Gallery 1957, Accra
Godfried Donkor
Opening: 7 August 2017 |
Exhibition: 8 August – 30 September 2017
Kempinski Hotel Gold Coast City
PMB 66 — Ministries
Gamel Abdul Nasser Avenue
Ridge — Accra, Ghana
http://www.gallery1957.com/

Godfried Donkor, Jamestown Masquerade XI, 2006, fine art print.
Courtesy of the artist.

This summer, Gallery 1957 hosts a major solo exhibition by Godfried Donkor featuring a new body of work created in Ghana. With a career spanning almost three decades, Donkor’s complex and multi-layered portrayals of historical events combine reality and fiction through collage, painting, drawing and photography.

Born in Ghana, Donkor studied across Europe before settling in the UK. Working across continents and cultures, his sociological explorations consider the shared histories of Africans and Europeans. Donkor has exhibited widely at museums and biennials internationally, including most recently at Afriques Capitales – curated by Simon Njami at La Villiette, Paris, 2017 – and EVA International – Ireland’s Biennial curated by Koyo Kouoh, Limerick, 2016

Godfried Donkor, Black Madonna with Rainbow, 2010,
oil and gold leaf on canvas,

The artist’s new body of work reimagines an illustration by the 19th century English explorer Thomas Bowdich, now held in the National Maritime Museum, Greenwich, London and thought to be the first recorded image of the visual aesthetic and culture of the Asante region of Ghana. Created in 1818,The First Day of the Yam Custom depicts a procession from the annual Asante yam festival in Kumasi, an event held to mark the first harvest of yams during the autumn season. Sent to West Africa by the Royal African Company – a British commerce corporation – Bowdich was employed to negotiate a treaty with the king of the Asante region: Osei Bonsu. Bowdich’s image, and verbal description of the 1817 procession, was documented in his resulting publication, Mission From Cape Coast Castle to Asantee.

Using installation, painting and collage on board, Donkor’s exhibition will reinterpret this scene on a life-size scale. The exhibition follows the artist’s 4 month residency in Ghana with Gallery 1957.

About Godfried Donkor

Born in 1964 in Kumasi, Ghana, Godfried Donkor grew up in Europe and studied at Central St Martins and SOAS in London and Escolla Massana in Barcelona, earning his B.A. in 1989 and M.A. in 1995.

Since the 1990s, Donkor has exhibited widely throughout the world especially in Africa, Europe and the United States. Selected group and solo exhibition include: Afriques Capitales, La Villiette, Paris (2017); EVA International – Ireland’s Biennial (2016); Conversations: African and African American Artworks in Dialogue, Smithsonian National Museum of African Art, Washington D.C. (2014-16); Speaking of People: Ebony, Jet and Contemporary Art, Studio Museum, Harlem (2014 -15); How far how near, Stedelijk Museum, Amsterdam (2014 -15); Hollandaise, Raw Material Company, Dakar (2013); Black Germany, Haus de Kunst, Munich (2012); Trade and Empire: Remembering Slavery, Whitworth Art Gallery, Manchester (2007-08); Abolition 07, Hackney Museum, London (2007); Around the World in 80 days, ICA, London (2006); Concerto in Light and Darkness no 1, National Museum, Ghana (2005); Pin Up, Tate Modern, London (2004); Financial Times, Ecole Regionale des beaux Artes, Nantes (2004); Whose Africa, Horniman Museum, London (2000); 7th Havana Biennale, Havana (2000); Wrestling and Mysticism, Dak’Art 2000, Dakar

Godfried Donkor, The Olympins IV, 2003, oil on canvas,
163 cm x 183 cm. Courtesy of the artist.

Museum collections which hold works by the artist include The Stedelijk Museum, Amsterdam; Studio Museum in Harlem, New York; Whitworth Art Gallery, Manchester; Smithsonian National Museum of African Art, Washington D.C.; National Collection of Senegal; World Bank collection, Washington D.C.; Art Omi, Ghent, New York; Unilever collection; University of Helsinki; and National Gallery of Botswana.

He has taught and lectured widely as universities globally including: University of the Arts London; Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST), Kumasi; University of Lancaster; Nottingham Trent University; Otis College of Art and Design, California; Art Center College of Design, California; U.C.L.A, California and Mills Collage, Oakland.

Galeria Henryk w Krakowie
You Want A Piece Of Me?
Katarzyna Szymkiewicz
OPENING:
Sa, 22. Jul 2017 | 19 – 22 pm
wernisaż: 22 lipca 2017 | godz. 19H
kurator: Aleksander Celusta
Exhibition: 23 lipca — 26 sierpnia 2017
Od 23 lipca do 26 sierpnia 2017 roku
Wrzesińska 4/1, 31-031 Krakau
http://www.henrykgallery.com/

I’m Mrs. Extra, Extra, This Just In
(You want a piece of me?)

«You Want A Piece Of Me?» to pierwsza indywidualna wystawa Katarzyny Szymkiewicz, tegorocznej zwyciężczyni 16. Edycji konkursu Artystyczna Podróż Hestii. Tytuł prezentowanej w Galerii Henryk wystawy to refren kultowej piosenki Britney Spears, traktującej o sytuacji rozchwytywanej medialnie gwiazdy muzyki pop. Przywołany tekst w sposób czytelny, lecz jedynie mimochodem odnosi się do sytuacji młodej artystki po pierwszym znaczącym sukcesie. Tytułowe „pieces” w pierwszej kolejności referują do praktyki artystycznej Katarzyny Szymkiewicz, która o swoich pracach myśli w kategoriach elementów, drobin, cząstek i fragmentów.

