Ging es bei der Ausstellung „From the Inside to the Outside” im Januar diesen Jahres um die Spiegelung emotionaler Empfindungen in eine äußere Verfasstheit und Verfestigung, rückt „From the Outside to the Inside” nun das genaue Gegenteil in den Mittelpunkt – die unausweichliche Auflösung realer Gegebenheiten durch ihr Eindringen in unsere Gefühls- und Gedankenwelt. Vermittelt durch die visuelle und taktile Anziehungskraft der Oberfläche führen uns die Werke von Nazim Ünal Yilmaz, Daniel Lergon, Peter Miller, Kelly Akashi sowie Rosa Aiello in eine verborgene Welt von Ideen, Erinnerungen und Empfindungen.

Die Gemälde von Nazim Ünal Yilmaz fungieren als Seelenlandschaften. Mit ihren verlassenen Korridoren und Treppenaufgängen erzählen sie von Einsamkeit und Melancholie aber auch von Nervenkitzel und Erregtheit. Als ambivalente Orte von Begegnung und Anonymität führen die Treppen in ein unergründliches Dunkel.  Zeit und Raum werden nicht näher definiert. Nur ein auf den Stiegen achtlos liegen gelassenes Objekt, ein Mischwesen aus Insekt und Unterwäsche verweist auf das Hotel als Ort von sexuellem Abenteuer und riskanter Erotik. Zusammen mit der Installation „Hotel Principles II“, in der Nylonstrumpfhosen zusammengenäht und zu einer Art Wandschirm aufgespannt werden, strukturiert die Arbeit den Raum und greift so auf ihn ein. Mit ihrer spezifischen Oberflächenqualität versperren die Installationen den Blick auf das, was dahinterliegt und wecken gleichzeitig die Neugier des Betrachters. Die Ambivalenz, die bereits in den Malereien anklingt, findet hier ihre materielle Manifestation.

Die Qualität der Oberfläche spielt auch für Daniel Lergon eine entscheidende Rolle. Der in Berlin lebende Künstler mit seinem experimentellen Zugang zur Malerei greift in seinen hier gezeigten Werken nur auf ein einziges Farbpigment zurück, aus dem er ein reiches Spektrum an Nuancen entwickelt – von leuchtendem Hellgrün bis zu fast schwarz wirkendem Dunkel. In einem von der Schwerkraft befreiten Raum scheint die Farbe wie im Wasser treibender Stoff auf dem monochromen Grund zu schweben. Die Zeit scheint still zu stehen. Formen kristallisieren sich heraus und manifestieren sich. Erst ein genauerer Blick enthüllt die Materialität und die besondere Haptik des gestischen Auftrags. Ein inneres Licht pulsiert in seinen Werken, die trotz der abstrahierten Formen immer auch Anklänge an Figürliches in sich bergen. Durch die Reduktion auf ein Pigment tritt einzig und allein der gestische Farbauftrag in den Vordergrund, der sich auf der Leinwand einschreibt wie Spuren im Sand, individuell und unmittelbar.

Diese Direktheit und Körperlichkeit tritt bei den Arbeiten von Peter Miller weitgehend zurück. Auch er schafft in seinem Werk „Vinyl Lines“ eine Art Fingerabdruck – doch ohne dabei als Künstler selbst einzugreifen. Stattdessen dient eine selbstgebaute Apparatur dazu, die einzigartige Struktur einer Schallplatte graphisch festzuhalten. Dem semiotischen Prinzip des Index folgend schreiben sich die Rillen der LP durch ein mechanisches Übertragungssystem in Form feiner Linien in das Papier ein. Die mit Erinnerungen und Empfindungen aufgeladene Lieblingsmusik des Künstlers wird so ohne sein weiteres Eingreifen als individuelles Selbstporträt in Form einer automatisch generierten Spur festgehalten. Die Spur als fixe Markierung spielt aber auch in seiner Videoarbeit „Eidola“ eine entscheidende Rolle. Auf selbstreferentielle Weise setzt er sich hier mit den Medien Film und Fotografie auseinander und entmystifiziert so die verborgenen Mechanismen der Apparate. „Eidola“ stellt eine antike Wahrnehmungstheorie dar, nach der sich kleine Partikel von den betrachteten Gegenständen lösen, um in den Augen des Betrachters ein Bild zu erzeugen. Dieser Vorstellung entsprechend verwendet Peter Miller in seinen Arbeiten eine Nachtsichtbrille, die zugleich filmt. Die Brille ermöglicht es ihm, in der Dunkelheit eine Kamera zu öffnen und den noch unentwickelten Film mit einem Laserpointer zu bearbeiten. Auf diese Weise entsteht ein Zusammenspiel von Belichtung, Sichtbarkeit und Zerstörung auf der Oberfläche des Filmes.

