ABBILD :: REALITÄT!?

Projektraum Viktor Bucher
ABBILD :: REALITÄT!?
Eröffnung:
Dienstag, 29.11.2016 | 19 – 22 Uhr
Lorenz Estermann, Aldo Giannotti

G.R.A.M., Markus Guschlbauer
Julie Hayward, Claudia Larcher
Daniel Leidenfrost, Michail Michailov
Bernd Oppl, Judith Pichlmüller
Kamen Stoyanov, Erwin Wurm

Ausstellung: 30.11.2016-14.01.2017
Praterstrasse 13/1/2
1020 Wien

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NICHTS ALS DIE WAHRHEIT

Nun ist der Zweifel an dokumentarischen Bildern nichts Neues, sondern er begleitet sie seit ihrer Entstehung. Schon immer wurde ihr Anspruch auf die Darstellung von Wirklichkeit beargwohnt, dekonstruiert oder als überheblich bezeichnet. Unser Verhältnis zu dokumentarischen Behauptungen stellt seit jeher eine Art uneingestan- dener Zwickmuhle dar: Es schwankt zwischen Glauben und Ungläubigkeit, zwischen Vertrauen und Misstrauen, Hoffnung und Enttäuschung. Dies ist auch der Grund, warum die dokumentarische Form seit jeher genuin philosophische Probleme aufwirft. Wie dokumentarische Formen Wirklichkeit abbilden bzw. ob sie dazu überhaupt in der Lage sind, ist unter Theoretikern des Dokumentarischen chronisch umstritten. Mit drastischen Worten hat Brian Winston die Debatten um die Definition dokumentarischer Wahrheit auch als »battlefields of epistemology« bezeichnet. Die Schlachten, die auf diesem Feld ausgetragen werden, verlaufen zwischen relativ festgefahrenen Fronten. Die Hauptfront verläuft zwischen den Vertretern des Realismus und jenen des Konstruktivismus. Während die einen glauben, dass dokumentarische Formen natürliche Fakten abbilden, begreifen die anderen sie als soziale Konstruktionen.

 

IST DIES WIRKLICH WAHR?

Was aber sagt uns dieses Dilemma? Es sagt uns, dass es nicht darum geht, im traditionellen Streit der theoretischen Lager Partei zu ergreifen, sondern vielmehr darum, die Dringlichkeit des Problems anzuerkennen – zumal in einer Epoche, in der das Schwanken zwischen Glauben und Misstrauen, wie das Eingangsbeispiel zeigt, in die Bilder selbst integriert wird. Die ständige Unsicherheit darüber, ob dokumentarische Wahrheit möglich ist oder ob sie von vornherein verworfen werden muss, der standige Zweifel, ob das, was wir sehen, auch mit der Wirklichkeit übereinstimmt, stellen keinen Mangel dar, der verleugnet werden muss, sondern im Gegenteil das entscheidende Charakteristikum dokumentarischer Formen. Ihr Merkmal ist die oft unterschwellige, aber trotzdem nagende Verunsicherung, die sie erzeugen, und mit ihr die Frage: Ist dies wirklich wahr?

DIE MACHT DES ZWEIFELS

An diesem Punkt stoßen wir jedoch auf ein Paradox: Der Zweifel an ihren Wahrheitsansprüchen macht dokumentarische Bilder nicht schwächer, sondern stärker. Die dokumentarische Artikulation ist heute potenter denn je zuvor. Informationen – ob sie nun wahr sind oder nicht – lösen Kriege, Börsenkräche, Pogrome ebenso wie weltweite Hilfsaktionen aus. Sie sind weltweit und rund um die Uhr verfugbar, sie verwandeln Dauer in real time, Distanz in Intimitat, Ignoranz in trügerisches Bescheidwissen. Sie mobilisieren die Menge, sie verwandeln Menschen in Feinde und Freunde.
Im Zeitalter der digitalen Reproduktion wirken dokumentarische Formen nicht nur auf individueller Ebene ungeheuer emotionalisierend – sie stellen auch einen wichtigen Bestandteil zeitgenössischer Ökonomien des Affekts dar. Das Bedürfnis nach objektiver, institutionell garantierter, wenn nicht gar wissenschaftlich inspirierter Seriosität, die die Glaubwürdigkeit dokumentarischer Formen ausmachte, wird sukzessive durch das Begehren nach Intensität ersetzt. In den allgegenwartigen Strömen der Informationsgesellschaften wird das Argument durch die Identifikation verdrängt, durch komprimierte Botschaften und Affekte, die immer stärker in die Ereignisse selbst verstrickt sind.Ausgerechnet das dokumentarische Material, das staubtrocken zu sein scheint, verwandt den notrisch kühlen Verfahren der Jurisprudenz oder der Wissenschaft, erweist sich durch den mittlerweile institutionalisierten Zweifel als Umschlagplatz ebenso intensiver wie widersprüchlicher Emotionen.

