Acryl Leinwand_200x150cm_280

Die Bildkompositionen von Walter Vopava (*1948 in Wien) sind der Reduktion in Farbe und Form verpflichtet: Vopavas Hauptthema ist die Koexistenz – oder sollte man sagen, der Wettstreit? – von Dunkelheit und Licht. Scheinbar in der Tradition des italienischen Chiaroscuro stehend, kommt es in seinen Arbeiten mittels Hell-Dunkel zu einer Steigerung des Ausdrucks und der Dramatik. Tritt eine Farbe hinzu, Grün oder Violett beispielsweise, wird diese durch den Farbe-Nichtfarbe-Kontrast maximal zum Leuchten gebracht. Man kann sich kaum sattsehen. Vopavas Malerei ist eine Synergie aus Konstruktion und Intuition. Er ist ein Meister der Spannung: Gekonnt deutet er Bildinhalte an, doch tut er dem Betrachter letztlich nicht den Gefallen, seine Bilder in echte Räumlichkeit aufzulösen. Sie bleiben rätselhaft.

Walter Vopava_oT_2021 200x160_Acryl auf Leinwan

Otto Zitko (* 1959 in Linz) nähert sich der Zeichnung vom Standpunkt der Malerei heraus an. Er ist ein Künstler der großen Geste. Aus der Motorik von Hand und Arm, ihren kreisendenBewegungen, füllt Zitko den Bildraum mit dem, was sein Körper ausführt. Es entsteht eine scheinbar endlos fortsetzbare Linie. Sie macht den Bildinhalt aus und entzieht sich gleichzeitig der Interpretation durch den Betrachter. Sie füllt Blätter, Bildtafeln und Wände und nimmt mitunter monumentale Ausmaße an. Dann scheint es, als wollte der Künstler mit seiner intuitiv suchenden Linie die Oberfläche für sich erobern und den Betrachter in ein undurchdringbares Geflecht verstricken. Auch das Farbspektrum bleibt in Zitkos Arbeiten reduziert auf ein, zwei Farben, die dafür umso intensiver zur Wirkung kommen.

Otto Zitko – EstherArtnewsletter Pic: by Casaluce -Geiger /http://www.casaluce-geiger.net/

Künstler Info:
Otto Zitko: https://www.ottozitko.com/de
Jakob Gasteiger: https://www.jakobgasteiger.com/
Walter Vopava: https://de.wikipedia.org/wiki/Walter_Vopava

Exhibition Opening: 19. may 2021 Video: Estherartnewsletter.com

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WILDE_KINDHEIT

LENTOS Kunstmuseum Linz

WILDE KINDHEIT

Hybride Pressekonferenz:Pressekonferenz: Dienstag, 11.5.2021 | 10 Uhr

GesprächspartnerInnen:Doris Lang-Mayerhofer, Stadträtin für Kultur, Tourismus und Kreativwirtschaft

Hemma Schmutz, Künstlerische Direktorin der Museen der Stadt Linz

Sabine Fellner, KuratorinElisabeth Nowak-Thaller, Kuratorin

Teilnahme vor Ort im Lentos Auditorium

Teilnahme via Zoom: https://zoom.us/j/99309595791…

Alain Laboile Boudin, 2013
Leihgabe des Künstlers

LENTOS Kunstmuseum Linz

WILDE KINDHEIT

Eröffnung: Soft Opening: Dienstag, 11. Mai 2021 | 13 –18 Uhr

Vortrag und Führung: Psychoanalytikerin Beate Hofstadler Das Kind ein erotisches Spielzeug

So 30.5.2021 | 11 –13.30 Uhr

Ausstellung: 12.5.–5.9.2021

Öffnungszeiten: Di–So, 10–18 UhrDo, 10–19 Uhr

Ernst-Koref-Promenade 1, 4020 Linz

https://www.lentos.at/html/de/6563.aspx

Maria Lassnig Obsorge, ab 2008
© Maria Lassnig Stiftung / Foundation; Bildrecht, Wien 2021

