Fondazione Prada’s Cinema



16 December 2022 – 20 January 2023

Largo Isarco, 2, 20139 Milan

Fondazione Prada’s project “Soggettiva” has so far explored the biographies, the hidden passions and the imagery of movie directors and artists. The last chapter is titled “Soggettiva Bernardo Bertolucci: Doppia Autobiografia”, a film program curated by Francesco Casetti in collaboration with Fondazione Bernardo Bertolucci.

The program aims to identify specific connections and cross-references between nine films by Bertolucci directed between the 1960s and the 1970s and as many feature films by Italian and international authors such as Pier Paolo Pasolini, Jean-Luc Godard, Agnès Varda, Mario Schifano, John Ford, Jean Renoir, Max Ophüls, Aleksandr Dovzhenko and Douglas Sirk. Each of the Italian director’s nine movies – from the debut work La commare secca (1962) to La Luna (1979) – is associated with a film by another filmmaker akin or accomplice to him, even if distant in time.

The project will be anticipated by an open talk that will take place at the Fondazione’s Cinema on Friday, 16 December, at 8 pm. It features Francesco Casetti and Sterling Professor of Humanities and Film and Media Studies at Yale University, Alberto Barbera, Director of the Venice International Film Festival, and Paola Malanga, Artistic Director of Rome Film Fest.

Bernardo Bertolucci (Parma, 1941 – Rome, 2018) was a cinephile filmmaker. For this reason, his work can also be interpreted as the result of reciprocal exchanges and continuous comparisons with authors he looked up to with enthusiasm, admiration and challenge. “Soggettiva Bernardo Bertolucci” reveals, as its subtitle states, a “double autobiography”. According to Francesco Casetti, it “seeks to re-establish otherwise hidden dynamics, assuming small borrowings, long-distance dialogues, stylistic reversals and shared obsessions”.

PARTNER 1968, 105’

Original Italian version

30 DECEMBER 2022 | 7 PM

UMANO, NON UMANO 1969, 98’

Original Italian version

30 DECEMBER 2022 | 9 PM

PARTNER 1968, 105’
Original Italian version

Director: Bernardo Bertolucci
Screenplay: Bernardo Bertolucci, Gianni Amico
Cast: Pierre Clémenti, Stefania Sandrelli, Sergio Tofano
Country: Italy
Distribution: Cinecittà


Original Itanlian version

6 JANUARY 2023 | 7 PM


1962, 122’ Original English version

6 JANUARY 2023 | 9 PM

1970, 100’
Original Itanlian version

Director: Bernardo Bertolucci
Screenplay: Eduardo De Gregorio, Bernardo Bertolucci, Marilù Parolini
Cast: Giulio Brogi, Alida Valli, Pippo Campanini
Nation: Italy
Distribution: Rai Cinema – copia da/copy by Cineteca di Bologna


Original Italian version

7 JANUARY 2023 | 7 PM


(LA RÈGLE DU JEU) 1939, 110’

Original French version with English subtitles

7 JANUARY 2023 | 9 PM

1970, 112’
Original Italian version

Director: Bernardo Bertolucci
Screenplay: Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli
Cast: Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli, Dominique Sanda
Country: Italy, France, Germany
Distribution: Minerva Pictures and Raro Video Channel


Original English and French version with Italian subtitles

13 JANUARY 2023 | 7 PM

LA RONDE 1950, 95’

Original French version with Italian subtitles

13 JANUARY 2023 | 9.30 PM

1972, 136’
Original English and French version with Italian subtitle

Director: Bernardo Bertolucci
Screenplay: Franco Arcalli, Bernardo Bertolucci
Cast: Marlon Brando, Maria Schneider, Jean-Pierre Léaud
Country: Italia, Francia
Distribution: PEA Films Inc. – copy from CSC Cineteca Nazionale

1900 1976, 310’ Original Italian version

14 JANUARY 2023 | 3 PM

EARTH (ZEMLJA) 1930, 96’

Silent version with Russian intertitles and English subtitles

14 JANUARY 2023 | 9 PM

1900 -1976, 310’
Original Italian version

Director: Bernardo Bertolucci
Screenplay: Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli, Giuseppe Bertolucci
Cast: Robert De Niro, Gérard Depardieu, Burt Lancaster
Country: Italy, France, Germany
Distribution: Cineteca di Bologna



20 JANUARY 2023 | 7 PM



20 JANUARY 2023 | 9.30 PM

16 December 2022 – 20 January 2023

Largo Isarco, 2, 20139 Milan


1959, 124’
Original English version

Director: Douglas Sirk
Screenplay: Eleanore Griffin, Allan Scott
Cast: Lana Turner, John Gavin, Sandra Dee
Country: USA
Distribution: Park Circus – Universal

Director: Douglas Sirk
Screenplay: Eleanore Griffin, Allan Scott
Cast: Lana Turner, John Gavin, Sandra Dee
Country: USA
Distribution: Park Circus – Universal



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Arte Fiera 2023



Thursday 2 February 2023 | 11 AM – 12 N


Thursday 2 February 2023 | 12 N – 5 PM


Thursday 2 February 2023 | 5 PM – 9 PM

VIPs FRIDAY 3 FEBRUARY 2023 | 11 AM – 12 N

12 N – 8 PM open to the public


ART CITY White Night 2023

SATURDAY, 4. FEBRUARY 2023 | 20 pm

SUNDAY 5 FEBRUARY 2023 | 11 AM – 8 PM

3 – 5 February 2023

Bologna Fair District, Halls 25 and 26

Costituzione Entrance


Main Section – Photography and Moving Images –

Pittura XXI – Multipli – Publishing bookstores, art periodicals


Tradition and new course

Arte Fiera – Italy’s very first modern and contemporary art fair – has always embraced change, keeping abreast of developments.

The next edition of Arte Fiera (3 to 5 February 2023) is no exception. Among the many new features is the new position of Managing Director entrusted to Enea Righi, a well experienced manager and one of the most important art collector in Italy.

The major changes planned include the layout of the exhibition booths and communal areas, further services made available to gallerists and collectors, and improved catering in the fair grounds and VIP area. A general re-design of the exhibition will offer visitors an even more enjoyable, engaging experience.

Arte Fiera will be held on the traditional dates in Halls 25 and 26, the longstanding home of this event. Easily accessible on foot from the main entrance, Piazza della Costituzione, the two Benevolo pavilions – to be partly refurbished for the trade show – are considered the most elegant and recognisable of the Bologna Exhibition centre.

A big fair: more artists and new sections

Arte Fiera’s design concept has also undergone major changes.

Without jeopardizing overall excellence of exhibitors’ proposals, it will now be possible to present more artists, while the large stands will have no restrictions on the number of artists that can be displayed. The aim is to significantly expand the range of artists and works on offer in light of increased investment on the collectors.

The Main Section – as always, dedicated to historic and contemporary art – will be flanked by three curated, invitation-only sections: Photography and Moving ImagesPittura XXI, and a new area called Multiples, open to both galleries, publishers and specialised bookshops exhibiting selected editioned artworks.


4th edition, Pittura XXI is a panorama of 21st-century painting from Italy and around the world, including both emerging and mid-career artists.

Curated by critic and independent curator Davide Ferri.