Auszug aus: HITO STEYERL „Die Farbe der Wahrheit“. Dokumentarismen im Kunstfeld. VERLAG TURIA + KANT WIEN

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Ulla von Brandenburg

PAMM Pérez Art Museum Miami
Ulla von Brandenburg:
It Has a Golden Sun and an Elderly Grey Moon
Exhibition:
04 Nov 2016 – 25 June 2017
curated by María Elena Ortiz

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Mickalene Thomas

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Lehmann Maupin, Hong Kong
Mickalene Thomas the desire of the other
opening reception
Friday, 18. November 2016 | 6-8 PM.
Exhibition: 18. November 2016 – 14. January 2017
407 PEDDER BUILDING 12 PEDDER STREET
CENTRAL, HONG KONG
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Mickalene Thomas
the desire of the other

November 18, 2016 – January 7, 2017
Hong Kong

Hong Kong, October 26, 2016—Lehmann Maupin is pleased to present the desire of the other, an exhibition of new work by Mickalene Thomas. An internationally recognized artist based in New York, Thomas is best known for her large-scale paintings combining art historical, political, and pop cultural references to explore the contemporary female form. Blurring the distinction between object and subject, concrete and abstract, real and imaginary, Thomas introduces complex notions of femininity, sexuality, class, and power. Through an exploration of artifice, she also challenges common definitions of beauty and historical and artistic representations of women. For her first exhibition in China, Thomas will present a series of recent paintings and works on paper that highlight her varied use of media, including oil and acrylic paint, enamel, silkscreen, rhinestones, and collage.

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Thomas often draws inspiration from multiple artistic periods and cultural influences found throughout Western art history, particularly the early modernists such as Jean-Auguste-Dominique Ingres, Pablo Picasso, Henri Matisse, Edouard Manet, and Romare Bearden. She models her figures on the classic poses and abstract settings popularized by these modern “masters” as a way to reclaim agency for women who have been presented as objects to be desired or subjugated. Though Thomas draws from a number of time periods and genres, her use of pattern and domestic spaces often references periods throughout the 1960s-’80s. This was a time of immense social and political conflict, change, and transformation—the civil rights movement, the Black is Beautiful movement, and the second wave of feminism—during which many women, particularly African-Americans, rejected and redefined traditional standards of beauty.

In the desire of the other, Thomas presents both figurative and abstract portraits of women. The works feature her muses in three-quarter portraits and a single large-scale reclined figure. Each one examines how identity, gender, and sense of self are informed by the ways women are represented in art and popular culture. The rhinestones—the artist’s signature material and a symbol of femininity—give an added layer of meaning and a metaphor of artifice, as well as an art historical nod to the 19th century technique of Pointillism, in which small distinct dots of color were used to create an image. Thomas uses rhinestones as a way to shade and accentuate specific elements of each painting—often her subject’s lips, nails, and hair—while subtly confronting our assumptions about what is feminine and what defines women.

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In addition to these more traditional works, Thomas has recently embarked on a series of fully abstracted portraits composed entirely of shape, color, and line, with little reference to a gendered or racial body. The works are reduced to geometric forms and bright pops of color that signify lips, noses, eyes, and other facial features appearing to float in space. They recall 20th-century Cubist work by Pablo Picasso and Georges Braque, who split from the figurative traditions in art making by using collage to fracture the picture plane and create abstract depictions of reality. Collage is a crucial component of Thomas’ practice—she uses it to continue expanding the possibilities of representation while renegotiating the objectification of women.

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The Museum of Contemporary Art, Los Angeles is currently presenting Mickalene Thomas: Do I Look Like a Lady?, a solo exhibition of a recent video installation and silkscreen paintings, running through February 6, 2017.

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Mickalene Thomas (b. 1971, Camden, NJ; lives and works in New York) earned an MFA in painting at the Yale University School of Art, New Haven, CT in 2002 and a BFA in painting at Pratt Institute, Brooklyn in 2000. From 2000-03, the artist participated in a residency at the Studio Museum in Harlem, New York, and in 2011, a residency at the Versailles Foundation Munn Artists Program, Giverny, France. Solo exhibitions of her work have been organized at the Aspen Art Museum, Aspen, CO (2016); Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2016); Aperture Foundation, New York (2016); George Eastman House, Rochester, NY (2014); Brooklyn Museum, New York (2012-13); Santa Monica Museum of Art (2012); Institute of Contemporary Art, Boston (2012); Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (2011); and La Conservera Contemporary Art Centre, Ceuti, Spain (2009). Select group exhibitions featuring her work have included SHE: International Women Artists, Long Museum, Shanghai (2016); No Man’s Land: Women Artists from the Rubell Family Collection, Rubell Family Collection, Miami (2015); Americans Now, National Portrait Gallery, Washington, D.C. (2010); 30 Americans, first exhibited at the Corcoran Gallery, Washington, DC (2011), and which later traveled to numerous museums in the United States. Her work is in numerous international public and private collections including The Museum of Modern Art, New York; San Francisco Museum of Modern Art; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Museum of Fine Arts, Boston; Art Institute of Chicago; MoMA PS1, New York; Brooklyn Museum of Art, New York; Studio Museum in Harlem, New York; Yale University Art Collection, New Haven, CT; and Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo.

