Galerie Thaddaeus Ropac Paris Pantin
Friday, 23 September 2016 | 7-9pm
VENDREDI 23 SEP 2016 | 19 -21H
Curator: Lou Forster
24 SEPTEMBRE 2016 – 7 JANVIER 2017
69, avenue du Général Leclerc 93500 Pantin



The exhibition Lucinda Childs – Sol LeWitt is part of the Lucinda Childs retrospective due to take place this autumn at the Galerie Thaddeus Ropac, the Centre National de la Danse, and in the Festival d’Automne. The exhibition at our space in Pantin highlights the parallel development of the graphic methods of these two artists during the 1970s. Their collaboration in the piece Dance (1979) gained widespread attention, but their affinity had begun to grow at the beginning of the decade with ideas in common about drawing, seriality and movement.

In 1979, Lucinda Childs began rehearsals for Dance in New York. The piece was a turning point in the choreographer’s career; it was a move away from the alternative spaces in which she had presented her pieces over the previous two decades. Working with Sol LeWitt and composer Philip Glass, she developed a show that explored the specificities of the theatre system. Sol LeWitt’s contribution was to create the only film installation in his oeuvre. A 35mm film shot a few months beforehand was superimposed over the live dance, on a transparent screen covering the entire stage. In a complex, edited version of the same dance, this film multiplied the points of view of the choreography, while it was simultaneously executed in real-time by the dancers. The exhibition at Pantin has benefited from an exceptional loan from the Whitney Museum, New York, of one of the original choreographic scores of Dance #4 (1979); it was donated to the Whitney Museum by Lucinda Childs.

The choreographer’s archives, which have never been exhibited before, trace the development of her choreographic language in the 1970s, using more than a hundred pieces of graphic material. These documents operate as an echo to Sol LeWitt’s Wall Drawing #357, which is a development of the arc motif on the walls of the gallery. The arc, along with the straight line and the diagonal, constitute the formal repertoire of Lucinda Childs’s minimalist dances.

For the five dances that initially made up Dance, Lucinda Childs used a procedure, invented in 1973, involving a diagram from which she generated the choreographic score. In the 1960s, Childs had drawn sketches delineating pathways of movement, but in the 1970s she turned towards compositions involving ordinary movements strung together serially and repetitively. Walking and changes of direction thus became the essential raw material of her dances and, from then on, the pathways of movement sketches would be integrated into the score of the piece.

At their first meetings for the creation of Dance, Sol LeWitt and Lucinda Childs exchanged diagrams of the dances (probably by fax). The artist would then attribute a primary colour to them. The central place of diagrams in the elaboration of the dances stemmed from the methodology Lucinda Childs had begun to adopt in 1973. She no longer tried to work out the dancers’ pathways beforehand; a graphic machine, a drafting tool, now generated the lines. It was only later, during rehearsals, that the performers’ pathways were individualised. At the heart, then, of the construction of the choreography we find the same methodology as Sol LeWitt developed in his serial work of the 1970s and 80s. In LeWitt’s wall drawings, and in Lucinda Childs’s choreography, the notion of series enables them both to push the graphic logic of each motif to infinity.

Among the documents assembled in this exhibition, a great deal of the correspondence between Sol LeWitt and the choreographer is also displayed. It is possible to follow the drawn and stamped diagrams that the artist made in Murano, Rome and Beijing in response to the choreographer’s diagrams of the dances. On the back of one of these postcards, there are some flicker-pictures; they are from a photographic plate entitled Man performing headspring, a flying pigeon interfering, part of Eadweard Muybridge’s study of animal locomotion, in this case photos illustrating the different stages of a headspring. Photographed head-on, the movement looks incoherent, whereas, in profile, the photos reveal the sequential logic inherent in ordinary movements. The seriality of the two artists’ work was thus constructed as much from graphical processes as from capturing the ordinary movements that animate human locomotion and, in this respect, Eadweard Muybridge is a reference shared by both of them.

The execution of Wall Drawing #357: A 12″ (30 cm) grid covering the wall, which Sol LeWitt created in November 1981 in New York and which exploits the arc motif, will be realised by an artist from the Sol LeWitt Foundation, who will work for over three weeks on a white chalk realisation of the drawing on a black-painted wall nearly 25 metres long. The last day of drawing will coincide with the opening of the exhibition on Saturday, 24 September 2016. The Wall Drawing will be wiped off on 7 January 2017, the last day of the exhibition. This will also take place in the presence of an audience.

Production: Galerie Thaddaeus Ropac, CND Centre national de la Danse

with the Festival d’Automne


In the context of the exhibition Lucinda Childs, Nothing Personal, 1963 – 1989 organized with CND Centre national de la danse and Festival d’Automne in Paris



KKK Nr. 8: Ohne Titel
Sa, 01. Oktober 2016 | 11 -15 Uhr
kuratiert von:
Philipp Konzett (bildende Kunst) & Michael Mautner (Musik)
Do, 20. Oktober 2016 | 19:30 Uhr
Ausstellung: 2. Oktober – 29. Oktober 2016
Spiegelgasse 21
A-1010 Wien
Im Fokus: Franz West & Rudolf Polanszky
Bis Ende September 2016


Bis Ende September stehen Franz West und Rudolf Polanszky im Zentrum unserer Sammlungspräsentation.