Eksperymentom malarsko-przestrzennym Szymkiewicz towarzyszy myśl zakorzeniona w koncepcji formy otwartej. Obiekty malowane na płótnie naciągniętym na tekturę i modelarską piankę, to komponenty o potencjale interakcyjnym. Ze zbudowanych cząstek powstają kompozycje podlegające nieustannym przeobrażeniom. Artystka niczym szalony wynalazca, eksperymentator wiąże ze sobą poszczególne elementy tworząc złożone konstelacje o określonych właściwościach emocjonalnych/energetycznych zanurzonych w kategoriach stylu: formy, kształtu i koloru. Ta wizualna chemia powstaje na styku kilku mediów: rysunku, rzeźby, obiektu, instalacji. Zgodnie z powyższym, wystawa «You Want A Piece Of Me?» Jest próbą zamrożenia twórczego procesu Szymkiewicz. Formy skazane na ewolucję dostaną drugie, a nie rzadko trzecie i czwarte życie.

Realizacje Katarzyny Szymkiewicz nawiązują do nurtu minimalizmu amerykańskiego. Ten z kolei w nawiązaniu do siebie oraz innych estetyk przybiera obecnie postać tzw. zombie abstraction. Hasło to definiuje kontekst miejsca – Stanów Zjednoczonych, ducha epoki – rozwoju technologii, cyfryzacji, nowych form komunikacji czy last but not least – zmian na polu rynku sztuki czy pojawieniu się nowej generacji kolekcjonerów. Paradoksalnie wygrana przez Katarzynę rezydencji w Nowym Yorku jest niczym innym jak spektakularnym spełnieniem tzw. wishful thinking niejednego galerzysty.

https://www.facebook.com/events/775210142650053/?active_tab=discussion

KUNSTHISTORISCHES MUSEUM WIEN
RUBENS
KRAFT DER VERWANDLUNG
Pressekonferenz:
Montag, 16. Oktober 2017 | 10 Uhr
Eröffnung: Montag, 16. Oktober 2017 | 19 Uhr
Ausstellung: 17. Oktober 2017 – 21. Jänner 2018
KHM, Kuppelhalle
Burgring 5, 1010 Wien, Österreich
http://www.khm.at/rubens2017

Peter Paul Rubens (1577 Siegen – 1640 Antwerpen)
Detail aus “Die vier Flüsse des Paradieses” um 1615
Leinwand, 110 cm x 85,5 cm x 2,4 cm
© KHM-Museumsverband

RUBENS
KRAFT DER VERWANDLUNG
Rubens kommt! Ab 17. Oktober präsentiert das Kunsthistorische Museum den berühmten Barockmaler Peter Paul Rubens (1577–1640) im Kontext mit seinen Inspirationsquellen und Vorbildern. Die große Sonderausstellung zeigt anhand von Werken aus der eigenen Sammlung sowie rund 70 Leihgaben aus den großen Sammlungen der Welt, wie Rubens bei anderen Künstlern – in Werken seiner Zeitgenossen ebenso wie in Gemälden bedeutender Renaissancemaler sowie Skulpturen aus Antike und Renaissance – Inspiration fand, wie er arbeitete und wie ihm seine eindringlichen, überlegt komponierten Kunstwerke gelangen.
Für die gattungsübergreifende Ausstellung konnten u. a. Leihgaben aus dem Prado und dem Thyssen-Bornemisza-Museum in Madrid, der Eremitage in St. Petersburg, dem Königlichen Museum der Schönen Künste in Antwerpen oder der National Gallery of Art in Washington D.C. gewonnen werden.
Eine Ausstellung des Kunsthistorischen Museums Wien und des Städel Museums in Frankfurt am Main (8. Februar 2018 – 21. Mai 2018).

Peter Paul Rubens (1577 Siegen – 1640 Antwerpen)
Detail aus “Die vier Flüsse des Paradieses” um 1615
Leinwand, 110 cm x 85,5 cm x 2,4 cm
© KHM-Museumsverband

70 Leihgaben aus den großen Sammlungen der Welt

Peter Paul Rubens (1577 Siegen – 1640 Antwerpen) war seinerzeit ein Star – und ist es bis heute! Sein Name steht für die Malerei einer ganzen Epoche, die Zeit des Barock. Doch kommt auch die Kunst der Gegenwart oft nicht an ihm vorbei.

Das gewaltige Lebenswerk dieses Genies umfasst großformatige Altarbilder, die an Dynamik und Farbgewaltigkeit alles übertreffen, was seine Zeitgenossen gewöhnt waren. Aber auch sinnliche Akte und dramatische Bilderzählungen gehören dazu. Ebenso verbindet man Rubens mit intimen und privaten Gemälden. Zu den berühmtesten zählt etwa Das Pelzchen im Kunsthistorischen Museum. Die Darstellung ist eine regelrechte Liebeserklärung des Malers an seine zweite Gemahlin, die junge wie schöne Hélène Fourment.

Großartig und voller Lebendigkeit ist auch die Gewitterlandschaft, die Rubens wohl aus persönlichem Interesse an Problemen der Landschaftsdarstellung beginnt und zeitlebens verwandelt.

Die Sonderausstellung ermöglicht erstmals, diese und viele andere Wiener Meisterwerke im Kontext von Rubens’ Vorzeichnungen, Ölskizzen, Tafelbildern und Leinwänden neu zu erleben.

Die Werkauswahl, darunter etwa 70 Leihgaben aus den großen Sammlungen der Welt – dem Prado in Madrid, der Eremitage in St. Petersburg oder der National Gallery of Art in Washington D.C. – ist dabei so getroffen, dass Gegenüberstellungen verdeutlichen, wie Rubens arbeitet, wie ihm seine eindringlichen, überlegt komponierten Kunstwerke gelingen.

Es ist damit der spannendste Aspekt seines Schaffens thematisiert: die Auseinandersetzung des Malers mit Quellen und Vorbildern. Die Ausstellung möchte anhand einiger Beispiele zeigen, wie Rubens bei anderen Künstlern – in Werken seiner Zeitgenossen ebenso wie in Gemälden bedeutender Renaissancemaler – Inspiration findet. Zugleich tritt er zeitlebens mit der Bildhauerkunst aus Antike und Renaissance in Dialog.