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Ceci n’est pas une copie

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CID au Grand-Hornu Museum
CECI N’EST PAS UNE COPIE
DESIGN BETWEEN INNOVATION AND IMITATION
OPENING:
Saturday 26 November 2016 | 6pm
Curator: Chris Meplon
Scenography by GAFPA BUREAU FOR ARCHITECTURE
AND URBAN PLANNING
27 November 2016 – 26 February 2017
Rue Sainte-Louise, 82, 7301 Hornu, Belgium
 
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Alvar Aalto, Volker Albus, Maarten Baas, Pieke Bergmans,
HP Berlage, Bouroullecs, Andrea Branzi, Achille Castiglioni, Bonet,
Kurchan et Hardoy, Hilde De Decker, Michele De Lucchi, Charles and Ray Eames,
Egon Eiermann, Joseph Beverly Fenby, Martino Gamper, Konstantin Grcic,
Herzog & De Meuron, Poul Henningsen, Patrick Hoet, Josef Hoffmann, Richard Hutten, Jacob Jacobsen, Hella Jongerius, Simon Karkov, Hanna Krüger,
Sofie Lachaert et Luc d’Hanis, Le Corbusier, Simon Legald, Bert Loeschner,
Gillis Lundgren, Philippe Mainzer, MAL, Jasper Morrison, Isamu Noguchi,
Norway Says, Nuuv, Satyendra Pakhalé, Bertjan Pot, David Rowland,
Wieki Somers, Ettore Sottsass, Robert Stadler, Mart Stam, Philippe Starck,
Piet Stockmans, Matthew Strong, TAF, Unfold, Patricia Urquiola,
Bas van Beek, Jan Van der Vaart, Maarten Van Severen,
Hans Wegner, Sylvain Willenz
 
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SUNDAY 27 NOVEMBER – SUNDAY 26 FEBRUARY 2017

“Innovation or imitation: rarely a black-and-white issue.”

Copying is bad. Gaining wealth or fame with someone else’s creative work is morally reprehensible, and in principle forbidden by law. But are things really that clear-cut? Sometimes a copy – or something greatly resembling a copy – comes from an unexpected source. Sometimes it can even lead to surprising and liberating new insights. Is it then still substandard, a case of parroting something else, of shameless and unfair competition?

Ceci n’est pas une copie sets out in search of the nature, significance and acceptance of copying strategies in contemporary design practice. This isn’t entirely obvious, because we are touching on a sensitive topic. Designers do not always see the efforts of competitors who copy them as a form of flattery. In reality, they fear loss of income and damaged reputations.

In today’s digital age, with its unlimited possibilities for sharing and the free distribution of ideas, images and information, classic copyright protection offers less of a grip than ever before. The omnipresence of 3-D scanning and printing technology opens the doors to even more and sharper copying and reproduction. Advocates of stricter copyright regulations are facing internet activists and idealists who view copyright regulation as a threat to creative freedom.

 

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Bert Loeschner

 

Against the background of new mobile technology that is now within everyone’s reach, concepts such as originality and individual authorship are being increasingly questioned. Isn’t valuable innovation always based on what went before? Isn’t creativity always a form of inspired reuse, clever copy paste? Isn’t the history of design primarily a history of redesigning? Why do we so want to believe in the natural talent, the genius of the star designer? Can we learn from other cultures, where copying is perceived quite differently? Does copying take on a new meaning in an historic perspective?

This exhibition presents a selection of fascinating examples and diverse reactions to the phenomenon of copying. It covers well-known and acknowledged borrowing strategies, such as quotation, collage, homage and pastiche as well as more controversial and experimental reproduction, from copying as an accepted form of imitation to copying as base commercialism, plagiarism and piracy. With contributions and work by Jasper Morrison, Richard Hutten, Unfold, Bas van Beek, Konstantin Grcic, Maarten Baas and countless other designers who deal with this phenomenon on a daily basis and are forced to take a stand on the issue, whether they want to or not.

 

http://www.cid-grand-hornu.be/en/expositions/Ceci_n_est_pas_une_copie/146/

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ARTISTS AS INDEPENDENT

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Universität für angewandte Kunst Wien
Heiligenkreuzer Hof
Internationale Kooperation: Artists‘ Books 2015/2016
ARTISTS AS INDEPENDENT PUBLISHERS
Eröffnung:
Donnerstag, 1. Dezember 2016 | 18 Uhr
Hochschule für Künste Bremen, Bergen /
Academy of Art & Design, Royal Institute of Art, Stockholm /
Royal College of Art, London /
Abteilung Grafik & Druckgrafik an der
Universität für angewandte Kunst Wien.
Ausstellung: 02. Dezember  – 06. Dezember 2016
Ausstellungszentrum der Angewandten,
Heiligenkreuzer Hof, 1., Schönlaterngasse 5
http://www.dieangewandte.at/
http://www.grafik.ac.at

 

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Artists as independent publishers

In der Ausstellung werden Künstlerbücher – Artists’ Books – die während 2015 und 2016 von Studierenden der Klasse Grafik und Druckgrafik der Angewandten gemeinsam mit Studierenden der Hochschule für Künste Bremen, Bergen Academy of Art and Design, Royal Institute of Art, Stockholm und Royal College of Art, London produziert worden sind.
Initiatorin des Projektes war Prof. Katrin von Maltzahn in Bremen, wo auch die erste Ausstellung (und Symposium) in Mai stattgefunden hat. Die Ausstellung wanderte nach Bergen, Stockholm, London  – und ist nun in Wien zu sehen.

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outstanding artist awards 2016

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outstanding artist award 2016

Die outstanding artist awards werden jährlich vom Bundeskanzleramt für herausragende Leistungen vorwiegend an Künstlerinnen und Künstler der jüngeren und mittleren Generation vergeben. Die Preise sind mit 10 000 Euro dotiert.