Photography and moving images

has become a reference point for photography collectors and enthusiasts. The medium is considered from a wide-ranging perspective, in dialogue with other media, especially video. The section has been assigned for the first time to Giangavino Pazzola, curator of Camera – Centro Italiano per la Fotografia (Turin).


another new section, is devoted to all types of works in edition, especially books.
Curated by Lisa Andreani e Simona Squadrito, founders of REPLICA – Archivio Italiano del Libro d’Artista, Multiples includes galleries as well as specialized bookshops and publishers, united by the shared concept of democratic collecting in harmony with the traditionally public and inclusive nature of Arte Fiera.

ART CITY White Night,

Saturday 4 February 2023

The fair will also renew its partnership with ART CITY, Bologna’s Art Week circuit. The 2023 edition of Arte Fiera will offer its customary program of shows and events coordinated by Lorenzo Balbi, direc- tor of MAMbo- Museo d’Arte Moderna di Bologna.

ART CITY White Night 2023

SATURDAY, 4. FEBRUARY 2023 | 20 pm

Bologna, Italia

Of course, there will also be ARTCITYWhiteNight, one of the year’s most popular events. On Saturday 4 February, many sites of the ART CITY Bologna circuit, as well as galleries, independent exhibition spaces, historical buildings, and shops will stay open until midnight.

Contemporary art invades Bologna during Arte Fiera: a peaceful joyful invasion of exhibitions and performances, happenings and events.

Like every year, ART CITY White Night descends on Bologna on the Saturday evening. Just after the art fair closes, tens of thousands of art enthusiasts will be able to choose from a vast range of things to see and places to go in public and private venues of all kinds.

For the special feature right from the start of ART CITY White Night has been to make art available not in galleries and museums but also in everyday places like shops, bistrots and bars.

Save the date: 4 February 2023

Everyone is invited! No exceptions!

ART CITY White Night is a programme devised by BolognaFiere in partnership with the Municipality of Bologna and the cultural and commercial operators of the city



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On Stage. Kunst als Bühne

Presse: Dienstag, 14. März 2023 | 10 Uhr

Eröffnung: Dienstag, 14. März 2023 | 19 Uhr

Kuratiert von Rainer Fuchs

Ausstellung: 15. März 2023 – 14. Jänner 2024

Dienstag – Sonntag: 10 -18 Uhr

Museumsplatz 1, A-1070 Wien

Cindy Sherman Untitled # 464, 2008

Die Ausstellung On Stage widmet sich den variantenreichen Formen des Bühnenhaften und des Rollenspiels in der Kunst seit den 1960er-Jahren. Im Kontext einer traditionskritischen Neoavantgarde kamen damals verstärkt performative und aktionistische Kunstformen auf, die den Künstler*innen – oft vor versammeltem Publikum – bühnenartige Präsenz verliehen. Dazu zählte die von Hermann Nitsch praktizierte Aufführungsform des Orgien Mysterien Theaters sowie wie die Auftritte der Wiener Gruppe, deren literarisches Cabaret in der Tradition des dadaistischen Theaters steht, oder die Fluxus-Bewegung mit ihrem medialen Crossover. Diesen männerdominierten Kunstrichtungen gegenüber etablierte sich eine feministische Szene, in der die Auswirkungen patriarchaler gesellschaftlicher Hierarchien auf geschlechtliche Rollenbilder dargestellt und kritisch hinterfragt wurden, wie z. B. bei Geta Brătescu, VALIE EXPORT, Sanja Iveković oder Gina Pane. Sie bilden die historische Basis für eine Kunst der Auftritte und Rollenspiele, die bis in die Gegenwart fortdauert. Die Ausstellung On Stage. Kunst als Bühne zeigt ca. 150 Werke und Werkserien, die vorwiegend aus der mumok Sammlung stammen.


Adam Pendleton. Blackness, White, and Light

Presse: Mittwoch, 29. März 2023 | 10 Uhr

Eröffnung: Donnerstag, 30. März 2023 | 19 Uhr

Kuratiert von Marianne Dobner

31. März – 3. September 2023

Dienstag – Sonntag: 10 -18 Uhr

Museumsplatz 1, A-1070 Wien

Adam Pendleton Untitled (Days), 2022
Silkscreen ink on canvas Courtesy der Künstler

2023 präsentiert das mumok die erste umfassende, europäische Einzelausstellung des in New York lebenden Künstlers Adam Pendleton. Pendleton entwickelt seine Malerei in Form eines fortlaufenden Indexes, der Gesten registriert, transponiert und überschreibt. Seit 2008 organisiert der Künstler einen Großteil seiner Arbeit unter dem Begriff Black Dada, einem Konzept, mit dem er eine sich beständig fortschreibende Untersuchung des Verhältnisses von Blackness, Abstraktion und Avantgarde bezeichnet. In Pendletons Malerei, seinen Zeichnungen sowie weiteren Arbeiten wird eine visuelle Philosophie des unabgeschlossenen Postulats sicht- und spürbar. Unterscheidungen wie die zwischen Lesbarkeit und Abstraktion, Vergangenheit und Gegenwart, vertraut und fremd werden dabei eingeebnet.

Kuratiert von Marianne Dobner


Agnes Fuchs. Her Eyes were Green

Presse: Mittwoch, 29. März 2023 | 10 Uhr

Eröffnung: Donnerstag, 30. März 2023 | 19 Uhr

Kuratiert von Franz Thalmair

Ausstellung: 31. März – 3. September 2023

Dienstag – Sonntag: 10 -18 Uhr

Museumsplatz 1, A-1070 Wien

Agnes Fuchs rekonfiguriert mit den Mitteln der Malerei, mit Videos und Installationen wissenschaftlich-technologische Instrumentarien und Vorgänge, die für die Herausbildung aktueller digitaler Technologien verantwortlich sind. Als Ausgangspunkt für ihre Arbeiten dienen Fuchs dabei Bedienungsanleitungen, Funktionsbeschreibungen und Handbücher für Oszilloskope, Computer, Stromversorgungsgeräte oder Messvorrichtungen. Sie analysiert die kulturellen Implikationen dieser Vermittlungsmedien und setzt sich so in ihrer künstlerischen Praxis mit der Aneignung eines historischen Feldes auseinander, sowie mit den Nachbildern, die dieses Feld bis heute produziert.

Zentral dabei ist, dass die Künstlerin nicht nur die technologischen Geräte an sich, sondern ihre bereits medial vermittelten Formen als Ausgangsmaterial verwendet und transformiert. Agnes Fuchs malt Bilder, die im kollektiven Gedächtnis gespeichert sind und (nicht immer offensichtlich) zirkulieren. Durch die Materialität der Malerei stellt sie ein sensorisch physisches Erleben dem digitalen Schein oder der Virtualität zirkulierender Bilder und Narrative entgegen.



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Vertical Gallery



ab 21 March 2023

Curator: Gabriele Schor

EXHIBITION: March 21–July 29, 2023

Am Hof 6a, 1010 Vienna…

The Art of Transformation

Using her own body as raw material for her artistic practice, French artist ORLAN deconstructs the traditional iconography of the feminine. In the 1990s, ORLAN caused a sensation with surgical operations performed on her body, but it was as early as 1964, at the age of 17, that she gave birth to her artistic self. Since then, she has continuously recreated herself and keenly explored the concept of identity. In her “carnal art,” the body becomes both subject and object. This publication traverses the six decades of ORLAN’s oeuvre, revisiting her early performances in particular. One of her most recent creations is the ORLAN-OÏDE robot, and thanks to an augmented reality app, ORLAN avatars come to life and emerge from this richly illustrated volume. The political status of the body is made evident through all of her works: in 1989 she transformed Gustave Courbet’s famous painting L’origine du monde into L’origine de la guerre by replacing the vulva with the phallus. The statement has not lost any of its topicality.