Monte Carlo Bay Hotel and Resort
Mark Hachem gallery
ALFRED BASBOUS – Sculptures
PRIVATE VIEWING
July 20, 2017 | 6:30 – 9:00 pm,
followed by a cocktail reception
EXHIBITION
July 21 – August 31, 2017
Mediterranean Garden, 40 Av. Princesse Grace
98000 Monaco
https://www.markhachem.com
BY INVITATION ONLY RSVP

Mark Hachem gallery is delighted to present a survey of sculptures by artist Alfred Basbous (1924 – 2006).
A pioneer of Modernist sculpture, Basbous drew upon the influence of Jean Arp,
Constantin Brancusi and Henry Moore to create stone and bronze sculptures of often monumental proportions.
The exhibition brings together a series of sculptures that demonstrate Basbous’ exploration of the relationship between form and material.
Basbous was born in Rachana,15 km from Byblos, Lebanon, and was a key contributor towards the development of Modernism in the region during the second half of the twentieth century. He sought to express form in its purest, most unadulterated conception. He developed a sculptural language, experimenting with figurative and abstracted elements of the human figure, in particular the female body, in combination with organic lines.
This exhibition features predominantly abstract works in bronze. .

Schlachthaus. fresh&fine art @ SevenStarGallery
Die Landschaft in uns
The Landscape Inside Us
Opening: Eröffnung: 21. July 2017 | 6 pm
21. Juli 2017 I 18 Uhr
ARTISTS: Claus Brunsmann, Mariana Hahn, Thorsten Heinze,
Miru Kim, Kate McMillan, Jesus Pastor, Shingo Yoshida
CURATORS: Constanze Kleiner,
Rachel Rits-Volloch, and Stephan von Wiese
Exhibition: Ausstellung: 22.July – 26.August 2017
Gormannstr 7 • 10119 Berlin
https://www.schlachthaus-ffa.com
https://www.sevenstargallery.com
https://www.momentumworldwide.org

Shingo Yoshida, The End of Day and Beginning of the World, 2015

Die Landschaft in uns
The Landscape Inside Us

22.Juli – 26.August 2017

Künstler: Claus Brunsmann, Mariana Hahn, Thorsten Heinze, Miru Kim, Kate McMillan, Jesus Pastor, Shingo Yoshida Kuratoren: Constanze Kleiner, Rachel Rits-Volloch und Stephan von Wiese

fresh&fine art setzt sich in seiner zweiten Ausstellung mit Formen innerer Landschaftsbilder auseinander. Die Darstellung wird hier zu einem narrativen Prozess, zum kontemplativen Erlebnis. Die Ausstellung „Die Landschaft in uns“ stellt die explosive Malerei von Claus Brunsmann in einen Dialog mit fünf unterschiedlichen internationalen Künstlern, die vorrangig mit den Medien Fotografie und Film sowie mit Mitteln der Performance arbeiten.

Gezeigt wird eine große komplexe Werkgruppe von sechzehn großformatigen Bildern des in Berlin lebenden Malers Claus Brunsmann. Diese Werke vermischen malerisch Daten des Innen- und Außenlebens, Objekte werden im Mal-Akt auf spontane Weise defiguriert, Inhalte werden verdichtet. Durch die spezielle Maltechnik des Künstlers, vor allem geprägt von plötzlichen Interventionen mit Rakeln in die Farbschichten, werden Räume geöffnet und wieder geschlossen. Harte Schnitte legen grell leuchtende Flächen frei, die zu unerwarteten Informationsträgern werden und kaleidoskop-artig neue Zusammenhänge herstellen.

Claus Brunsmanns Werk der letzten 10 Jahre ist inhaltsschwer, geprägt von zunehmender Verdichtung. Diese Ballung an Energie ist kaum erträglich, sie provoziert den Künstler zur Entfesselung von purer Farbe. Dadurch entsteht die unverwechselbare Wucht der Bilder von Claus Brunsmann. Für ihn ist die Kunst seit Beginn der Menschwerdung die Inkarnation von Ritual und Spiritualität. Dem geht er in seinem Werk bis heute nach.”Distorted Memories of Nature” war 2012 in Hamburg der Titel eines breiten Werküberblicks des Malers, der an der Düsseldorfer Akademie Meisterschüler von Jannis Kounellis war.

Dieser extremen Position von Malerei über Malerei, stellt die Ausstellung die kontemplative Landschaft “I too am a monk, I too am the sea“ von Mariana Hahn gegenüber. Diese Fotoinstallation, lässt die Gestalt der Künstlerin in einem mönchsartigen Gewand vor den Weiten des Meeres als dem mythischen Ursprungselement, erscheinen. Es ist ihre Auseinandersetzung mit dem romantischen Bild „Mönch am Meer“ von Caspar David Friedrich.

Die Konfrontation mit den Urelementen findet auf andere Weise auch in der Farbfotoserie der in New York lebenden Koreanerin Miru Kim „The Camel’s Way“ Gestalt. Die Künstlerin stellt sich in dieser Fotofolge nackt den Weiten der Wüste. Die Fragilität ihrer Gestalt und Körperhaltung, die trotz der Härte ihrer Umgebung Gelassenheit ausstrahlt, spiegelt damit plötzlich die ebenso existente Zerstörbarkeit ihrer Umgebung. Auch hier ist die Metapher der Landschaft Ausdruck inneren Erlebens.