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RadioKulturhaus Wien
Der Bundesminister für Kunst und Kultur,
Verfassung und Medien
Mag. Thomas Drozda
Überreichung der outstanding artist awards 2016
Dezember 2016
Simon Wachsmuth – Bildende Kunst
Nikolaus Habjan – Darstellende Kunst
Kollektiv TAB (Philippe Jans, Falk Lennart Kremzow,
Therese Leick, Charles Rauchs, Wilhelm Scherübl)
für das Projekt „The Golden Age of Nothing“
Experimentelles Design
Händl Klaus – Spielfilm
Susanne Jirkuff – Experimentalfilm
Kunsthalle K2 (Stella Plapp, Klaus Pichler)
Innovative Kulturarbeit
Rosa Danner, Nils Olger, Paula Pfoser, Gudrun Rath,
Renée Winter für das Projekt „Graus der
Geschichte“ – Interdisziplinarität
Franz Suess – Karikatur und Comics
Elisabeth Steinkellner – Kinder- und Jugendliteratur
Nina Rike Springer – Künstlerische Fotografie
Angelika Reitzer – Literatur
Flora Miranda – Experimentelles Modedesign
Utku Asuroglu – Musik
Claudia Larcher – Video- und Medienkunst
Moderation: Mirjam Unger und Gerald Votava
Musik: Federspiel
Argentinierstraße 30 A, 1040 Wien

 

http://www.kunstkultur.bka.gv.at/site/cob__64549/currentpage__0/8092/default.aspx#a1

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Desire

Moore Building Miami
LARRY GAGOSIAN AND JEFFREY DEITCH PRESENT
Desire
Curated by Diana Widmaier-Picasso
November 30th to December 4th.2016
Nov 30th – Dec 3rd: 10am–8pm
Dec 4th: 10am–6pm
Exhibition Miami:  November 30th – December 4th, 2016
Miami, 191 NE 40th Street Moore Building
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EDWARD RUSCHA Desire, 2013, Acrylic on canvas / 50 x 80 inches / 127 x 203.2 cm (unframed) ©Ed Ruscha. Courtesy Gagosian.
Photography by Benjamin Lee Ritchie Handler.
 

On the occasion of Art Basel Miami Beach,

Larry Gagosian and Jeffrey Deitch present
“Desire,” an exhibition curated by Diana Widmaier-Picasso,
at the Moore Building, Miami Design District, Miami, Florida.
On view November 30 through December 4, 2016

“Desire” explores modern and contemporary approaches to eroticism in art. One of the very earliest and most fundamental artistic themes, eroticism has served to reflect the social mores and cultural values of different civilizations. As the representation of eroticism has evolved in society, boundaries are tested, bringing to life artistic fantasies and unprecedented imagery. Eroticism reinvents itself with every subsequent generation. Today, for example, the promiscuous overexposure of nude bodies on the Internet and television has forever altered the very notion of erotic representation.

Eroticism fuses together opposing and complementary concepts: form and feeling, spirit and body, intellect and emotion. It is at once the most accessible and most challenging subject in art. Its portrayal can be theoretical, abstract, romantic, carnal, or all of these combined. It may be infused with humor, anxiety, or terror. It can be subtle or brash, creating tension between artist, subject and viewer. In modern and contemporary art, eroticism often elicits feelings of unease, in the navigation between the male and female gazes, and between voyeurism and self-exposure. Sometimes, the art that explores eroticism in the least expected way possesses the strongest erotic charge.

“Desire” features the work of more than fifty artists from modern masters such as Pablo Picasso and Balthus to emerging talents. Joe Coleman, Gaspar Noé, and Tschabalala Self are among those who have created new works specifically for this exhibition. In addition to painting, sculpture, and photography, video installations by Harmony Korine and Jordan Wolfson will be featured.

Artists exhibited include:

Nobuyoshi Araki pascALEjandro Jodorowsky Diego Rivera
Balthus Allen Jones Walter Robinson
Vanessa Beecroft Jeff Koons Ed Ruscha
Hans Bellmer Harmony Korine David Salle
Cecily Brown Deana Lawson Jenny Saville
Joe Coleman Roy Lichtenstein Kenny Scharf
William N. Copley Man Ray Tschabalala Self
R. Crumb Malerie Marder Hajime Sorayama
John Currin Marilyn Minter Eric Stanton
John DeAndrea Pierre Molinier Juergen Teller
Urs Fischer & Georg Herold Carlo Mollino Tom of Finland
Eric Fischl Helmut Newton Andy Warhol
Nan Goldin Gaspar Noé John Wesley
Keith Haring Eddie Peake Jordan Wolfson
Barkley L. Hendricks Francis Picabia Martin Wong
Noritoshi Hirakawa Pablo Picasso Francesca Woodman
Alex Israel & Bret Easton Ellis Richard Prince Harumi Yamaguchi

Larry Gagosian and Jeffrey Deitch have been colleagues since 1979, working with many of the same artists. “Desire” is their second joint exhibition project, following the influential “Unrealism” show in the same space last year.

Gagosian was established by Larry Gagosian in 1980. In May of this year a sixteenth gallery was inaugurated in San Francisco.

“OVERPOP,” curated by Jeffrey Deitch, is currently on view at the Yuz Museum, Shanghai.

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http://www.miamidesigndistrict.net/december/listing/529/jeffrey-deitch–larry-gagosian-present-desire-curated-by-diana-widmaier-picasso/

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Donau, so blau.