Self-Hybridation Opéra de Pékin n°1, 2014
(c) ORLAN / Courtesy Gallery Ceysson & Bénétière, Paris / Bildrecht, Wien 2022 / SAMMLUNG VERBUND, Wien

ORLAN (*1947, Saint-Étienne) is one of the most noteable representatives of the feminist avant-garde and performance art as well as the founder of L’Art Charnel (carnal art). The French artist has been using her own body as artistic material for six decades. She lives and works in Paris.

ORLAN (*1946, Saint Etienne, France) is one of the most important representatives of the Feminist Avant-Garde, performance art and founder of L’Art Charnel (Carnal Art). She has been using her own body as artistic material for six decades.

Her surgical performances in the 1990s caused a great sensation. Her early work, on the other hand, is hardly known. For this reason, the retrospective exhibition of the VERBUND COLLECTION places a special focus on the works of the 1960s and 1970s, as well as on the following decades up to the present day. 

The exhibition catalogue is the first German-language publication on ORLAN’s work with an English translation and is published by Hatje Cantz, Berlin.

Vertical Gallery




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Haus der Geschichte Österreich

Das Lichtermeer 1993

Ein prägendes Zeichen der Zivilgesellschaft

ab 19. Jänner 2023 im Web und im Foyer

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien

Titel: Lichtermeer Credit: Lukas Beck

30 Jahre nach der größten Demonstration der Zweiten Republik präsentiert das Haus der Geschichte Österreich in seinem Foyer besondere Objekte des Lichtermeers und ruft im Web dazu auf, die eigenen Erinnerungen beizutragen. Am 23. Jänner 1993 versammeln sich rund 300.000 Menschen auf dem Wiener Heldenplatz und in verschiedenen Landeshauptstädten, um ein Zeichen gegen Rassismus und Ausgrenzung zu setzen. Den konkreten Anlass für das Lichtermeer bildet das von der FPÖ im Herbst 1992 angekündigte Volksbegehren „Österreich zuerst“. Es fordert einen Einwanderungsstopp und Gesetze, die Migrant*innen diskriminieren.

Entwickelt wird die Veranstaltung mit dem Untertitel „Ereignis der wunderbaren Art“ von einer kleinen Gruppe an Personen. Ihnen gelingt es, eine breite zivilgesellschaftliche Bewegung in Gang zu setzen, die von Einzelpersonen und Gruppierungen aus nahezu allen politischen Lagern getragenwird. Dieser Zusammenschluss von kirchlichen genauso wie linken Gruppierungen und solchen aus der politischen Mitte ist 1993 etwas völlig Neues in der politischen Kultur Österreichs. Die Bewegung beschränkt sich nicht allein auf die Kritik am Volksbegehren: Sie thematisiert rassistische Tendenzen in der Gesellschaft allgemein und kritisiert die Verschärfung der Gesetzeslage speziell für Migrant*innen während der rot-schwarzen Bundesregierung.

Als bis heute größte Demonstration der Zweiten Republik setzt das Lichtermeer ein wichtiges Zeichen: Dadurch, dass weit mehr Menschen teilnahmen als bei der „Anschluss“-Kundgebung 1938, bekommt der Heldenplatz eine neue Bedeutung als Platz der demokratischen Zivilgesellschaft.

Haus der Geschichte Österreich

Ende der Zeitzeugenschaft?

27. Jänner–3. September 2023

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien


Haus der Geschichte Österreich

Wir bauen um – und sind weiterhin für Sie da!

30. Jänner -13. März 2023

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien

Titel: Ende der Zeitzeugenschaft Grafik: Thomas Matt / atelier stecher

Die Ära der Zeitzeug*innen des Holocaust geht ihrem Ende entgegen. Nur noch wenige Überlebende der NS-Herrschaft können aus eigener Erfahrung sprechen – oder von jenen Menschen berichten, die im Holocaust ermordet wurden. Was bleibt, sind neben literarischen Zeugnissen auch unzählige Video- und Audiointerviews der Überlebenden – sowie die Frage, wie Gesellschaften in Zukunft mit dieser Erbschaft umgehen wollen.

Die Ausstellung „Ende der Zeitzeugenschaft?“, die ab dem 27. Januar 2023 im Haus der Geschichte Österreich am Alma Rosé-Plateau zu sehen ist, erkundet die komplexe Beziehung zwischen Zeitzeug*innen und Interviewer*innen. Sie hinterfragt die „Gemachtheit“ der Zeitzeug*inneninterviews und deutet verschiedene Formen erzählter Erinnerung und ihre gesellschaftliche Rolle seit 1945 vor dem Hintergrund der aktuellen Veränderungen nicht nur neu, sondern thematisiert auch Ansätze zu einem zukünftigen, reflektierten Umgang mit Zeugnissen.

Ende der Zeitzeugenschaft? ist eine Ausstellung des Jüdischen Museums Hohenems und der KZ-Gedenkstätte Flossenbürg in Zusammenarbeit mit dem Haus der Geschichte Österreich.

Haus der Geschichte Österreich

Chancen einer Zeitenwende:

Einblicke in die Anfangsjahre der Republik

zugänglicher Bereich der hdgö-Hauptausstellung

31. Jänner – 14. März 2023

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien

Klaus Pichler / hdgö

Im Herbst 1918 beginnt eine neue Ära. Die Herrschaft der Habsburger ist nach über 600 Jahren zu Ende. Auf dem Gebiet der ehemaligen Monarchie werden viele neue Staaten gegründet. Einer davon ist „Deutsch-Österreich“ – eine demokratische Republik, die verspricht, allen Menschen die gleichen Rechte zu geben. Von einem Tag auf den anderen kann auch jede Frau als Staatsbürgerin politisch mitbestimmen. Der Staat kontrolliert nun nicht mehr durch Zensur, was gesagt oder geschrieben werden darf, und verbietet die Todesstrafe. Es entsteht eine Republik vieler Chancen, die aber oft ungenützt bleiben.

Untrennbar verbunden ist dieser Anfang mit dem Ende des Ersten Weltkriegs, in dem modernste Technik zum massenhaften Töten eingesetzt wurde. Millionen Menschen sind gestorben, die Überlebenden schwer gezeichnet. Die Bevölkerung ist schlecht versorgt, weil die Wirtschaft lange nur dem Krieg gedient hat. Transporte von Truppen verbreiten ein Virus in der ganzen Welt und lösen mit der „Spanischen Grippe“ die erste Grippe-Pandemie aus.

Haus der Geschichte Österreich

Erinnern: Die Gegenwart der NS-Vergangenheit

Ab 15. März 2023 neu in der Hauptausstellung

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien

Titel: Filzsterne_Erinnerung Credit: Markus Guschelbauer / hdgö

1945 befreien die Alliierten Österreich und stellen das Land bis 1955 unter ihre Verwaltung. Lange stellt sich Österreich als „erstes Opfer“ des Nationalsozialismus dar. Verschwiegen wurde, wie viele Österreicher*innen das Regime unterstützt hatten oder an NS-Verbrechen beteiligt gewesen waren. Das NS-Gedankengut und die ehemaligen Anhänger*innen des Nationalsozialismus wirken lange in die Zweite Republik nach. Die tatsächlichen Opfer des NS-Regimes bleiben dagegen oftmals ungehört oder werden sogar weiter diskriminiert.