Ein ähnlich einsames Szenarium sind die Fotografien des japanischen Filmemachers und Fotokünstlers Shingo Yoshida. Er bereist in Extremgebiete der Erde und sucht Mythen geladene Orte, etwa in Sibirien den Punkt, wo der 180ste Meridian und der Arctic Circle aufeinandertreffen. Die Weite und Unberührtheit dieser Gegenden festhaltend, wird die Flüchtigkeit der Spur des Menschen darin plötzlich fragwürdig.
Die dreiteilige Fotoedition “Vast Structure of Recollection” der australischen Medienkünstlerin Kate McMillan ist der sie faszinierenden Beziehung zwischen Körpererinnerung und Landschaft gewidmet. Mit den Mitteln der Fotografie, des
Films und der Skulptur erforscht sie den Grad der Ablagerung von Erinnerung und deren Verortung anhand von stillen Gesten, Landschaft und Objekten, mit denen wir uns umgeben. McMillans Arbeiten sind nicht endender Dialog zwischen Abstraktion, gefühlter Erfahrung und Erinnerung – eine Art sichtbar werdendes Gedicht. Abgelegene, steinige Wege auf Island hat der spanische Dokumentationsfotograf Jesus Pastor festgehalten. Das Bildmotiv Stein und Abgrund wiederholt sich in seiner Bildfolge wie ein Mantra. Die Beschränkung der Darstellung auf ein bestimmtes Detail ist immer wieder ein pointiertes Mittel, um die Imaginationskraft des Betrachters in Gang zu bringen.
Die unverwechselbarste aller menschlichen Landschaften sind die Handflächen. Die Porträtaufnahmen von Marcel Marceau in der Ausstellung zeigen nichts als die Innenflächen seiner Hände. Ihr Fotograf, Thorsten Heinze, war 17 Jahre lang spiritueller Guide, Schüler, Assistentin, Freund und enger Begleiter von Marcel Marceau auf den Bühnen der Welt. Auch diese bewegten Momente sind Bilder inneren Erlebens.

Miru Kim, The Camel’s Way, 2012

With it’s second exhibition, “The Landscape Inside Us”, Schlachthaus. fresh&fine art addresses the depiction of landscape, both inner and external, as a narrative process and a contemplative experience.
The gallery presents a complex series of works consisting of sixteen large format paintings by Berlin-based painter Claus Brunsmann. These works pictorially intermix the inner and outer life. Within the act of painting, figurative objects are impulsively deconstructed while contents are intensified. Glaring surfaces are revealed by sharp
incisions and turned into unexpected forms while new contexts arise. The oeuvre of Claus Brunsmann of the past 10 years is of significant matter and characterised by an increasing density. This concentration of energy provokes the artist into the unleashing of colour, creating an unmistakable power in the works of a painter who’s recurrent topic has been the role of art as the incarnation of ritual and spirituality.
Claus Brunsmann had been Jannis Kounellis’ master student at the Academy Of
Fine Arts in Düsseldorf, and in 2015 Brunsmann was given a major retrospective in Hamburg entitled “Distorted Memories of Nature”.
This exhibition, “The Landscape Inside Us”, brings Brunsmann’s explosive paintings into dialogue with works by five diverse international artists. In Mariana Hahn’s contemplative landscape work “I too am a monk, I too am the sea“, the photo installation displays the artist wearing a monk-like robe while standing in front of the vastness of the sea, the mythical element of origin.

I Jesus Pastor, Island, 2017

This is Hahn’s examination of artist Caspar David Friedrich’s Romantic work „The Monk by the Sea“. The same confrontation with the elements of origin can be found in New York-based Korean artist Miru Kim’s series of colour photographs “The Camel’s Way“. In Kim’s photoseries, the artist exposes herself naked within the vastness of the desert. The fragility of her figure and poise, calm despite the surrounding severity, reflects on the equal destructibility of her environment. Again, the metaphor of landscape becomes the expression for inner experience. Similarly extreme landscapes are the subjects of Japanese filmmaker and photo artist Shingo Yoshida’s photographs. Travelling to the extremes of the earth, he searches for places which are loaded with myths, such as the spot in Siberia where the 180th meridian and the Arctic Circle intersect. Capturing the vastness of the landscape, Yoshida’s images ask us to confront our transient imprint upon it. The three part photo edition entitled “The Vast Structure of Recollection” by Australian artist Kate McMillan explores the artist’s fascination with the relationship between body memory and landscape. Using film, photography and sculpture, McMillan explores how the intense residue of memory can be located through quiet gesture, landscape, and the objects we carry around with us. Exploring internal and external landscapes alike, McMillan’s practice encompasses an open-ended dialogue between abstraction, felt experience and memory; a sort of visual poem. The Spanish documentation photographer Jesus Pastor captures remote, stony paths from Iceland. Like a mantra, the motif of stone and precipice repeats itself, focusing on a single detail of the landscape to arouse the viewer’s imagination. The most distinctive human landscape is the palm of the hand. The portraits of Marcel Marceau in the exhibition show nothing more than the palms of his hands. The photographer, Thorsten Heinze, was once Marceau’s spiritual guide, student, assistant, friend and close companion on the world’s stages for 17 years. These moving moments form images of inner experience. Constanze Kleiner, Rachel Rits-Volloch, Stephan von Wiese

https://www.schlachthaus-ffa.com
https://www.sevenstargallery.com
https://www.momentumworldwide.org

MUSEUM FÜR FOTOGRAFIE
ARBEITEN IN GESCHICHTE.
ZEITGENÖSSISCHE FOTOGRAFIE UND DIE KULTURREVOLUTION
MUSEUM FÜR FOTOGRAFIE
PRESSEKONFERENZ
Donnerstag, 17. August 2017, 11 Uhr
ERÖFFNUNG: Donnerstag, 17. August 2017 | 19 Uhr
AUSSTELLUNG: 18. August 2017 – 7. Januar 2018
Jebensstraße 2, 10623 Berlin
http://www.smb.museum/

http://www.smb.museum/ausstellungen/detail/arbeiten-in-geschichte.html

Mo YiRot , 1985Farbabzug (2017), 81,1 x 58,1 cm© Mo Yi

Arbeiten in Geschichte
Zeitgenössische chinesische Fotografie und die Kulturrevolution

18.08.2017 bis 07.01.2018
Museum für Fotografie

Die Ausstellung eröffnet den Blick auf eines der faszinierendsten und zugleich doch kaum erforschten Kapitel der Fotografiegeschichte: ein deutsch-chinesisches Kuratorenteam – Ludger Derenthal (Staatliche Museen zu Berlin), Wang Huangsheng (CAFA), Guo Xiaoyan (Minsheng Art Museum) – fragt nach den Folgen der Kulturrevolution für die aktuelle chinesische Kunst- und Fotografieszene. So verhilft die historische Perspektive zu einem besseren Verständnis der zeitgenössischen chinesischen Fotokunst.