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Wienbibliothek
Donau, so blau.
150 Jahre An der schönen, blauen Donau.
von Johann Strauss.
ERÖFFNUNG
Dienstag, 6. Dezember 2016 | 19 Uhr
Begrüßung: Sylvia Mattl-Wurm, Direktorin der Wienbibliothek
Zur Entstehung des Walzers An der schönen, blauen Donau:
Norbert Rubey, Wienbibliothek, Strauss-Forschung
Kurator: Thomas Aigner
Musikalisches Programm: Neue Wiener Concert Schrammeln
Ausstellung: 7. Dezember 2016 – 12. Mai 2017
Lesesaal der Wienbibliothek im Rathaus
Rathaus, Eingang Lichtenfelsgasse,
Stiege 6 (Glaslift), 1. Stock, 1010 Wien
http://www.wienbibliothek.at/

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Kurator: Thomas Aigner, Leiter der Musiksammlung,
unter Mitwirkung von Reinhard Buchberger (Druckschriftensammlung),
Julia König (Plakatsammlung),
Gerhard Murauer (Projekte), Norbert Rubey (Musiksammlung), Kyra Waldner (Handschriftensammlung)
Texte: Thomas Aigner, Norbert Rubey
Ausstellungsgestaltung und Grafik: Markus Reuter

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An der Schönen Blauen Donau, belletristisch-musikalische Zeitschrift, 1888

Vor nunmehr 150 Jahren wurde eines der weltweit meistgespielten Musikwerke aus der Taufe gehoben: der “Donauwalzer”, genauer gesagt die Walzerpartie An der schönen, blauen Donau, op. 314, von Johann Strauss (Sohn). Diesem war 1863 der Titel “k. k.. Hofball-Musikdirektor” verliehen worden. Das Tagesgeschäft hatte er weitgehend an seine beiden Brüder Josef und Eduard abgegeben, und er trug sich mit dem Gedanken, ins Operettenfach überzuwechseln. Vom inneren Druck befreit setzte er ab 1867 zu einem bis dahin ungekannten künstlerischen Höhenflug an. In rascher Folge entstand eine Serie absoluter Meisterwerke: Künstler-Leben, Leichtes Blut, Unter Donner und Blitz, Geschichten aus dem Wienerwald, Éljen a Magyár, Wein, Weib und Gesang, Egyptischer Marsch, Im Krapfenwald’l und an der Spitze, gleichsam als Primus inter Pares, An der schönen, blauen Donau.

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Franz Lehár: An der grauen Donau, 1921

Schon bald entstand die inzwischen von der Wissenschaft widerlegte Legende, dass das Werk bei der Premieredurchgefallen wäre und erst vom Ausland aus seinen Siegeszug um die Welt angetreten hätte. Die wahren Hintergründe der Entstehung und Verbreitung des “Donauwalzers”, seine ungebrochene, in einer geradezu singulären Stellung gipfelnde Wirkung bis heute sind die Themen der Ausstellung.

Ein Welterfolg entsteht

Am 15. Februar 1867 veranstaltete der Wiener Männergesang-Verein wegen des verlorenen Kriegs gegen Preußen anstelle des traditionellen Narrenabends eine Faschingsliedertafel. Johann Strauss steuerte, ein altes Versprechen einlösend, eine Walzerpartie unter dem Titel An der schönen, blauen Donau bei. Dieser dürfte einem Gedicht von Karl Beck entnommen sein, bezieht sich dort allerdings auf ein Dorf in Ungarn. Joseph Weyl, der “Hausdichter” des Vereins, schuf einen situationsbezogenen Gesangstext für die Uraufführung, die glänzende Kritiken erhielt. Dass Strauss den “Donauwalzer” noch im gleichen Jahr in Paris zu Gehör brachte, wurde von der französischen Presse hingegen nicht erwähnt. Großen Publikumszuspruch errang das Werk beim anschließenden Strauss-Gastspiel in London.

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Johann Strauss: An der schönen, blauen Donau, Erstausgabe für Klavier, 1867

Thema mit Variationen

Die Erstausgabe für Klavier erschien, für die damaligen Gepflogenheiten eher unüblich, bereits am Tag der Uraufführung. Die Nachfrage muss enorm gewesen sein, da allein der Originalverleger C. A. Spina innerhalb kürzester Zeit eine heute kaum mehr zu überblickende Zahl von Auflagen auf den Markt brachte. Nachdrucke im Ausland, Bearbeitungen für alle gängigen Instrumente und Ensembles, hochvirtuose Paraphrasen sowie Zitate in Werken anderer Komponisten wie auch von Strauss selbst zeugen von der ungeheuren Popularität des “Donauwalzers”. Es fehlte auch nicht an zahlreichen Versuchen, der Musik einen adäquaten Text zu unterlegen. Das süßlich-patriotische “Donau, so blau” von Franz von Gernerth konnte sich dabei noch am ehesten durchsetzen.

Mehr als nur ein Walzer

Wollte man ein einziges Werk von Johann Strauss stellvertretend für sein gesamtes Schaffen nennen, so wäre dies wohl der “Donauwalzer” – so geschehen bei zahlreichen “runden” Geburts- und Todestagen des Komponisten, aber auch bei Jubiläen der Komposition selbst. Noch zu Lebzeiten von Strauss stellte der “Kritikerpapst” Eduard Hanslick diese dem Gott erhalte von Joseph Haydn als “Volkshymne” an die Seite. Heute darf das Werk in den Flaggschiffen des Wiener Kulturexports, dem Neujahrskonzert und dem Opernball, nicht fehlen. An der schönen, blauen Donau diente auch als Motto für Filme, Revuen, Tanzdarbietungen, Theaterstücke, Romane und sogar Sachbücher. Nicht zuletzt machen auch wienbezogene Souvenirartikel vom “Donauwalzer”-Motiv Gebrauch.