Auf ganz andere Weise beschäftigt sich auch die in Los Angeles arbeitende Künstlerin Kelly Akashi mit der Oberfläche als Bedeutungsträger. Sie verwendet vor allem Werkstoffe wie Wachs, Glas oder Bronze und schafft so filigrane Skulpturen, die verschiedene Sinne des Betrachters ansprechen.  Leichtigkeit, Transparenz und Zerbrechlichkeit spielen hierbei eine ebenso große Rolle wie Haptik, Oberflächengestaltung und Dichte im Material. Das Glas trägt seine Oberfläche mit all seinen Qualitäten zur Schau. Das Sehen wird zum Fühlen. Gleichsam wird sich der Betrachter aber durch die Spiegelung in der Oberfläche seiner distanzierten Stellung bewusst. Bei genauerer Betrachtung offenbaren sich verborgene Strukturen, die sich im Inneren zu winden scheinen. In Akashis Werken wird der Weg von der Oberfläche ins Innere somit wörtlich umgesetzt. Durch die im Inneren verborgenen Gräser und Äste wird aber nicht nur die Verbindung von Innen und Außen hergestellt, sondern auch eine Versöhnung von Kunst und Natur. Die Grenze zwischen der natürlichen Welt und der des Kunstwerkes wird aufgehoben. Zudem sind die Elemente Feuer und Luft als Bedingung ihrer Arbeit mit dem Material entscheidende Bestandteile ihrer Werke, eingebettet und zur Evidenz gebracht in den organischen Formen der zerbrechlichen Oberflächen.

Die Videoarbeit „Amore Molesto“ der in Kanada geborenen und nun in Frankfurt lebenden Künstlerin Rosa Aiello bildet den Abschluss der Ausstellung. Wiederkehrende Motive wie das Alphabet, die Jahreszeiten, oder Natur und Architektur flickern hierbei über den Videoscreen wie eine Spur, die sich nur für den Bruchteil einer Sekunde in den Schirm einschreiben kann. In Aiellos Videoarbeiten verbinden sich gegensätzliche Strukturen ohne ordnungsstiftenden Funktion. Ausgangspunkt bildet hierbei das Alphabet als Grundeinheit unserer Sprache. Unzusammenhängende Wörter, die aus einem Kreuzworträtsel der New York Times entnommen wurden, werden von einem computergesteuerten Programm für Sehbehinderte gesprochen und mit den Bildern des Videos verbunden. Die Sprache als individuelle Visitenkarte wird so entpersonalisiert. Ein Großteil des Bildmaterials stammt aus Kalabrien, dem Herkunftsort ihres Vaters. Menschen, Orte, Musik und Gegenstände, die in besonderer Beziehung zu ihr stehen, geben so Einblick in ihre ganz persönliche Geschichte. Durch die Verbindung von vertrautem Material und einer arbiträren, willkürlichen Organisation, sucht sie einen Weg zwischen Ordnung und Chaos, Verantwortung und Vernachlässigung.

 

 

With this show, curated by Andreas Huber, we continue our series of exhibitions around art as a mediator between outer and inner states of being.