Heute steht die Mitverantwortung Österreichs an NS-Verbrechen außer Streit. Angesichts der Krisen der letzten Jahre verbreiten sich rechtsextreme Ideologien aber wieder vermehrt in weiten Teilen der Gesellschaft. Im neu gestalteten Themenbereich der Hauptausstellung zeigt das hdgö, dass die Auseinandersetzung mit der NS-Vergangenheit ein laufender Prozess ist, der sich nicht abschließen lässt. Die zentralen Fragen stellen sich immer wieder neu: Was bedeutet Erinnern an den Nationalsozialismus? Welcher Handlungsbedarf ergibt sich daraus für die Gegenwart?

Haus der Geschichte Österreich.

Und was hat das mit mir zu tun?

3. – 6. Juni 2023

Ein Projekt des Dschungel Wien in Kooperation

mit dem Haus der Geschichte Österreich.

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien

Titel: Theater_Klub_und_hdgö Credit: Kämmerer

Die Besetzung der Hainburger Au, Johanna Dohnal als erste Frauenministerin, das Lichtermeer am Heldenplatz – wer hat für die Rechte gekämpft, die sich heute selbstverständlich anfühlen? Welche Beziehung haben Jugendliche zu den letzten 100 Jahren österreichischer Geschichte?

Gemeinsam begeben sich der Theater:Klub am Dschungel Wien und das Haus der Geschichte Österreich in einen theatralen Forschungsprozess: Im hdgö, lassen sich die jungen Schauspieler*innen durch die Exponate irritieren, sie recherchieren, dokumentieren und interviewen – der Frage nach der Relevanz dicht auf den Fersen. Die entstandenen Performances sind am 3.6./4.6./ 5.6. und 6.6. im hdgö zu sehen, wenn die Vorstellungen im Museum selbst jeweils um 18.30 Uhr beginnen.

Ein Projekt des Dschungel Wien in Kooperation mit dem Haus der Geschichte Österreich.

Haus der Geschichte Österreich

Bewegtes Museum 2023: Im Gespräch am Heldenplatz

August/September 2023

Kommen Sie vorbei und diskutieren Sie mit!

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien

Titel: Bewegtes Museum: Credit: Lorenz Paulus / hdgö

Der Heldenplatz steht für vieles: Er ist ein Ort von historischer Bedeutung und Erinnerung, ein Ort der Zivilgesellschaft und von Demonstrationen, ein Ort des Alltags und der Freizeit. Das hdgö nimmt den Heldenplatz und seine vielen Facetten regelmäßig in den Blick: Hier verdichten sich Vergangenheit und Gegenwart, gesellschaftliche Verhältnisse im Großen wie im Kleinen. 

Mit dem „Bewegten Museum“ ist das Vermittlungsteam des hdgö im Jahr 2023 den dritten Sommer am Platz und kommt dabei ins Gespräch: Es geht um die Geschichte des Platzes seit Anfang des 20. Jahrhunderts – aber auch um seine Gegenwart und Zukunft.  

Haus der Geschichte Österreich

Keine Leerstellen mehr: Vielfalt ist Teil der Geschichte

ab 26. Oktober 2023

zur Gegenwart und Geschichte der österreichischen Volksgruppen

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien


Österreich ist vielsprachig: Die historischen Volksgruppen haben die Geschichte Österreichs seit langem geprägt und kommen trotzdem viel zu selten vor. Gemeinsam mit den sechs gesetzlich anerkannten Volksgruppen entsteht eine Video-Serie im Web. Zugänglich werden damit neue Blickwinkel auf die Vergangenheit, die bis dahin im Schulunterricht, Büchern und Fernsehdokumentationen zur Geschichte Österreichs fehlten. 

In Veranstaltungen der Reihe #nachgefragt lädt das hdgö während des ganzen Jahres zur Auseinandersetzung mit der Vergangenheit und den aktuellen Forderungen der Burgenland-Kroat*innen, der Burgenland-Ungar*innen, der Kärntner Slowen*innen, der Rom*nija, der Wiener Slowak*innen und der Wiener Tschech*innen ein.

Zusätzlich wird der Audio-Guide „Demokratie als Prozess“ – in die sechs Sprachen der Vollsgruppen von diesen übersetzt.

Öffnungszeiten Besuch

Dienstag–Sonntag 10–18 /Donnerstag 10–21

Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien



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galleria metroquadro

Gianluca Capozzi


fino al 12 novembre 2022

A cura di Andris Brinkmanis

15.09.2022 – 12.11.2022

Corso San Maurizio 73/F Torino

Gianluca Capozzi: The Severed Garden

The square overlooking the harbor – this is perhaps the best way to express it – was like a palette on which my imagination experimentally mixed things; irresponsibly, if you will, and yet just in the way a great painter looks at his palette as an instrument.

/W. Benjamin, Minutes on an experiment with hashish, “September 29, 1928. Saturday, Marseille”/

With his solo exhibition Il Giardino Reciso (The Severed Garden), Gianluca Capozzi (1973, Avellino) returns to Turin, at the metroquadro gallery, with a new constellation of artistic works, assembled in dialogue and under the curatorship of Andris Brinkmanis (1978, Riga). The title, loosely inspired by a late poem by Jim Morrison, also recorded on a posthumous record with instrumental accompaniment by his band, here takes on a more connoted meaning.

Capozzi, starting from his research on psychedelia, a theme that has interested him for years, and drawing inspiration from South American magical thought, Eastern thought, and the discoveries of quantum physics, builds complex and well-articulated pictorial universes, though not immediately decipherable.

Starting from the observation and deconstruction, of the supposed objectivity of rational logical thought, Gianluca Capozzi, through his artistic intervention, enacts a kind of decomposition of the real and the visible. Overlaying multiple visual and temporal registers, the artist projects us to the deepest part of reality, for the knowledge of which, following the logic of Buddhism and other esoteric cultures of his interest, we already have all the innate tools, but which we no longer know how to access, which we no longer know how to use. We perceive nothing but an insuperable constitutive opacity. We remain locked in autistic domination of our Ego, disproportionate individualism, chronic neoteny, identity politics, ideologies of pleasure, memory, and thought — and all this leads us to develop a series of destructive attitudes toward ourselves, and other life forms, and the environment in general.

The crumbling of the perception of reality, which we see in some of the works on display, precisely, comes not only from his theoretical reflections but also from experiences with expanded states of consciousness through deep meditation and other practices, following which it is possible to access more subtle planes of reality, to see how our daily life is basically nothing more than a kind of Chinese shadow theater. A projection, as in the cave described by Plato himself. A thousand veils cloud our vision, from which we no longer know how to free ourselves. Our memory by collecting various imprints, traumas, wounds, pleasures, and emotions into a vast whole, builds what we define as the “Ego,” which is then further conditioned by social and political factors. This, also becomes almost the only tool through which we navigate and read reality. Thus, we learn membership in a defined language, state, nation, gender etc. And we hold on to this construct until our demise.

As Capozzi proposes instead, “New findings in quantum physics show us how reality is not what forms consciousness, but how instead it is consciousness that forms reality. How we live in a kind of entangled network of potentialities. The quantum world appears classical, not because of the macroscopic nature of the measuring apparatus, but because we, as observers, are part of the world we observe. The observer in some sense is the observed. To understand this complex thinking, one proposal would be to use the de-coherence method.”