LENTOS Kunstmuseum Linz

WILDE KINDHEIT

Late Opening /Offizielle Eröffnung: Dienstag, 10. Juni 2021 | 18 Uhr

mit Begrüßung von Hemma Schmutz, Direktorin Lentos

Einführung der Kuratorinnen Sabine Fellner und Elisabeth Nowak-Thaller

Doris Lang-Mayerhofer, Kulturstadträtin der Stadt Linz

Ausstellung: 12.5.–5.9.2021

Öffnungszeiten: Di–So, 10–18 UhrDo, 10–19 Uhr

Ernst-Koref-Promenade 1, 4020 Linz

https://www.lentos.at/html/de/6563.aspx

Inv.Nr. 159, Modersohn-Becker Paula, Landschaft mit drei Kindern und Ziege Öl auf Pappe, 50 X 72 cm, 1902

„Das habe ich noch nie vorher versucht, also bin ich völlig sicher, dass ich es schaffe“, erklärt Pippi Langstrumpf. Eine solche Selbstgewissheit würden wir uns für unsere Kinder wünschen, doch haben sie aktuell die Chance, sich ungebremst auszuleben?

Die heutige Überbehütung durch Helikopter- und Rasenmähereltern und die fortschreitende Digitalisierung, die den Bewegungs- und Entdeckungsdrang der Kinder einschränkt, lassen daran zweifeln. Kinder überstehen zwar die absurdesten Erziehungskonzepte, ebenso wie Krieg, soziales Elend, Vernachlässigung oder Missbrauch, doch um welchen Preis?

Oskar Kokoschka Mädchenbildnis, um 1913
Museum der Moderne Salzburg, Foto: Rainer Iglar, © Bildrecht, Wien 2021

KünstlerInnen

Uli Aigner, Aigner/Kosakowski, Özlem Altin, Beni Altmüller, Iris Andraschek, Siegfried Anzinger, Christy Astuy, Iris Christine Aue, Stephan Balkenhol, Tina Barney, Werner Berg, Sibylle Bergemann, Thomas Billhardt, Julie Blackmon, Hans Böhler, Christian Boltanski, Eugenie Breithut-Munk, Klemens Brosch, Vanja Bucan, Wilhelm Busch, Maria Bussmann, Sevda Chkoutova, Clément Cogitore, Philipp Connard,  Lovis Corinth, Maciej Dakowicz, Nienke Deutz, Gerhild Diesner, Oliver Dorfer, Isabelle Dutoit, Franz Dutzler, Albin Egger-Lienz, Titanilla Eisenhart, Georg Eisler, VALIE EXPORT, László Fehér, Fabian Fink, Judith P. Fischer, Martina Fleck, Maia Flore, Judy Fox, Padhi Frieberger, Fritz Fröhlich, Friedrich Frotzel, Jorge Fuembuena, Katsura Funakoshi, Helene Funke, Theo Garvé, Franz Gertsch, Glaser/Kunz, Bernhard Gobiet, Sofia Goscinski, Nilbar Güreş, Maria Hahnenkamp, Wolfgang Hanghofer, Heidi Harsieber, Bertram Hasenauer, Carry Hauser, Gottfried Helnwein, Frans Hofmeester, Karen Holländer, Irene Hölzer-Weinek, Martin Honert, Bernadette Huber, Lisa Huber, Ursula Hübner, Friedensreich Hundertwasser, Frederick Jaeger, Allen Jones, Leander Kaiser, Eginhartz Kanter, Mary Kelly, Gerhard Knogler, Oskar Kokoschka, Anton Kolig, Silvia Koller, Broncia Koller-Pinell, Michal Kosakowski, Auguste Kronheim, Maximilian Kurzweil, Alain Laboile, Katharina Lackner, Marie Jo Lafontaine, Erwin Lang, Lotte Laserstein, Maria Lassnig, Marie Luise Lebschik, Rudolf Leitner-Gründberg, Doris Lenz, Ulrike Lienbacher, Rosmarie Lukasser, Anna Mahler, Sabine Maier, Sally Mann, Gerhard Marcks, Pedro Marzorati, Frans Masereel, Henri Matisse, Matthias May, Ferdinand Melichar, Paula Modersohn-Becker, Inge Morath, Alois Mosbacher, Koloman Moser, Otto Muehl, Otto Mueller, Muntean/Rosenblum, Ernst Nepo, Walter Niedermayr, Rita Nowak, Monika Oechsler, Eamon O’Kane, Ruth Orkin, Burgis Paier, Margit Palme, Josef Pausch, Vanessa Jane Phaff, Monika Pichler, Andrzej Pietrzyk, Elisabeth Plank, Lois Pregartbauer, Bernhard Prinz, Erwin Rachbauer, Beate Rathmayr, Carl Anton Reichel, Frenzi Rigling-Mosbacher, Alexander M. Rodtschenko, Emy Roeder, Anton Romako, Elisabeth von Samsonow, Roman Scheidl, Egon Schiele, Markus Schinwald, Christoph Schmidberger, Karl Schmidt-Rottluff, Anne Schneider, Ramona Schnekenburger, Martin Schnur, Claudia Schumann, Ludwig Schwarzer, Sean Scully, Deborah Sengl, Marielis Seyler, Clara Siewert, Fritz Simak, Max Slevogt, Kiki Smith, Ernst Stöhr, Hans Strohofer, Jock Sturges, Monika Supé, Wilhelm Thöny, Viktor Tischler, Elfriede Trautner, Kerry Tribe, Gabi Trinkaus, Barbara Camilla Tucholski, Massimo Vitali, Maja Vukoje, Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, Nurith Wagner-Strauss, Jeff Wall, Bruno Walpoth, Marijke van Warmerdam, Gillian Wearing, Nives Widauer, Franz Wiegele, Reimo S. Wukounig, Luo Yang, Andre Zelck, Laurent Ziegler, Yantong Zhu