Während der Kulturrevolution von 1966-1976 wurde die Fotografie vielfältig eingesetzt. Die historischen Aufnahmen jener Jahre bilden oft das Fundament für die Arbeiten aktueller Fotografen und Künstler, die Massengruppenporträts, private Fotografien oder Presseaufnahmen bedeutender Ereignisse auf vielfältigste Art transformieren und in gegenwärtige Bildsprachen übersetzen.

Shao Yinong & Mu ChenDie Versammlungshallen-Serie – Yangzheng, 2003Farbabzug, 120 x 168 cm© Shao Yinong & Mu Chen

Fotokünstler wie Cai Dongdong, Cao Kai, Mo Yi, Wang Qingsong, Wang Youshen und Zhang Dali setzen sich unmittelbar mit einem in der Kulturrevolution wichtigen Phänomen – der Nutzung der Fotografie als Propagandamedium – auseinander, indem sie Formen der Zensur und Montage offenlegen, die Heroisierung von Mao Zedong, ausgewählter Parteikadern und Soldaten im Bild hinterfragen oder Presseaufnahmen neu kontextualisieren. Andere Künstler (Mu Chen, Qu Yan, Shao Yinong , Zhang Kechun) dokumentieren die noch vorhandenen Hinterlassenschaften der Kulturrevolution – die Versammlungshallen und Parteizentralen – oder fotografieren das rituelle Wiederaufleben von symbolischen Aktionen jener Jahre. Und schließlich nutzen andere Künstler wie Feng Mengbo, Hai Bo, He Chongyue, Maleonn, Song Yongping, Wang Ningde und Zhuang Hui die Kraft der Fotografie zur Erforschung individueller Biografien, indem sie nach dem damaligen und heutigen Gebrauch von Passfotos, Knipserbildern und Gruppenporträts fragen.

Zhang KechunMenschen queren den Gelben Fluss mit einem Foto von Mao Zedong, Henan , 2012Tintenstrahldruck, 120 x 147 cm© Zhang Kechun

Die Ausstellung wird in zwei Teilen präsentiert: etwa ein Drittel ist der historischen Bildwelt der Kulturrevolution gewidmet. Sie setzt den Kontrapunkt zu den vielfach großformatigen, oft seriell angelegten zeitgenössischen Positionen, die in einer großzügigen Auswahl zusammen mit Videoinstallationen und Fotoskulpturen gezeigt werden.

Eine Ausstellung der Kunstbibliothek, Staatliche Museen zu Berlin, und der Gesellschaft für Deutsch-Chinesischen Kulturellen Austausch e.V. (GeKA), gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds.

KARLSKIRCHE  KASSEL
Evangelische Kirche von Kurhessen-Waldeck
LUTHER UND DIE AVANTGARDE
Zeitgenössische Kunst in Wittenberg, Berlin und Kassel
Werke von SHILPA GUPTA
THOMAS KILPPER & MASSIMO RICCIARDO
Kuratorin Susanne Kleine
Ausstellung: 19. Mai – 17. September 2017
Karlsplatz, 34117 Kassel
https://www.ekkw.de

Thomas Kilpper«Ein Leuchtturm für Lampedusa!»

Evangelische Kirche von Kurhessen-Waldeck präsentiert Ausstellung in Kassel zum Reformationsjubiläum

«Ein Leuchtturm für Lampedusa!» mitten in Kassel. Mit Hilfe von Material von Flüchtlingsbooten hat der Künstler Thomas Kilpper den Kirchturm der Kasseler Karlskirche zum Leuchtturm umgestaltet. Der Kirchturm und die Ausstellung in der Kasseler Karlskirche sind Teil des Ausstellungsprojektes «Luther und die Avantgarde». Die Ausstellung in Kassel wurde am Sonntag (21.05.) mit einem feierlichen Gottesdienst mit Bischof Martin Hein eröffnet. Die Ausstellung läuft vom 19. Mai bis zum 17. September 2017. Zentraler Ausstellungsort des Projektes «Luther und die Avantgarde» ist das Alte Gefängnis in der Lutherstadt Wittenberg, in dem 66 Künstler ihre Arbeiten zeigen, teilte die Pressestelle der Evangelischne Kirche von Kurhessen-Waldeck mit. In der Karlskirche in Kassel sind Einzelpräsentationen der indischen Künstlerin Shilpa Gupta und der Künstler Thomas Kilpper (Berlin, Bergen) & Massimo Ricciardo (Turin) zu sehen.

Thomas Kilpper widmet sich in seiner Arbeit «Ein Leuchtturm für Lampedusa!» der aktuellen Flüchtlingsthematik. Er verwandelt den Glockenturm unter Verwendung von Material von Flüchtlingsbooten in ein Symbol der Orientierung. Ergänzt wird die Installation durch die Arbeit «Inventuren der Flucht» von Thomas Kilpper & Massimo Ricciardo.

Es handelt sich um eine Installation von Gegenständen, die Flüchtlinge auf ihrer Überfahrt nach Europa verloren haben. Von Shilpa Gupta sind vier Kunstwerke zu sehen, die sich mit dem gesprochenen Wort auseinandersetzen. Das Hauptwerk ist die Klangskulptur «I Keep Falling at You», die die Macht der Sprache im digitalen Zeitalter thematisiert. Wie ein riesiger Bienenschwarm hängen mehr als tausend Mikrofone von der Decke, aus denen Flüstern und Singen zu hören ist. Von Gupta sind mit «Heat Book», «Nothing Will Go on Record» und «24:00:01» drei weitere Arbeiten zu sehen, die sich mit der Macht des geschriebenen Wortes sowie Redefreiheit und Zensur auseinandersetzen.

Neben Ausstellung in Kassel gibt es ein umfassendes Begleitprogramm mit Andachten, einer Gottesdienstreihe, Vorträgen, Podiumsdiskussionen, Künstlergesprächen, Musik, Führungen und vielem mehr geben. Eine Jugendprojektwoche und eine Unterrichtsreihe «Die Bilder sind frei» sind ebenfalls geplant.