Painting, here, not surprisingly still turns out to be the most effective medium to be able to represent and make understandable phenomena of such complexity and richness, as these remain beyond the reach of current technological means and our linear historical logic.

What, then, is the Garden that the exhibition is about? If for Morrison the garden with the cut flowers was the one resembling a cemetery, for Capozzi perhaps it means just the opposite, as it remains pregnant with the possibility of flourishing again. Although currently severed following the dominant aesthetic, social and political canons, this Garden can flourish wildly again as soon as it is left intact or unconditioned for a period of time.

Thus, it is not intoxication that is the phenomenon that fascinates the artist, but the expansion of consciousness as a kind of means of being able to find ways of a new awareness, such as can enable us to get through that “visual noise” to which we are constantly subjected. Thus upon awakening, perhaps, the opacity of contemporary capitalism, may appear less dense, allowing one to see clearly the mechanisms of its workings and leaving the possibility of turning away from them and its ideology as one possible world, finding alternatives that do not belong to that rhetoric.

Andris Brinkmanis




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Presse: Donnerstag, 3. November 2022 | 11 Uhr

Dr. Sebastian Baden, Direktor der Schirn

KURATORIN Dr. Ilka Voer­mann

Ausstellung: 4. November 2022 – 19. Februar 2023


Dienstag, Freitag – Sonntag 10–19

Mittwoch und Donnerstag 10–22

Römer­berg 60311 Frank­furt






Marc Chagall, Um sie herum, 1945, Öl auf Leinwand, 131 x 109,5 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Schenkung des Künstlers, 1953, © VG Bild-Kunst, Bonn 2022, Foto: bpk / CNAC-MNAM / Philippe Migeat


4 NOVEMBER 2022 – 19 FEBRUAR 2023

In Marc Chagalls (1887–1985) Werk scheinen der Fantasie keine Grenzen gesetzt. Er gilt als einer der eigenwilligsten Künstler der Moderne. Die Schirn Kunsthalle Frankfurt widmet dem Maler

nach 15 Jahren erstmals wieder eine groß angelegte Ausstellung in Deutschland. „Chagall. Welt in Aufruhr“ beleuchtet vom 4. November 2022 – 19. Februar 2023 eine bislang wenig bekannte Seite seines Schaffens: Chagalls Werke der 1930er- und 1940er-Jahre, in denen sich seine farbenfrohe Palette zunehmend verdunkelt.

Als jüdischer Maler war Chagall immer wieder existenziellen Bedrohungen ausgesetzt, die sich prägend auf sein Leben und sein Werk auswirkten. In den frühen 1930er-Jahren thematisierte er in seiner Kunst den immer aggressiver werdenden Antisemitismus und emigrierte 1941 aufgrund der Verfolgung durch das nationalsozialistische Regime schließlich in die USA. Sein künstlerisches Schaffen in diesen Jahren berührt zentrale Themen wie Identität, Heimat und Exil. Mit rund 60 eindringlichen Gemälden, Papierarbeiten und Kostümen der 1930er- und 1940erJahre zeichnet die Ausstellung die Suche des Künstlers nach einer Bildsprache im Angesicht von Vertreibung, Verfolgung und Emigration nach. Sie präsentiert wichtige Werke, in denen sich Chagall vermehrt mit der jüdischen Lebenswelt beschäftigte, zahlreiche Selbstbildnisse, seine Hinwendung zu allegorischen und biblischen Themen, die bedeutenden Gestaltungen der Ballette Aleko (1942) und Der Feuervogel (1945) im US-amerikanischen Exil, die wiederkehrende Auseinandersetzung mit seiner Heimatstadt Witebsk und Hauptwerke wie Der Engelsturz (1923/1933/1947). In der Zusammenschau ermöglicht die Schirn eine neue und äußerst aktuelle Perspektive auf das Œuvre eines der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts.

Für die Präsentation konnte die Schirn bedeutende Leihgaben aus zahlreichen deutschen und internationalen Museen, öffentlichen wie privaten Sammlungen gewinnen und in Frankfurt

zusammenführen. Zu den Leihgebern zählen u.a. das Kunsthaus Zürich, das Kunstmuseum Basel, The Metropolitan Museum of Art, New York, das Moderna Museet, Stockholm, das Centre

Pompidou, Paris, das Musée national Marc Chagall, Nizza, das Museo de Arte ThyssenBornemisza, Madrid, das The David and Alfred Smart Museum of Art, Chicago, das Stedelijk Museum, Amsterdam, die Tate, London, das Tel Aviv Museum of Art sowie das The Israel Museum, Jerusalem.

Marc Chagall, Jerusalem (Die Klagemauer), 1931, Öl und Gouache auf Leinwand, 100 x 81,2 cm, Privatsammlung, © VG Bild-Kunst, Bonn 2022, Foto: Archives Marc et Ida Chagall

Die Ausstellung „Chagall. Welt im Aufruhr“ wird gefördert durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain und die Ernst Max von Grunelius-Stiftung. Hinzu kommt die Förderung der Bank of

America als Partner der Schirn sowie zusätzliche Unterstützung durch die Georg und Franziska Speyer’sche Hochschulstiftung.

Sebastian Baden, Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt, betont: „Wie eng die oftmals als fantastisch beschriebene Kunst von Marc Chagall mit seiner Lebenswirklichkeit verbunden ist,

zeigt besonders der Blick auf seine weniger bekannten Werke der 1930er- und 1940er-Jahre. Unverkennbar reflektierte Chagall in diesen Gemälden die politische Realität und machte es sich

zum Anliegen, auch ein nicht-jüdisches Publikum zu erreichen und zur Auseinandersetzung mit der Shoah aufzufordern. Anhand des Schaffens eines der bekanntesten Künstler der

europäischen Moderne befasst sich die Schirn mit zentralen Themen wie Flucht und Verfolgung, Heimat und Exil, aber auch der Frage, wie Erfahrungen und Zuschreibungen durch andere die eigene Identität prägen. Damit eröffnet die Ausstellung einen differenzierten und neuen Blick auf das Werk von Chagall, das gegenwärtig eine besondere Aktualität erhält.“

Marc Chagall, Einsamkeit, 1933, Öl auf Leinwand, 102 x 169 cm, Collection Tel Aviv Museum of Art, Schenkung des Künstlers, 1953, © VG Bild-Kunst, Bonn 2022, Foto: Tel Aviv Museum of Art

Ilka Voermann, Kuratorin der Ausstellung, erläutert: „Bei einem genauen Blick auf Marc Chagalls Bilder wird schnell deutlich, dass die in der Rezeption dominierende Vorstellung von dem Künstler als ‚Poet‘ oder ‚Fantast‘ unter den Malerinnen und Malern der Moderne nicht stimmen kann. Chagalls Kunst ist stark in seiner Lebensrealität verwurzelt, die immer wieder durch politische Ereignisse, wie die zwei Weltkriege oder die Novemberrevolution, geprägt wurde. Diese massive Gefährdung nicht nur seiner eigenen Identität, sondern einer ganzen Kultur nimmt er zum Anlass, um gerade in den 1930er- und 1940er-Jahren einige der eindrücklichsten Darstellungen zu den

Themen Krieg, Flucht und Verfolgung der westlichen Kunstgeschichte zu schaffen. Auch für die Einordnung und das Verständnis seines Œuvres sind Chagalls Arbeiten aus dieser Zeit, die weniger bekannt sind als sein Früh- und Spätwerk, sehr bedeutsam.“