Gottfried Helnwein Ohne Titel (Kind am Tisch), 1993
© Bildrecht, Wien 2021

170 KünstlerInnen illustrieren, wie übermütig, neugierig, verträumt oder rebellisch Kinder sind, und zeigen, dass sie Freiraum benötigen fürs Träumen und Langeweile, die Grundvoraussetzungen für Kreativität.

Die Ausstellung zeigt Positionen von 1900 bis heute, die kritisch, realistisch-differenziert, aber auch mit viel Ironie und Humor kindliches Glück ebenso wie Frustration dokumentieren. Sie machen uns bewusst, dass es an uns liegt, unseren Kindern eine Kindheit zu ermöglichen, die es wert ist, sich an sie zu erinnern.

Ausstellungskonzept: Sabine Fellner
Kuratorinnen der Ausstellung: Sabine Fellner, Elisabeth Nowak-Thaller
Ausstellungsgestaltung: Silvia Merlo

https://www.lentos.at/html/de/6563.aspx

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Mothers_cry_Mütter_weinen

Mothers cry -Mütterweinen

(1982) Poster, Who Will Praise the Heroes of Israel. David Tartakover

Mothers cry in Mea Shearim,

Mothers cry in Umm al-Fahm in Jaljulia, Tira and Kafr Qassem

Mothers cry in Nazareth, Jerusalem, Silwan, Sheikh Jarrah and Kfar Yassin.

Mothers cry in Tel Aviv.

Mothers cry in moshavim and kibbutzim.

Mothers cry in Gaza and Hebron, they cry in Sderot and Kfar Gaza.

Mothers cry in Bnei Brak and Modi’in in Ramla and Ramallah.

Mothers cry in Ashdod and Yeruham and cry in Be’er Sheva and Haifa …

Mothers cry in drips of salt water in an arid desert And in the blazing sun the boys and girls are buried in rivers of fire, blood and plumes of smoke.

Mothers from the Ethiopian community are crying over the murder of their children because of the color of their skin.

Mothers from Arab society mourn their sons and daughters who were murdered in cold blood And Palestinian mothers are dying of fear.

Jewish mothers sacrifice our sons and daughters on the altar of the homeland in the Occupied Territories.

We are the mothers who learned to weep over our dead in rooms and sanctified “death of heroes” On behalf of the nation collect the remnants of the lives of the wounded and injured in body and soul as used goods Continue in grief to give birth to more victims who were born for freedom.