Während der Ausstellungszeit werden an 120 Tagen Helferinnen und Helfer in jeweils drei Schichten gebraucht: 9.30 bis 13.00 Uhr, 12.30 bis 16.30 Uhr und 16.00 bis 20.00 Uhr. Die Ehrenamtlichen werden in Vorfeld in zwei Schulungen auf ihre Aufgabe vorbereitet. Interessierte können sich online als Helfer regestrieren (siehe Link).

Informationen rund um die Ausstellung und das Begleitprogramm erhalten Sie unter der Telefon (0561) 9378-479. (03.04.2017)

Die Klangskulptur «I Keep Falling at You» (Foto: © Shilpa Gupta)

http://www.ekkw.de/reformation2017/lutherunddieavantgarde_termine.php

© Korpys/Löffler, Installationsansicht Wittenberg, Foto: Daniel Biskup

Museum der Moderne Salzburg Mönchsberg
Atrium des Rupertinum
William Kentridge
Thick Time. Installationen und Inszenierungen
Vorbesichtigung und Pressegespräch
Freitag, 28. Juli 2017 | 10 Uhr
kuratiert von Iwona Blazwick und Sabine Breitwieser.
Kuratorin: Sabine Breitwieser, Direktorin;
mit Tina Teufel, Assistenz-Kuratorin
Beratende Kuratorin für den Bereich Theater:
Denise Wendel-Poray, Paris
Ausstellungsarchitektur: Sabine Theunissen
29. Juli – 5. November 2017
Mönchsberg, Ebene 4 & Auditorium
Rupertinum, Ebene 1 & 2
Mönchsberg 32 5020 Salzburg
Austria
http://www.museumdermoderne.at/n

Vorbesichtigung und Pressegespräch
Gesprächspartner_innen Sabine Breitwieser, Direktorin und William Kentridge

Nach dem Pressegespräch und der Vorbesichtigung auf dem
Mönchsberg wird ein Shuttle-Service zum Rupertinum angeboten.

Mönchsberg Auditorium
William Kentridge
Thick Time. Installationen und Inszenierungen
Ausstellungsgespräch
Sonntag, 30. Juli 2017 | 15 Uhr
Gespräch von Sabine Breitwieser mit William Kentridge
und Markus Hinterhäuser, Intendant der Salzburger Festspiele
29. Juli – 5. November 2017
Mönchsberg, Ebene 4 & Auditorium
Rupertinum, Ebene 1 & 2
Mönchsberg 32 5020 Salzburg
Austria
http://www.museumdermoderne.at/n

Rupertinum
William Kentridge: Ways of Seeing Opera
Ausstellungsgespräch
Montag, 31. Juli 2017 | 16.30 Uhr
mit William Kentridge und Denise Wendel-Poray,
beratende Kuratorin für den Bereich Theater
Moderiert von Sabine Breitwieser
29. Juli – 5. November 2017
Mönchsberg, Ebene 4 & Auditorium
Rupertinum, Ebene 1 & 2
Wiener Philharmoniker Gasse 9
5020 Salzburg
http://www.museumdermoderne.at/n

O Sentimental Machine (Oh empfindsame Maschine) 2015

Fünfkanal-Videoinstallation High-definition Video (Farbe und schwarz-weiß, Ton), 9:55 Min. 4 Megafone Videostill

Beauftragt von Carolyn Christov-Bakargiev für SALTWATER, 14. Istanbul Biennale, Istanbul, TR, 2015; Ausstellungsort: Hotel Splendid Palace, Büyükada Island, TR

Courtesy William Kentridge, Marian Goodman Gallery, Goodman Gallery and Lia Rumma Gallery

William Kentridge
Thick Time. Installationen und Inszenierungen
29. Juli – 5. November 2017
Mönchsberg [4] & Auditorium
Rupertinum [1] & [2]

Das Museum der Moderne Salzburg zeigt eine umfangreiche Werkschau des international gefeierten südafrikanischen Künstlers William Kentridge, die sich über beide Standorte erstreckt. Auf dem Mönchsberg sind eindrucksvolle Multimedia-Installationen zu sehen, während im Rupertinum erstmals seine Arbeiten für Theater und Oper im Zentrum einer eigenen Ausstellung stehen – gleich gegenüber vom Haus für Mozart, wo Kentridge Alban Bergs Oper Wozzeck für die Salzburger Festspiele inszeniert. Im Atrium des Rupertinum ist zusätzlich eine neue Installation zu sehen, die ein Jahr lang bestehen bleiben wird.

Salzburg, 28. Juli 2017. William Kentridge (1955 Johannesburg, ZA) wurde in den 1990er-Jahren mit expressiven, in Videos animierten Zeichnungen bekannt. Sein bisher vier Jahrzehnte umspannendes Gesamtwerk changiert zwischen unterschiedlichen künstlerischen Disziplinen. Seit vielen Jahren arbeitet Kentridge erfolgreich an großen Opern- und Theaterproduktionen. Seine enge Beziehung zum Theater, für das er als Schauspieler, Produzent, Bühnenbildner und Kostümdesigner tätig ist, fließt in seine Arbeit als bildender Künstler ein, und vice versa. In seinen multimedialen Inszenie-rungen sowohl für Ausstellungen wie auch für die Bühne vereint er groß-artige Zeichenkunst mit theatraler Lebendigkeit. Als roter Faden zieht sich die thematische Beschäftigung mit Kolonialismus, Revolution und Exil und mit der Bedeutung und den Ausdrucksformen von Zeit durch Kentridges Werk. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Epischem und Alltäglichem, zwischen Ausgelassenheit und Tragödie. „William Kentridge demonstriert uns ein ebenso umfassendes wie einzigartiges Instrumentarium an künstlerischen Mitteln, mit dem er in fast magischer Weise unterschiedliche Disziplinen und Genres miteinander verknüpft. Dabei nimmt alles seinen Ausgang in Kentridges Studio in Johannesburg, wo der Künstler mit seinem Team durch Experimentieren und Improvisieren seine Projekte entwickelt. Das Studio ist für ihn jedoch mehr als nur ein Ort der freien Gedankenwelt und der Produktion, denn Kentridge nutzt es auch als Archiv früherer Ideen, die immer wieder neu verarbeitet und aufgeführt werden“, erläutert Sabine Breitwieser, Direktorin des Museum der Moderne Salzburg und Kuratorin der Ausstellung.