Anfang der 1930er-Jahre begann im Schaffen von Marc Chagall ein verstärktes Interesse an jüdischen Themen und eine intensive Auseinandersetzung mit der eigenen jüdischen Identität. Auftakt des Ausstellungsrundgangs bildet das bedeutende Gemälde Einsamkeit, entstanden 1933, dem Jahr der Machtergreifung der Nationalsozialisten in Deutschland. Es zeigt einen Juden in der Pose der Melancholia vor einer brennenden Stadt. Schützend umfasst er eine Thorarolle, während ihm eine Geige spielende Kuh Trost spendet. In dieser Zeit realisierte Chagall im Auftrag des Kunsthändlers Ambroise Vollard auch Illustrationen des Alten Testaments, die ebenfalls in der Schirn zu sehen sind. Vor diesem Hintergrund bereiste er 1931 gemeinsam mit seiner Familie das britische Mandatsgebiet Palästina. Vor Ort entstanden Zeichnungen und Gemälde in einer zeitlosen, für Chagall ungewöhnlich dokumentarischen Ausführung, die sich auf die Darstellung heiliger, jüdischer Stätten wie die Klagemauer sowie Innenräume von Synagogen konzentrieren und das zeitgenössische Leben in Palästina aussparen. Zu sehen sind in der Ausstellung auch Zeichnungen der Synagoge in Wilna (1935), die während einer Reise ins damals polnische Wilna, heute Vilnius, entstanden.

Chagall wechselte immer wieder seinen Lebensmittelpunkt. Im Jahr 1922 verließ er das postrevolutionäre Russland und lebte mit seiner Frau Bella Chagall und der Tochter Ida, nach einem Zwischenaufenthalt in Berlin, ab 1923 in der französischen Hauptstadt Paris. 1941 floh er gemeinsam mit seiner Familie vor der Verfolgung durch die Nationalsozialisten in die USA und kehrte nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs 1948 aus der Emigration nach Frankreich zurück. Anders als in Frankreich, wo einige von Chagalls Arbeiten wie Bonjour Paris (1939–1942) durch typische Landschafts- oder Stadtansichten eine Annäherung an das Land belegen, spiegeln sich die USA in den Werken des Künstlers kaum wider. Vielmehr beschäftigten Chagall die Geschehnisse in Europa und in seiner Heimat. Ein wiederkehrendes Motiv insbesondere der 1930er- und 1940er-Jahre ist seine Heimatstadt Witebsk, u.a. in Die Dorfmadonna (1938‒1942), Der Traum (ca. 1938/39) oder Bei mir zu Hause (1943). Sie wurde für Chagall zum Symbol für die Sehnsucht nach dem verlorenen, zerstörten Zuhause.

Marc Chagall, Krieg, 1943, Öl auf Leinwand, 106 x 76 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Seit 1995 im Depot des Musée d’art moderne de Céret (Céret), Schenkung des Künstlers, 1953, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021, Foto: bpk / CNAC-MNAM / Jacqueline Hyde

Ende der 1930er-Jahre fand Chagall eine Bildsprache für die politischen und persönlichen Ereignisse seiner Zeit in religiösen und vornehmlich christlichen Motiven. Der gekreuzigte Christus

wurde für den Künstler zum zentralen Sinnbild für das Leiden der europäischen Jüdinnen und Juden. In zahlreichen Werken wie Die Kreuzigung in Gelb (1942) oder Apokalypse in Lila, Capriccio (1945) kennzeichnete er Christus durch Attribute wie den jüdischen Gebetsschal (Tallit) oder Gebetsriemen (Tefillin) eindeutig als Juden. Indem er die christliche Ikonografie mit den

jüdischen Symbolen verknüpfte, entwickelte Chagall ein neues Narrativ und stilisierte Christus zu einem jüdischen Märtyrer.

Mit seiner Frau Bella Chagall verband den Künstler eine außergewöhnliche Lebens- und Geistesgemeinschaft. In zahlreichen Gemälden visualisierte er das ikonische Bildmotiv des schwebenden, innig verbundenen Liebespaars. Chagall griff das Paarmotiv in verschiedenen Varianten und Posen auf, als singuläre Figuren, die sich im Bildraum bewegen, häufiger als

Brautpaar, in eine dörfliche Szenerie eingebettet. 1945 entstanden die beiden monumentalen Gemälden Um sie herum und Die Lichter der Hochzeit, in denen Chagall auch seine Trauer um die plötzlich verstorbene Bella zum Ausdruck brachte.

Marc Chagall, Der Engelssturz, 1923/1933/1947, Öl auf Leinwand, 147,5 x 188,5 cm, Kunstmuseum Basel, Depositum aus Privatsammlung, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021, Foto: Martin P. Bühler

Das Werk Der Engelsturz nimmt eine Sonderstellung in Chagalls Werk ein. Über einen Zeitraum von 24 Jahren arbeitete der Künstler in Paris, im US-amerikanischen Exil und wieder zurück in Europa immer wieder an diesem Gemälde. An diesem programmatischen Werk der 1930er- und 1940er-Jahre lässt sich in der Ausstellung anhand von Skizzen die Entwicklung der Bildelemente, die Verdunklung der Farbpalette und Chagalls intensive Auseinandersetzung besonders eindrücklich nachvollziehen. Der Künstler selbst bezeichnete das Gemälde nach 1945 als „das erste Bild der Serie von Vorahnungen“. Die heutige Datierung 1923 – 1933 – 1947 benennt die Vollendungszeitpunkte der drei verschiedenen Fassungen.

Die Schirn beleuchtet auch Chagalls Schaffen während seines Exils in New York. Neben Gemälden sind in der Ausstellung Kostüme aus dem Jahr 1942 für das Ballett Aleko, vertont von

Pjotr Iljitsch Tschaikowski, zu sehen sowie Kostüm- und Vorhangentwürfe für Der Feuervogel zur Musik von Igor Strawinsky aus dem Jahr 1945. Für Chagall waren die Bühnenproduktionen nicht nur wichtige, öffentliche Aufträge, sondern gaben ihm auch die Möglichkeit, mit anderen russischen Exilanten, wie dem Choreografen Léonide Massine, zusammenzuarbeiten.

Das Ende des Zweiten Weltkriegs zeigt sich im Werk von Chagall ambivalent. In Gemälden wie Die Seele der Stadt (1945) oder Selbstbildnis mit Wanduhr (1947) thematisierte er den neuen

Lebensabschnitt, ebenso aber seine Zerrissenheit aufgrund der persönlichen Situation. In vielen Gemälden wie Die Kuh mit dem Sonnenschirm (1946) lässt sich eine positivere Grundstimmung

ausmachen, das Thema der Shoah bleibt ein fester Bestandteil in Chagalls späteren Arbeiten. Anschaulich wird Chagalls innerer Konflikt in dieser Übergangsphase auch an den doppelgesichtigen Porträts, in denen er häufig sein eigenes Gesicht mit dem seiner verstorbenen Frau verband, etwa in Der schwarze Handschuh (1923‒1948). Im August 1948 verließ Chagall sein US-amerikanisches Exil und kehrte gemeinsam mit seiner neuen Partnerin Virginia Haggard nach Frankreich zurück.


Eine Ausstellung der Schirn Kunsthalle Frankfurt in Kooperation mit dem Henie Onstad Kunstsenter, Oslo.