We are the mothers whose voice is not heard and our weeping is a resonance to the singing of a security chorus that plays the sounds of our lives with trumpet cheers, horse gallops and thunder of stun grenades And imprisons our spirit in the smoke and the smell of the skunk.

Amid the noise and media bustle over the failures of a corrupt regime We did not see the mothers of the dead in the Meron disaster.

45 victims of men and children That their cry to the air was not heard and the cry of their mothers will not be heard.

The cry of mothers for helicopter disasters, for unnecessary battles, for forceful operations, On Nahal Tzafit and the Carmel fire, on road accidents, On those who fall to their deaths at construction sites.

About 6326 Corona victims.

On victims of violence by the police, border guards and the army in the occupied territories.

The cry of the mothers should shake the thresholds of a country, home and homeland torn under the yoke of corrupt rule.

#Miron_2021_disease #Israel_Police_Failure

https://www.imahot4.com/post/%D7%90%D7%9E%D7%94%D7%95%D7%AA-%D7%91%D7%95%D7%9B%D7%95%D7%AA

(1982) Poster, Who Will Praise the Heroes of Israel. David Tartakover

Mütter weinen in Mea Shearim,

Mütter weinen in Umm al-Fahm in Jaljulia, Tira und Kafr Qassem

Mütter weinen in Nazareth, Jerusalem, Silwan, Sheikh Jarrah und Kfar Yassin.

Mütter weinen in Tel Aviv.

Mütter weinen in Moshavim und Kibbuzim.

Mütter weinen in Gaza und Hebron, sie weinen in Sderot und Kfar Gaza.

Mütter weinen in Bnei Brak und Modi’in in Ramla und Ramallah.

Mütter weinen in Ashdod und Yeruham und weinen in Be’er Sheva und Haifa …

Mütter weinen in Salzwassertropfen in einer trockenen Wüste Und in der prallen Sonne sind die Jungen und Mädchen in Flüssen aus Feuer, Blut und Rauchwolken begraben.

Mütter aus der äthiopischen Gemeinde weinen wegen der Hautfarbe über den Mord an ihren Kindern.

Mütter aus der arabischen Gesellschaft trauern um ihre kaltblütig ermordeten Söhne und Töchter Und palästinensische Mütter sterben vor Angst.

Jüdische Mütter opfern unsere Söhne und Töchter auf dem Altar des Heimatlandes in den besetzten Gebieten.

Wir sind die Mütter, die gelernt haben, in Räumen über unsere Toten zu weinen und den “Tod der Helden” geheiligt haben.

Sammeln Sie im Namen der Nation die Überreste des Lebens der Verwundeten und Verletzten in Leib und Seele als Gebrauchsgüter Fahren Sie in Trauer fort, um mehr Opfer zu gebären, die für die Freiheit geboren wurden.

Wir sind die Mütter, deren Stimme nicht gehört wird, und unser Weinen ist eine Resonanz auf das Singen eines Sicherheitschors Spielen Sie die Klänge unseres Lebens mit Trompetenjubel, Pferderennen und dem Klang von Betäubungsgranaten Und sperren Sie unseren Geist in den Rauch und den Geruch des Stinktiers.

Inmitten des Lärms und des Medienrummels über das Versagen eines korrupten Regimes

Wir haben die Mütter der Toten bei der Meron-Katastrophe nicht gesehen.

45 Opfer von Männern und Kindern Dass ihr Schrei in die Luft nicht gehört wurde und der Schrei ihrer Mütter nicht gehört wird.

Der Schrei der Mütter Bei Hubschrauberkatastrophen Bei unnötigen Schlachten Bei gewaltsamen Operationen Über Nahal Tzafit und das Verbrennen des Karmels, Bei Verkehrsunfällen, Auf diejenigen, die auf Baustellen zu Tode fallen. Über 6326 Corona-Opfer.

Über Opfer von Gewalt durch Polizei, Grenzschutz und Armee in den besetzten Gebieten.