http://www.wienbibliothek.at/veranstaltungen-ausstellungen/ausstellungen/donau-so-blau-150-jahre-schoenen-blauen-donau-johann

 

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Tina Blau

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Oberes Belvedere
Tina Blau
Meisterwerke im Fokus
Eröffnung: 15. Dezember 2016 | 19 Uhr
Kuratiert von Dr. Markus Fellinger
Ausstellung: 16. Dezember 2016 – 09. April 2017
Prinz Eugen-Straße 27, 1030 Wien
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Tina Blau, Blick auf Wien vom Oberen Belvedere, 1894/1895
Legat Peter Parzer, Wien Öl auf Holz, 26 × 39,5 cm
Einhundert Jahre nach ihrem Tod ehrt das Belvedere die Malerin Tina Blau mit einer Ausstellung im Rahmen der Reihe Meisterwerke im Fokus. Die Ausstellung zeigt Hauptwerke aus allen Phasen von Tina Blaus Laufbahn neben bisher kaum bekannten Werken, die im Zuge der Recherchen zum neuen Werkverzeichnis der Künstlerin wiedergefunden werden konnten.
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Tina Blau, Frühling im Prater, 1882
© Belvedere, Wien Öl auf Leinwand 214 x 291 cm
Die 1845 als Tochter eines jüdischen Arztes geborene Wienerin ist zu den erfolgreichsten Landschaftsmalerinnen ihrer Zeit zu zählen. Schon als 15-Jährige erhielt sie privaten Malunterricht, mit 16 unternahm sie ihre erste Studienreise nach Siebenbürgen. Nach ihrer Studienzeit in Wien und München war sie ab 1870 maßgeblich an der Entwicklung des sogenannten „österreichischen Stimmungsimpressionismus“ beteiligt. Ausgedehnte Aufenthalte in Ungarn, Holland, Italien, Deutschland, Frankreich und der Schweiz erschlossen ihr die aktuellsten Anregungen der europäischen Malerei ebenso wie die unzähligen Motive, an denen sie ihr Können schulte. So ergibt sich das Bild einer erstaunlich modern denkenden Malerin, die nicht nur als Mitbegründerin und Lehrerin der Kunstschule für Frauen und Mädchen, sondern vor allem als mutige und unabhängige Persönlichkeit eine enorme Vorbildwirkung für die nächsten Generationen junger Künstlerinnen entfaltete.
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Tina Blau, Ansicht des Palatin in Rom, 1886
© Belvedere, Wien Öl auf Holz, 33,3 x 48 cm
Ausstellungen der Reihe Meisterwerke im Fokus werden mit freundlicher Unterstützung des Dorotheum ermöglicht.

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Franz West Art Club

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21er Haus Museum of Contemporary Art
FRANZ WEST – ARTISTCLUB
Eröffnung: Opening:
Dienstag, 13. Dezember 2016 | 19 Uhr
Dir. Agnes Husslein-Arco
Kurator /Curator Harald Krejci
Robert Fleck, Prof. KuAkademie Düsseldorf
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
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Marina Faust – Franz West, Talk without Words
(Christopher Wool), 2012 © Marina Faust