Zur Ausstellung bietet die Schirn ein Digitorial® an.

Es beleuchtet an den Stationen Witebsk, Paris, Jerusalem und New York die politischen Ereignisse, die Chagalls Schaffen geprägt haben. Das kostenfreie digitale Vermittlungsangebot ist in deutscher sowie englischer Sprache abrufbar unter




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Das MuTh

Oper von Diethard Leopold und Tristan Schulze
Uraufführung: DO 06. OKT 2022 | 20 Uhr
Mit: Kanako Hayashi, Emi Nakamura, Kanako Shimada-Gottfried, Anna Manske, Monika Schwabegger, Klemen Adamlje, Adrian Eröd
Momentum Vocal Music Chor
Camerata Aurea Orchester
Tristan Schulze Musikalische Leitung
Lisa Padouvas Regie
Weitere Termine:
SA 08. Okt 2022 | 20 Uhr / SO 09. Okt 2022 | 20 Uhr
Am Augartenspitz 1, 1020 Wien

Oper von DIETHARD LEOPOLD (Libretto)
und TRISTAN SCHULZE (Komposition)

Die zeitgenössische Oper „At Jacob’s Well“ ist ein bedingungslos dem Frieden verpflichtetes Projekt. Sinnlich bewegend wie auch politisch aufklärerisch hat es die methodische Zielsetzung ein Symbol zu kreieren, das eine eigene, positive Wirksamkeit in den Herzen der Menschen zu entfalten vermag. Dabei folgt die Dramaturgie der jahrhundertelangen Tradition des japanischen Noh-Theaters, das spirituelle, schamanistische und psychotherapeutische Aspekte integriert. Das Libretto zur Oper beruht auf einem Noh-Theaterstück von Diethard Leopold, das im September 2019 im Wiener ODEON-Theater erstmals gezeigt wurde.

at Jacob’s Well

Das Drama am Jakobsbrunnen entwickelt sich vor der Folie des israelisch-palästinensischen Konflikts um Wasser, zugleich jedoch zeigt es einen allgemein-menschlichen Prozess, der auf viele Konfliktherde angewendet

Mit dem neuen Begriff der “Noh-Oper” verstehen wir eine Dramaturgie, die gleich funktioniert wie jene im klassischen Noh: der “Geist” einer unabgeschlossenen, unaufgearbeiteten Geschichte, die die Gegenwart in Bann hält, taucht auf und geht mithilfe anwesender lebender Personen durch einen Prozess der Einsicht und der Läuterung.

Die Handlung von “At Jacob’s Well” spielt im Palästinensergebiet bei Nablus und entwickelt sich zwischen zwei Israelis und einer Palestinenserin, dem “Geist” der Samariterin aus dem Neuen Testament

Der Verein der Noh-Opern hat seinen Sitz in Wien und wurde im Jänner 2022 mit dem Zweck gegründet, musikalisch und dramaturgisch vielschichtige Opern mit einem dezidiert humanistischen Ziel aufzuführen. Für die Erreichung des Vereinszwecks dienen Mitgliedschaften, Sponsorengelder sowie freie Spenden.

Bezüglich einer Mitgliedschaft gibt es die Möglichkeit der Anfrage über

Mit dem “Verein der Noh-Opern” wagen wir uns in dieses künstlerische, aber auch finanzielle Abenteuer. Wir produzieren nur mithilfe privater Sponsoren.

Infos auch unter

Darf ich auch darauf hinweisen, dass es die Möglichkeit gibt, am Sponsoring mitzumachen. Es gäbe Pakete ab 1.000.-, 2.000.- bis 4.000.- Euro – dann wären Eintrittskarten natürlich inkludiert.

Das MuTh
Am Augartenspitz 1, 1020 Wien
Karten- & Info-Hotline
+43 1 347 80 80
Unsere regulären Telefonzeiten:
Montag bis Freitag (werktags) | 10:00 – 18:30 Uhr
Mail: tickets(at)
Online buchen:



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Die Dubarry


Operette von Carl Millöcker / Theo Mackeben

In deutscher Sprache



Eröffnungspremiere Direktion Lotte de Beer

GeneralProbe: Freitag, 2. September 2022 | 19 Uhr

Premiere: Samstag, 3. September 2022 | 19 Uhr

Eröffnungspremiere Direktion Lotte de Beer

Operette von Carl Millöcker / Theo Mackeben

In deutscher Sprache mit deutschen Übertiteln


Regie Jan Philipp Gloger / Bühnenbild Christof Hetzer

Kostüme Sibylle Wallum / Choreographie Melissa King

Licht Alex Brok / Choreinstudierung Roger Díaz-Cajamarca

Währinger Straße 78, 1090 Wien

Ensemble, Martin Enenkel (Labille), Wolfgang Gratschmaier (Marquis de Brissac), Marco Di Sapia (Graf Dubarry), Annette Dasch (Jeanne Beçu), Oliver Liebl (Baron Chamard) © Barbara Pálffy/Volksoper Wien


Die Dubarry erzählt in biografischen Stationen den sozialen Aufstieg des Arbeitermädchens Jeanne Beçu zur wohlhabenden Mätresse Ludwigs VX. und wirft dabei noch immer aktuelle Fragen auf: Welche Verluste erlebt sie auf dem Weg nach oben und wie weit korrumpiert sie sich? Als Jeanne vor die Wahl gestellt wird zwischen der romantischen Liebesbeziehung zu dem Künstler René und der Möglichkeit, die Geliebte des Königs zu werden, ist das nicht nur die Entscheidung zwischen zwei Männern, sondern auch die zwischen zwei völlig unterschiedlichen Lebenskonzepten.

Theo Mackebens Bearbeitung wirft Ende der 20er-Jahre einen neuen Blick auf die 1879 von Carl Millöcker komponierte Gräfin Dubarry. Mackebens Librettisten erzählen, ausgehend von der historischen Jeanne Beçu, die Geschichte einer starken Frauenfigur, die ihren eigenen Weg geht. Text und Musik der Neubearbeitung mit dem Titel Die Dubarry wurden punktgenau gestaltet für die jüdisch-ungarische Sopranistin Gitta Alpár, die in der Zeit des Nationalsozialismus ins Exil gehen musste, während Theo Mackeben Musik zu Unterhaltungs- und Propagandafilmen schrieb.

Wie schauen wir nun aus heutiger Perspektive auf die weiblichen Rollenbilder, die der Titelfigur zur Verfügung gestellt werden? Geben wir uns mit der Auswahl zwischen Spielfigur und Strippenzieherin immer noch zufrieden? Und so schön es musikalisch auch sein mag, stimmen wir einem alkoholselig intonierten „Cherchez la femme“ überhaupt noch so vorbehaltlos zu?

Um Weiblichkeitszuschreibungen im Wandel der Zeit zu befragen, haben Regisseur Jan Philipp Gloger und sein künstlerisches Team für die Neuproduktion dieses Werks eine theatrale Zeitreise über vier Jahrhunderte erfunden, die in großen Bildern aus unserer Gegenwart bis in das Frankreich Ludwigs VX. zurückführt.

Musikalische Fassung von Kai Tietje

Martin Enenkel (Labille), Harald Schmidt (Ludwig XV.), Annette Dasch (Jeanne Beçu) © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Eröffnungspremiere Direktion Lotte de Beer

Probenbeginn mit Annette Dasch und Harald Schmid

Startschuss für die Proben zur Eröffnungspremiere der Direktion Lotte de Beer an der Volksoper Wien – Leading-Team und Solist:innen nahmen die Probenarbeit für die Premiere

(3. September 2022) von Carl Millöckers und Theo Mackebens Operette Die Dubarry auf.