Im Auditorium am Mönchsberg führt ein Klassiker von William Kentridge, die bekannten seiner aus Kohlezeichnungen bestehenden Filme 10 Drawings for Projection (1989–2011) inhaltlich in die für sein Schaffen relevante Thematik ein. Auf der großen Ausstellungsebene [4] werden dann sieben raumgreifende Multimedia-Installationen gezeigt. Die Arbeiten 7 Fragments for Georges Méliès, Day for Night und Journey to the Moon (2003), eine Hommage an den französischen Pionier des Stummfilms, stellen im zentralen Raum die Arbeitsweise des Künstlers vor. Auch zwei seiner jüngsten Installationen sind zu sehen: Notes Towards a Model Opera (2015) über die Kulturrevolution in China und O Sentimental Machine (2015),

produziert für die Istanbul Biennale, über das türkische Exil des russischen Revolutionärs Leo Trotzki. In Second-hand Reading (2013) führt Kentridge eine frühe Form von Film als Daumenkino auf. Gezeigt wird auch The Refusal of Time, die spektakuläre, auf der documenta 13 (2012) in Kassel gefeierte Arbeit über Zeit als Form politischer und gesellschaftlicher Herrschaft. Im größten Raum lädt ein fünfzig Meter langer Fries von bewegten Bildern dazu ein, in die Prozession von More Sweetly Play the Dance (2016) einzutauchen. Eine Auswahl an Tapisserien und Objekten sowie ein Leseraum mit zahlreichen Publikationen von und über William Kentridge ergänzen die Ausstellung. Bereits die Treppe zur Ausstellungs-ebene empfängt die Besucher_innen mit einer neuen Arbeit, die für diesen Ort entstanden ist: eine Anamorphose, die sich aus einem bestimmten Blickwinkel zu einem Porträt des österreichischen Komponisten Alban Berg zusammensetzt.

Die Ausstellungssektion im Rupertinum ist Kentridges Auseinandersetzung mit dem Theater und der Oper gewidmet, die projektweise Raum für Raum erschlossen wird. Eine Installation aus schwarzen Papierfiguren, vom Künstler vor Ort entwickelt, führt durch das Atrium und zu den beiden Ausstellungsebenen. Es wird eine Fülle von Exponaten gezeigt, darunter Plakate, Zeichnungen, Entwürfe, Modelle und Kostüme, die seit den späten 1970er-Jahren für seine wichtigsten Produktionen entstanden sind. Der erste Raum ist frühen Inszenierungen von Kentridge in Zusammenarbeit mit der Junction Avenue Theatre Company in Johannesburg gewidmet, insbesondere Sophiatown (1986–1989), einem Stück über das Apartheids-system. Weitere Höhepunkte sind seine Inszenierungen Il ritorno d’Ulisse in patria von Claudio Monteverdi (1998 für die Wiener Festwochen und das Kunstenfestivaldesarts in Brüssel) und Preparing the Flute (2004–2005 für La Monnaie in Brüssel) sowie Die Nase von Dmitri Schostakowitsch (2010 für die Metropolitan Opera in New York), von der das Originalbühnenbild gezeigt wird. Die Entwürfe zu Alban Bergs Lulu, 2015 für die De Nationale Opera und die Metropolitan Opera in New York produziert, knüpfen die Verbindung zur aktuellen Inszenierung von Alban Bergs Oper Wozzeck für die Salzburger Festspiele. Das kinetische Minitheater Right Into Her Arms (2016) wird in dieser Ausstellung zum ersten Mal präsentiert. Der neuen Wozzeck-Inszenierung ist ebenfalls ein eigener Raum gewidmet und in der Franz-West-Lounge des Rupertinum steht dem Künstler ein Studio zur Verfügung, das zeitweise für das Publikum öffentlich zugänglich ist. William Kentridges letzten Arbeitsschritten an seiner Inszenierung, die am 8. August 2017 Premiere feiert, kann dort nachgespürt werden.

William Kentridge hat 1997, 2002 und 2012 an der documenta in Kassel sowie 1993, 1999, 2005 und 2015 an der Biennale di Venezia teilge-nommen. Sein Werk wurde vielfach prämiert und weltweit in Einzel-ausstellungen präsentiert, darunter im Museum of Modern Art, New York (1998, 2010), im Louvre, Paris (2010), der Albertina, Wien (2010/2011), und in der Tate Modern, London (2012). Der Künstler lebt und arbeitet in Johannesburg.

Nach der Präsentation in der Whitechapel Gallery, London (2016), dem Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk (2017), und dem Museum der
Moderne Salzburg (2017) wird die Ausstellung Thick Time in The Whitworth Art Gallery, Manchester, gezeigt.

Katalog zur Ausstellung:
William Kentridge. Thick Time. Installationen und Inszenierungen
Hg. von Iwona Blazwick und Sabine Breitwieser. Mit Texten von Homi K. Bhabha, Iwona Blazwick, Sabine Breitwieser, Michael Juul Holm, William Kentridge, Joseph Leo Koerner und Denise Wendel-Poray
Englische und deutsche Ausgabe
Whitechapel Gallery Publications, London (englische Ausgabe)
Hirmer Verlag, München (deutsche Ausgabe)
Broschur, 24,5 × 28,5 cm, 256 S., 315 Abbildungen
ISBN 978-3-7774-2714-0 (Deutsch)
ISBN 978-0-85488-250-2 (Englisch)

Eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Whitechapel Gallery, London, dem Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, und The Whitworth, Manchester, kuratiert von Iwona Blazwick und Sabine Breitwieser.