Franz West – ARTISTCLUB

14. Dezember 2016- 23. April 2017

das 21er Haus präsentiert
Ausstellung Franz West – Art Club
zentrale Arbeiten des bedeutenden österreichischen Künstlers Franz West (1947–2012), die in Kooperation mit anderen Größen der zeitgenössischen Kunst, darunter Marina Faust, Douglas Gordon, Michelangelo Pistoletto, Rudolf Polanszky, Anselm Reyle und Heimo Zobernig, entstanden sind. Die Ausstellung reflektiert Wests Auffassung von Kunst als partizipatorischem Akt, sein Konzept der Einbindung unterschiedlicher künstlerischer Positionen in kollaborative Prozesse sowie seinen damit in Zusammenhang stehenden Begriff der Autorschaft.
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Marina Faust – Franz West, Talk without Words
(Christopher Wool), 2012 © Marina Faust
1947 in Wien geboren, kam West bereits als Jugendlicher in Berührung mit dem
Kunstfeld, neben Galerien- und Museenbesuchen, die ihm Einblicke in internationale Kunstbewegungen ermöglichten, erlebte er in seinem unmittelbaren Umfeld
Manifestationen der Wiener Aktionisten.
Angeregt durch Kontakte zur Literaten- und Intellektuellenszene Wiens begann
West früh mit der intensiven Lektüre und Reflexion philosophischer Schriften. Die Auseinandersetzung mit unterschiedlichen philosophischen Thesen – wobei der Bedeutungstheorie von Ludwig Wittgenstein eine besondere Rolle zuteilwerden
sollte – wirkte zeitlebens entscheidend auf Wests künstlerisches Schaffen.
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Opening# with Dir. Agnes Husslein-Arco
1970 begann West spontan und autodidaktisch mit seiner eigenen Kunstproduktion, nach kleinformatigen Papierarbeiten entstanden ab Mitte der 1970erJahre erste Passstücke, welche auf dem für West von nun an grundlegenden Prinzip der Partizipation aufbauten. „Ich nenne die Passstücke mit menschlichen Körpern Kunst.“ Die tragbaren, haptisch erlebbaren Gebilde, die als temporäre plastische Erweiterungen des menschlichen Körpers fungieren und den Rezipienten zum integralen Element des Kunstwerks erheben, zählen zu den einflussreichsten Arbeiten Wests. Auch die berühmten Sitzmöbel sowie die großformatigen Außenskulpturen Wests basieren auf dem Grundsatz
der Partizipation. West hinterfragte radikal das Verhältnis von Künstler, künstlerischer Arbeit und Rezipient, sein Werkbegriff ist definiert durch variante Bedeutungs- und Beziehungsgefüge.
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Franz West, Extroversion, 2000-2011 © Verein Archiv Franz West,
Foto: Stefan Altenburger,  Installation bestehend aus 43 Kunstwerken
von Franz West und Assistenten, Kunstfreunden und Kollegen 54. Biennale
di Venezia – ILLUMInations, Arsenale, Venedig 2011
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Opening# with Adelbert Köb
 „Alles, was wir sehen, könnte auch anders sein. Alles, was wir überhaupt beschreiben können, könnte auch anders sein.“ Ludwig Wittgenstein, Tractatus logico-philosophicus 5.634 Anders als bei einem gänzlich autonom gedachten Werk sollen keine endgültigen Antworten formuliert werden. So offerieren Wests Skulpturen und Installationen stets die Möglichkeit für einen Dialog mit dem Rezipienten, sowohl auf physisch erlebbarer sowie, oftmals durch entsprechende Begleittexte initiiert, auf intellektueller Ebene.
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Wests offener Werkbegriff, der im Unabgeschlossenen und Prekären der Passstücke seinen Anfang nimmt, findet konsequente Erweiterung in der Relativierung der Bedeutung der Autorschaft. Bereits nach den Erfahrungen des Wiener Aktionismus zeigte sich West zutiefst abgeneigt von einem heroischen Künstlerverständnis – „Ich finde diese Meisterfiguren und Idole ekelhaft“. Ganz in diesem Sinne wirkt Wests Arbeit jeglichem Pathos um die eigene Person und das Artefakt konsequent entgegen. Durch Strategien wie Mitautorschaft, Kollaboration und Zitatsowie durch die Neukomposition von Werken aus diversen  Schaffensphasen und die Einbeziehung von Arbeiten anderer Künstlerinnen und Künstler führte West ein subversives, oftmals auch humorvolles Spiel mit der Autorschaft sowie mit der Autonomie des Kunstwerks.
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Franz West/Andreas Reiter Raabe, Fleur Mal, 2012
Foto: Axel Schneider, Frankfurt am Main © Museum für Moderne Kunst
Frankfurt am Main. LED-Lampe, Papiermaché, Kartonrohre, Acrylfarbe, Metallkette
Ziel der Ausstellung im 21er Haus ist, die unterschiedlichen Szenarien, in welchen West multiple Autorschaften zusammenführte, aufzuzeigen und zu untersuchen. „Das ist ein Wittgensteinischer Gedanke, Teil einer Zusammengehörigkeit zu sein, einer Übereinkunft, aus der etwas entsteht, durch eine Interaktion.“ Die Ausstellung umfasst die in diesem Zusammenhang äußerst bedeutende Arbeit Extroversion, die West für die Biennale di Venezia 2011 (jenes Jahr, in dem ihm der Goldene Löwe für sein Lebenswerk verliehen wurde) konzipierte. West stülpte für die Installation die Wände der Küche seines Ateliers quasi um, die darin enthaltenen 43 künstlerischen Arbeiten von Freunden, Künstlerkollegen und Mitarbeitern traten nach außen.
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Opening# with Arch. Heidulf Gerngross
Sie behielten ihre Autonomie, wurden aber zugleich Teile einer komplexen
künstlerischen Entität. Neben dem charakteristischen Prozess der
Verlagerung von Werk- und Autorbegriff öffnet Extroversion zudem ein neues
spannendes Feld hinsichtlich Wests Erfahrung und Behandlung von Raum und Architektur. So bildet die Arbeit den Ausgangspunkt für einen zusätzlichen Fokus der Ausstellung, in dem anhand konkreter Konzepte Wests Raum- und
Architekturauffassung verhandelt wird.
Text: Véronique Abpurg
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Franz West, Extroversion, 2000-2011 © Verein Archiv Franz West,
Foto: Stefan Altenburger Installation bestehend  aus 43 Kunstwerken
 von Franz West und Assistenten, Kunstfreunden und Kollegen 54. Biennale
di Venezia – ILLUMInations, Arsenale, Venedig 2011
In winter of 2016, the 21er Haus will host an exceptional exhibition featuring Austrian artist Franz West (1947-2012), with a main focus on works made in collaboration with other leading visual artists, including Mathis Esterhazy, Marina Faust, Douglas Gordon,
Richard Hoeck, Sarah Lucas, Michelangelo Pistoletto, Rudolf Polanszky, Anselm Reyle,
and Heimo Zobernig among many others.
The exhibition summarises West’s belief in the juxtaposition of various artistic viewpoints through collaboration and in art as a participatory activity. His hugely influential Adaptives (early sculptural works begun in 1974) were made to be held and
adapted to the human body. Later works also invited participation and interaction, including furniture and his famous brightly-coloured aluminium sculptures. Throughout
his life, West combined works from different periods to produce new readings, often integrating works by other artists into his own. The comprehensive exhibition aims to
showcase why this particular artistic practice was crucial for the artist´s oeuvre as well as being one of the most innovative ones within the art practice of our time.
The exhibition has been conducted in close collaboration with the Franz West Privatstiftung (Foundation).
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Opening# with Arch. Heidulf Gerngross
Rahmenprogramm
Franz West – ARTISTCLUB
FÜHRUNGEN
Sonntag, 18. Dezember 2016 | 15 Uhr
Feiertage, 26. und 31. Dezember 2016
und 6. Jänner 2017 | 15 Uhr
Ab 8. Jänner 2017, jeweils Sonn – und Feiertags | 15 Uhr
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien

KURATORENFÜHRUNGEN
Franz West – ARTISTCLUB
Mittwoch, 25. Jänner 2017 | 18 – 21 Uhr
15. März 2017 | 18 Uhr
Mit Harald Krejci
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
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Opening#21er Haus 13.Dec.2016 with Curator Harald Krejci
Erstmals in Österreich rückt Franz West – ARTISTCLUB
Arbeiten des bedeutenden Künstlers Franz West (1947–2012),
die in Kooperation mit anderen großen Künstlerinnen und Künstlern
entstanden sind, ins Zentrum einer Ausstellung.
Kurator Harald Krejci spricht über Wests Auffassung von Kunst als
partizipatorischem Akt und sein Interesse an Gegenüberstellungen
verschiedener künstlerischer Standpunkte in kollaborativen Prozessen.
Franz West – ARTISTCLUB
PERFORMANCE
Marina Faust – Sonja Leimer
Für eine Weile, wer weiß wie lange
Mittwoch, 18. Jänner 2017 | 19 Uhr
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
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Marina Faust – Franz West, Talk without Words (Christopher Wool), 2012
Die Performance Für eine Weile, wer weiß wie lange greift eine Situation
aus dem Jahr 1999 auf, bei der Franz West den Tisch aus seiner ‘Creativity
Box’ gemeinsam mit einem Galeristen mit bunten Gaffern beklebt.
Unsere Performance ist eine Handlung nach Anweisung, die von jedem
ausgeführt werden kann. Das Endresultat ist ein Objekt, das an der
Wand angebracht wird. Es bleibt offen, was dieses Objekt ist. Wir haben
beschlossen, das Abziehen der Gaffer akustisch durch ein Mikrophon zu
verstärken. Marina Faust und Sonia Leimer, 2016
Blickle Kino im 21er Haus
Franz West – ARTISTCLUB
SCREENING
Franz West – Friends and Collaborators
Mittwoch, 25. Jänner 2017 | 19 Uhr |
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
Franz West – ARTISTCLUB
VORTRAG
Franz West und Martin Kippenberger
Getrennt kämpfen, vereint schlagen
Mittwoch, 1. Februar 2017 | 19 Uhr
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
Von Veit Loers (Kurator, Direktor a.D. Fridericianum, Kassel und Museum Abteiberg,
Mönchengladbach) Franz West und Martin Kippenberger lernten sich 1983
über deren beider Galeristen Peter Pakesch kennen. 1991 stellte Kippenberger
einem befreundeten Künstler West mit den respektvollen Worten
„Das ist der, der hier in Wien die Skulpturen macht“ vor. Doch nur wenig
ist über den Kontakt zwischen den beiden Künstlergrößen bekannt,
Veit Loers, der mit beiden befreundet war, spürt in seinem Vortrag dem
Verhältnis der beiden Ausnahmekünstler nach.
Franz West – ARTISTCLUB
SOUNDPERFORMANCE
Philipp Quehenberger
Mittwoch, 15. März 2017 | 19 Uhr
19. April 2017 | 19 Uhr
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
Blickle Kino im 21er Haus
Franz West – ARTISTCLUB
SCREENING | TALK
Mike Kelley
Mittwoch, 29. März 2017 | 19 Uhr
Mit John Miller (Künstler , Autor und Professor an der
Columbia University, New York)
Laura López Paniagua (Künstlerin / Autorin)
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
Franz West – ARTISTCLUB
PERFORMANCE
Richard Hoeck
Paris Refake Sieben Säulen
Mittwoch, 19. April 2017 | 19 Uhr
Exhibition: 14. Dezember 2016 – 23. April 2017
December 14, 2016 – April 23, 2017
Quartier Belvedere, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
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Opening Performance #21er Haus 13.Dec.2016
Franz Wests Performance mit sieben Säulen wurde erstmalig 1990 im
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris gezeigt. Sie steht in inhaltlicher
Nähe zu Samuel Becketts Drama Endspiel von 1956, das durch die
destruktive gegenseitige Abhängigkeit eines Dieners und seines Herrn definiert
ist. Sieben Kunststudierende trugen auf Anweisung von West so lange Gebilde
aus leeren Leimkübeln– in Proportion und modularem Aufbau der unendlichen
Säule von Constantin Brancusi nachempfunden – durch den Raum, bis der
Künstler der Aktion durch ein Signal ein Ende setzte. Richard Hoeck greift nun
im Sinne eines Fake – der mimetischen Nachahmung eines anderen Kunstwerks,
die im Gegensatz zur Fälschung selbst auf ihren gefälschten
Charakter hinweist – diese Performance auf und entwickelt in weiterer
Konsequenz sieben Fakes der West’schen Säulen. Wie in der Originalperformance
werden diese von sieben Kunststudierenden durch den Raum getragen.
Nach dem Ende der Aktion verbleiben die Säulen – Fakes auf dem „Nutzsockel“
von Heimo Zobernig in der Ausstellung.
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