Der Schrei der Mütter sollte die Schwellen eines Landes, einer Heimat und einer Heimat erschüttern,

die unter dem Joch der korrupten Herrschaft zerrissen sind.

# Miron_2021_disease #Israel_Police_Failure

https://www.imahot4.com/

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k-ein-mensch

Künstlerhaus Wien

(K)EIN MENSCH IST EINE INSEL

Von Gemeinschaft und Isolation in der zeitgenössischen Kunst

Soft Opening: Montag 3. Mai 2021 | 18 Uhr

Online-Führung durch die Ausstellung.

mit Kurator Günther Oberhollenzer und Co-Kuratorin Larissa Agel

Präsidentin Tanja Prušnik begrüßt die Gäste.

Künstler*innen:

Künstler*innen:Katharina Acht, Anke Armandi, Stella Bach, Nora Bachel, Christian Bazant-Hegemark, Isabel Belherdis, Fritz Bergler, Barbara Bernsteiner, Martin Bruch, Pablo Chiereghin, Linda Christanell, Asta Cink, Alessio Coloni, Rudi Cotroneo, Peter Dworak, Gernot Fischer-Kondratovitch, Alfred Graf, Robert Hammerstiel, Maria Hanl, Matthias Klos, Nikolaus Korab, Matthias Lautner, Barbara Luisi, Sissa Micheli, Margot Pilz, Michaela Putz, Reiner Riedler, Thomas Riess, Rosa Roedelius, Stylianos Schicho, Michaela Schwarz-Weismann, Marielis Seyler, Kurt Spitaler, Evelin Stermitz, Egon Straszer, Walter Strobl, Judith Wagner, Elisabeth Wedenig, Josef Weichenberger, Heliane Wiesauer-Reiterer, Laurent Ziegler, Greta Znojemsky

Kuratiert von Günther Oberhollenzermit Co-Kuratorin Larissa Agel.

Ausstellung: 04.05. – 08.08.2021

Mo-So: 12-18 Uhr

Obergeschoß, Karlsplatz 5, 1010 Wien

https://www.k-haus.at/besuch/kalender/veranstaltung/1062/k-ein-mensch-ist-eine-insel.html

(K)EIN MENSCH IST EINE INSEL ist die erste große Mitgliederausstellung seit den 1990er Jahren. Sie veranschaulicht das kreative Potenzial aber auch die Diversität und Pluralität der Künstler*innen des Künstlerhausvereins.Die Ausstellung erzählt von Gemeinschaft und Isolation in der zeitgenössischen Kunst und zeigt Arbeiten von Künstler*innen, deren Entstehung bisweilen Jahre zurückliegt, deren Motive und Sujets aber gegenwärtiger denn je sind. Es überrascht, wie stark die Eindrücke und Erlebnisse des letzten Jahres unseren Blick konditionieren und die Kunstwerke eine neue Beachtung erlangen, eine neue Lesart erfahren. Dem gegenüber stehen aktuelle Arbeiten, die unter dem Eindruck der letzten Monate entstanden sind.

https://www.facebook.com/events/164171308932691/

Wie kann sich eine Kunstausstellung einem so einschneidenden Ereignis wie der Corona-Pandemie annähern? Wie wird in der Kunst darüber reflektiert, darauf reagiert? Jenseits des tagespolitischen Geschehens versucht (K)EIN MENSCH IST EINE INSEL grundsätzliche Fragestellungen des menschlichen Zusammenlebens in den Mittelpunkt zu stellen, die durch Corona verstärkt in den Fokus rücken oder auch neu verhandelt werden: die Rolle der Gesellschaft und des einzelnen Individuums, der soziale Rückzug und die Selbstreflexion, die Einsamkeit und Vereinsamung, das sich Verhüllen und Maskieren… all das sind Themen, die Künstler*innen immer wieder reflektiert und in Werken behandelt haben. In Zeiten von „Social“ bzw. „Physical Distancing“ haben diese an Aktualität gewonnen.