Regisseur Jan Philipp Gloger beleuchtet die Entwicklung der charismatischen Titelheldin in Form einer Zeitreise, die im Heute beginnt und zurückführt in die Zeit Louis XV. Kai Tietje dirigiert und Starsopranistin Annette Dasch kehrt als Mätresse des Königs an unser Haus zurück. Als Seine Majestät Ludwig XV. gibt kein Geringerer als Comedy- und Talkshow-Legende Harald Schmidt sein Volksoperndebüt.

Vom Arbeitermädchen zur Mätresse des Königs

Die Dubarry erzählt in biografischen Stationen den sozialen Aufstieg des Arbeitermädchens Jeanne Beçu zur wohlhabenden Mätresse Ludwigs XV. und wirft dabei noch immer aktuelle Fragen auf: Welche Verluste erlebt sie auf „dem Weg nach oben“ und wie weit korrumpiert sie sich? Als Jeanne vor die Wahl gestellt wird zwischen der romantischen Liebesbeziehung zu dem Künstler René und der Möglichkeit, die Geliebte des Königs zu werden, ist das nicht nur die Entscheidung für den einen oder anderen Mann, sondern auch für ein jeweils vollkommen anderes Leben.

Annette Dasch (Jeanne Beçu), Lucian Krasznec (René Lavallery) © Barbara Pálffy/Volksoper Wien

„Die Waffen einer Frau“

Theo Mackebens Bearbeitung wirft Ende der 1920er-Jahre einen neuen Blick auf die 1879 von Carl Millöcker komponierte Gräfin Dubarry. Mackebens Librettisten erzählen, ausgehend von der historischen Jeanne Beçu, die Geschichte einer starken Frauenfigur, die ihren eigenen Weg geht. Ihren Erfolg erringt sie dabei mehr als einmal mit den vielzitierten „Waffen einer Frau“.

Wie schauen wir nun aber aus heutiger Perspektive auf die von der Gesellschaft zur Verfügung gestellten weiblichen Rollenbilder? Und so schön der Walzer musikalisch auch ist, stimmen wir einem alkoholselig intonierten „Cherchez la femme“ inhaltlich noch vorbehaltlos zu? Um Weiblichkeitszuschreibungen im Wandel der Zeit zu befragen, haben Regisseur Jan Philipp Gloger und sein künstlerisches Team für die Neuproduktion dieses Werks eine theatrale Zeitreise über vier Jahrhunderte erfunden, die in großen Bildern aus unserer Gegenwart bis in das Frankreich Ludwigs XV. zurückführt. An der Volksoper verkörpert Starsopranistin Annette Dasch die charismatische Titelfigur. Als König Ludwig XV. steht Talkshow-Legende Harald Schmidt auf der Bühne.


Mi. 07.09.2022 | 19 Uhr

Fr. 09.09.2022 | 19 Uhr

Mo. 12.09.2022 | 19 Uhr

So. 18.09.2022 | 19 Uhr

Fr. 23.09.2022 | 19 Uhr

Di. 27.09.2022 | 19 Uhr

Volksoper Wien

Währinger Straße 78, 1090 Wien
Information: +43/1/514 44-3670

Öffentliche Verkehrsmittel: U-Bahnlinie U6, Straßenbahnen 40, 41, 42, Bus 40A
Haltestelle „Währinger Straße / Volksoper“




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Pirelli HangarBicocca


Neons Corridors Rooms


Opening: Wednesday 14 September 2022 | 19 – 23 pm

Curated by Roberta Tenconi and Vicente Todolí

with Andrea Lissoni, Nicholas Serota,

Leontine Coelewij, Martijn van Nieuwenhuyzen and Katy Wan

Organized by Pirelli HangarBicocca, Tate Modern, London

and Stedelijk Museum Amsterdam


Exhibition: 15 September 2022 – 26 February 2023


Thursday—Sunday, 10.30AM—8.30PM

Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126 Milan


One of the world’s most prominent living artists, Bruce Nauman (b. Fort Wayne, Indiana, 1941; lives and works in New Mexico) has contributed to writing the history of contemporary art since the mid-1960s, thanks to his pioneering research across a variety of media, including installation, video, sculpture, performance, photography, drawing, and sound. His art is distinguished by an interest in understanding the human experience and its conventions, as well as the inner workings of the psyche, which he investigates through the perception of the body, and interactions with space, time, and language. Nauman’s work also makes frequent use of wordplay, with which he explores alternative methods of communication.


Organized in collaboration with Tate Modern in London (7 October 2020—21 February 2021) and the Stedelijk Museum in Amsterdam (5 June—24 October 2021), the exhibition at Pirelli HangarBicocca will focus on Nauman’s spatial and architectural practice. In addition to several works already shown in London and Amsterdam, the exhibition will include a large number of his iconic corridors and rooms. Highlighting interrelations, developments and formal variations, for the first time the show will explore his diverse experimentation in the areas of spatial experience and architectural scale, as well as the use of light, sound, language and video in this corpus of work.

Many of the most important international art institutions have exhibited Bruce Nauman’s work and solo shows, including Punta della Dogana, Venice (2021-2022); Stedelijk Museum Amsterdam (2021); Tate Modern, London (2020-2021); Museo Picasso Malaga (2019); Schaulager, Basel, MoMA Museum of Modern Art and MoMA PS1, New York (2018-2019); Philadelphia Museum of Art (2016); Fondation Cartier, Paris (2015); the Museum of Contemporary Art, San Diego (2008); “A Rose Has No Teeth” at Berkeley Art Museum, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin, and the Menil Collection (2007-2008); and “Raw Materials” at Tate Modern, London (2004), as well as a major retrospective in 1993-1995 at the Walker Art Center, Minneapolis and Hirshhorn Museum, Washington D.C. His first retrospective originated at the Los Angeles County Museum of Art and traveled to the Whitney Museum of American Art, New York and international venues (1972-1974).


Nauman has also participated in numerous group shows and biennials worldwide, including the Venice Biennale (2015, 2013, 2007, 1999, 1987, 1980, and 1978) and documenta, Kassel (1992, 1982, 1977, 1972, and 1968). He has received numerous awards, including the Frederick Kiesler Prize for Architecture and the Arts, Austria (2014); Centennial Medal Laureates, American Academy, Rome (2009); Beaux-Arts Magazine Art Awards: Best International Artist, Paris, Praemium Imperiale Prize for Visual Arts, Japan (2004); and Honorary Doctor of Arts, California Institute of the Arts, Valencia (2000); and the Wolf Foundation Prize in Arts (Sculpture), Israel (1993). In 2009 he represented the United States at the 53rd Venice Biennale, winning the Golden Lion for Best National Participation, and in 1999 he won the Golden Lion for Lifetime Achievement at the 48th Venice Biennale.

The catalogue, published in conjunction with the exhibition, will present the most up to date studies on Nauman’s spatial and architectural research in its entirety, by analyzing and shedding light on his conceptual developments, formal variations and endless experimentations. Among the invited authors, Francesca Esmay, Gloria Sutton and Taylor Walsh.

“Neons Corridors Rooms” is also supported by TERRA Foundation for American Art.



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