Israel Museum
Ai Weiwei Maybe, Maybe Not
Mixed media
Gallery Talks
Ai Weiwei with exhibition curators
Curator: Mira Lapidot
Wednesday, 19 Jul 2017 | 12 pm
GUIDED TOURS
Wednesday, 19 Jul 2017 | 12:30 pm, 2 – 3 pm
Monday, 07 Aug 2017 | 02 pm
Language: Russian
Art Garden, Nathan Cummings Building
for Modern and Contemporary Art
Exhibition: 02 Jun – September 2017
Derech Ruppin 11
http://www.imj.org.il/en/exhibitions/ai-weiwei
http://www.imj.org.il/en/events/ai-weiwei-maybe-maybe-not-46

Für die diesjährige Ausstellung GOLDRAUSCH 2017 hat eine jährlich wechselnde Fachjury fünfzehn Künstlerinnen verschiedener Herkünfte ausgewählt. Kriterium ist das hohe Niveau der künstlerischen Positionen. Das Spektrum der gezeigten Arbeiten reicht von Malerei, Skulptur, Fotografie, Sound- und Videokunst bis zu Performance. Auf zwei Etagen und 660 Quadratmetern Ausstellungsfläche zeigen die diesjährigen Stipendiatinnen eigens für die Ausstellung angefertigte Arbeiten im Studio 1 des Kunstquartiers Bethanien.

Das Goldrausch Künstlerinnenprojekt vermittelt seit 1989 bildenden Künstlerinnen unverzichtbare Instrumente und berufsspezifische Kenntnisse, die für eine selbstständige künstlerische Tätigkeit erforderlich sind. Der einjährige Professionalisierungskurs unterstützt Künstlerinnen dabei, individuelle Karrierewege zu erschließen und verhilft ihnen zu mehr Sichtbarkeit auf dem Kunstmarkt. Prominente Beispiele sind die ehemaligen Teilnehmerinnen Monica Bonvicini, Friederike Feldmann und Maria Eichhorn. Der Schwerpunkt der Ausstellung GOLDRAUSCH 2017 liegt auf aktuellen Arbeiten der fünfzehn teilnehmenden Künstlerinnen, die im Rahmen des diesjährigen Stipendiums geschaffen wurden.

Teilnehmende Künstlerinnen
Laure Catugier, Nuray Demir, Elisa Duca, Fernanda Figueiredo, Anneke Kleimann, María Léon, Laura Link, Sophia Mix, Azar Pajuhandeh, Lisa Premke, Julia Schramm, Hanna Stiegeler, Laia Ventayol, Saskia Wendland, Maja Wirkus

Katalog
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Eigenverlag, Kosten: 15 Euro sowie eine Publikation zu jeder Künstlerin, Kosten: 6 Euro

Jury
Hannah Kruse und Birgit Effinger (als ständige Jurymitglieder, Leiterinnen Goldrausch-Künstlerinnenprojekt), Pauline Kraneis (Künstlerin, ehemalige Goldrausch Teilnehmerin), Dr. Britta Schmitz (Oberkustodin, Nationalgalerie), Susanne Prinz (Leiterin, Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz)

Kunstquartier Bethanien
GOLDRAUSCH 2017
Let’s talk about …
Narrative Materialität
Samstag, 9. September 2017 | 16 Uhr
Gespräch mit Beate Scheder, Kulturjournalistin
und Anneke Kleimann, Laura Link, María León,
Hanna Stiegeler, Laia Ventayol
Ausstellung: 9. September – 23. September 2017
Studio 1
Mariannenplatz 2, 10997 Berlin
http://goldrausch-kuenstlerinnen.de/de/
http://www.kunstquartier-bethanien.de/bethanien_start.html

Kunstquartier Bethanien
GOLDRAUSCH 2017
Mittwoch, 13. September 2017 | 18 Uhr
Führung in persischer Sprache mit Azar Pajuhandeh
Ausstellung: 9. September – 23. September 2017
Studio 1
Mariannenplatz 2, 10997 Berlin
http://goldrausch-kuenstlerinnen.de/de/
http://www.kunstquartier-bethanien.de/bethanien_start.html

Kunstquartier Bethanien
GOLDRAUSCH 2017
Gespräch und Konzert
Let’s talk about …,
Vergänglichkeit und Kontrolle
Samstag, 16. September 2017 | 16 Uhr
Gespräch mit Isabelle Meiffert, freie Kuratorin
und Lisa Premke, Elisa Duca, Julia Schramm,
Laure Catugier, Saskia Wendland, Maja Wirkus
19 Uhr: Konzert von und mit Sophia Mix,
SMIX – Singer/Softpunk/Songwriter/Entschleunigungsmusik
Ausstellung: 9. September – 23. September 2017
Studio 1
Mariannenplatz 2, 10997 Berlin
http://goldrausch-kuenstlerinnen.de/de/
http://www.kunstquartier-bethanien.de/bethanien_start.html

Kunstquartier Bethanien
GOLDRAUSCH 2017
Performances
Let’s talk about …,
intersektionaler feminismus
Finissage:
Samstag, 23. September 2017 | 16 Uhr
Gespräch mit Pauline Doutreluingne, freie Kuratorin
und Nuray Demir, Fernanda Figueiredo, Sophia Mix, Azar Pajuhandeh
18 Uhr : Performances von
Laure Catugier, Elisa Duca, Laia Ventayol,
Ausstellung: 9. September – 23. September 2017
Studio 1
Mariannenplatz 2, 10997 Berlin
http://goldrausch-kuenstlerinnen.de/de/
http://www.kunstquartier-bethanien.de/bethanien_start.html

Förderung
Das Goldrausch Künstlerinnenprojekt wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Gesundheit, Pflege und Gleichstellung, Berlin und den Europäischen Sozialfonds (ESF)

Programm
Die Ausstellung wird von Führungen, Konzerten und Performances begleitet.
Ausstellung:
Samstag, 9. September – Samstag, 23. September 2017

Bewerbung 2018
Jetzt bewerben – Bewerbungsunterlagen: Lebenslauf, Portfolio/Bewerbungsmappe, Motivationsschreiben, künstlerisches Statement. Die Bewerbung kann auch auf Englisch eingereicht werden. Detaillierte Angaben zur Bewerbung, die entsprechende E-Mail- und Postadresse sowie das Bewerbungsformular finden Sie hier.
Bewerbungsschluss ist der 30. September 2017