Die Ausstellung erzählt von Gemeinschaft und Isolation in der zeitgenössischen Kunst und zeigt Arbeiten von Künstler*innen, deren Entstehung bisweilen Jahre zurückliegt, deren Motive und Sujets aber gegenwärtiger denn je sind. Es überrascht, wie stark die Eindrücke und Erlebnisse des letzten Jahres unseren Blick konditionieren und die Kunstwerke eine neue Beachtung erlangen, eine neue Lesart erfahren. Dem gegenüber stehen aktuelle Arbeiten, die unter dem Eindruck der letzten Monate entstanden sind.

KÜNSTLERHAUS FROM HOME

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Julian Palacz_HWCar21

FORUM STADTPARK

Julian Palacz
HANDLE WITH CARE

Soft Opening
Freitag, 7. Mai 2021 | 14-19 Uhr

Kuratiert von zweintopf

Ausstellung: 8. Mai to 5. Juni 2021

Fr, 07.05. – Sa, 05.06., Di-Fr 14 – 19 Uhr, Sa 11 – 16 Uhr
Di-Fr 14-19 Uhr / Sa 11-16 Uhr
Stadtpark 1, 8010 Graz

http://www.forumstadtpark.at/index.php?idcatside=1478

Julian Palacz, der sich in seiner künstlerischen Praxis vornehmlich mit der Macht und Mechanik von Überwachung auseinandersetzt, ändert für »HANDLE WITH CARE« im Forum Stadtpark seine Prämisse.
Statt Überwachung aufzuzeigen, wird er selbst zu jener Instanz, die ungefragt aufzeichnet und dokumentiert, indem er mit Kameras und Mikrofonen präparierte Sendungen verschickt. Das Ergebnis ist ein wertfreier Blick hinter die Kulissen des Versandsystems. Nur auf den ersten Blick zeigen die imposanten Bilder eine rhythmische Choreografie; bei näherer Betrachtung aber offenbart sich ein Regime strenger Effizienz, in dem kaum noch Menschen Platz haben.

Julian Palacz’s artistic practice is primarily focused on the power and mechanics of surveillance. »HANDLE WITH CARE« at Forum Stadtpark changes this premise.  Instead of exposing surveillance he becomes the subject that secretly records and documents by mailing parcels equipped with cameras and microphones. The result is a neutral look behind the scenes of the shipping system. Only at first glance do the striking images reveal a rhythmic choreography. A closer look however reveals a regime of strict efficiency in which there is hardly any human labour.

Kuratiert von zweintopf

Julian Palacz *1983 in Leoben, studierte Digitale Kunst bei Peter Weibel und Virgil Widrich. In seinen Arbeiten widmet er sich einer poetischen Aufbereitung von Daten, die im Hintergrund unseres digitalen Alltags automatisch gesammelt und dabei nur selten unverschlüsselt sichtbar werden. Er lebt und arbeitet in Wien.

HANDLE WITH CARE
Opening: 7.5.2021 · 14 pm
Forum Stadtpark
Stadtpark 1, Graz, AT

https://julian.palacz.at/en/

http://www.forumstadtpark.at/index.php?idcatside=1478&kat=ausstellung

Konrad Prissnitz

Of Julian Palacz and Visual Hacking

Palacz’s aesthetics are always decent and elegant. His works are withdrawn and moreover somewhat sullen; one could almost assume that they are ashamed of the beauty of their existence, whereby they are only part of their origins. Even worse, they reveal themselves as a recycled product of only a part of a product, but have nothing to do with environmental protection. Palacz’s visualised precision mirrors the irony of their concepts, he does this quite automatically, if not fully automated.

Flows inspire Palacz. Almost always quiet ones, but definitely not just a flow of data, and never easy or trendy ones. It can also be flows of behaviour. How do people use a striking area to light matches with on a picture plane that he has pre-prepared?
How does a painter strike a match over Palacz’s model before he lights a cigarette or his oven. And what is achieved by these strikes? Maybe it is the attraction of the coincidental that Palacz knows how to provide. He doesn’t influence its course, but rather allows himself to be curious about the results of the coincidence he has predetermined. Palacz’s test assemblies could also have been constructed from a technical viewpoint, which is the reason behind their legitimacy, as well as the strength of his work.

Published in nevertheless — www.nevertheless.at

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