Die beiden Künstler verband seit Beginn der 1970er-Jahre eine Freundschaft, die trotz komplett unterschiedlicher Kunstkonzeptionen bis zum Tod von Franz West bestand. „Während West die Position und Rolle, die Bedeutung und Rangierung, d. h. der Erfolg immens wichtig war, schien mir der soziale Aspekt, die Organisationsstruktur der Kunst der Kunstwelt eher degoutant und ablehnenswert zu sein“, so Polanszky. Die gegenseitige künstlerische Wertschätzung fand ihren Ausdruck in einer Reihe gemeinsamer Projekte. Zu erwähnen ist auch, dass Franz West Arbeiten von Rudolf Polanszky in seiner Privatwohnung hängen hatte.

Die Ausstellung konzentriert sich auf Collagen und Skulpturen von 1980 bis heute. In den Collagen spiegeln sich die unterschiedlichen künstlerischen Intentionen am auffälligsten wieder: Während West die Hochglanzwelt billiger Zeitschriften und Werbebroschüren zerstückelt, um sie als Zitate in seiner Ästhetik zu kritischen Anmerkungen und Kommentaren umzuwerten, tritt Polanszky gewissermaßen als Grundlagenforscher auf, der auf der Ebene opaker Materialien und durchkreuzter Schemata unsere Interpretationsmechanismen so zu reizen versucht, dass sie ihre Funktionsprinzipien preisgeben oder zumindest erahnen lassen.

Ergänzt wird die Ausstellung durch Werke aus der Sammlung, unter anderem von Siegfried Anzinger, Christian Eisenberger, Herbert Flois, Otto Muehl, Martin Kippenberger, Rita Nowak, Sigmar Polke, Lukas Pusch, Gerhard Richter, Rudolf Schwarzkogler, Miroslav Tichy und VALIE EXPORT.

Wiener Innenstadt Galerienrundgang
Do, 13. Oktober 2016 | 16 -21 Uhr
KKK Nr. 9
Sa, 17. Dezember 2016
Spiegelgasse 21
A-1010 Wien
KKK Nr. 8: Ohne Titel
Konzert mit Michael Mautner
22.09. – 30.10.2016
Spiegelgasse 21
A-1010 Wien
Sex Appeal of the Inorganic
Do, 10. November 2016 | 18 Uhr
11. November – 10. Dezember 2016
Günter Brus, Christian Eisenberger,
Richard Hoeck & John Miller,
Otto Muehl, Hermann Nitsch,
Rudolf Schwarzkogler

10.11.- 10.12.2016
Spiegelgasse 21 A-1010 Wien

Shahar Marcus

Dear friends, curators and fellow artists,
I am glad to share with you some exciting news regarding my current and upcoming exhibitions this September. If you happen to be in the neighborhood, feel free to have a glance. In addition, I would like to share with you the wonderful news that my work ‘Seeds’ has entered the Israel Museum’s collection.



‘Seeds’ – now a part of the Israel Museum’s collection.


I am proud to take part in the 56th October Salon, ‘The Pleasure of Love’, where I will exhibit two of my joint works with Nezaket Ekici; ‘Lublin Beach’ and ‘Salt Dinner’ both are part of our ongoing joint project- ‘In relations’.
The exhibition is curated by David Elliot.
September 23rd through November 6
Belgrade Culture Center
Belgrade, Serbia



During the 5th Mediations Biennale 2016 – Fundamental, I will be exhibiting two of my most recent works: ‘King of Falafel’ and ‘Home Coming Artist (Dresden)’. I will also be showing my work from 2011 ‘The Curator’.
October 1st through October 30th
The 5th Mediations Biennale 2016
National museum, Poznan
Poznan, Poland


As part of a group exhibition ‘Urban Touch’ at the Kunsthalle Faust, I will exhibit my latest work ‘Homecoming Artist (Dresden)’ which is a takeoff on my original work ‘Homecoming Artist’ from 2007. As in ‘Homecoming Artist’, also in this work I am driving through the streets of a town- Dresden. Like in the first work, the drive demonstrates the gap between the art scene to the common citizen.
October 9th through November 6
Urban Touch
Kunsthalle Faust, Hannover


I am featured in three different exhibition at the Museum of Contemporary Art in Krakow.
As part of the group exhibition ‘The Sea’ I will be exhibiting ‘Salt Dinner’ (a joint work with Nezaket Ekici) which depicts Nezaket and I dinning at the midst of the dead sea waters. The project explores time, space, culture and religion.
At the exhibition ‘Medicine in Art’ I will exhibit ‘Frog Test’ which received the distinguished award of the Jerusalem Video Art & Experimental Cinema 2009.
My works ‘The Boxer’ and ‘The Curator’ are part of the the museum’s collection.
*The Sea – October 21st through March 26
*Medicine in Art – through October 2nd
*Collection – ongoing
Museum of Contemporary Art in Krakow
Krakow, Poland


As part of the 5th Radial Festival in Berlin, which explores the current issue of migration and refugees, I will exhibit ‘Sand clock’ (joint video work with Nezaket Ekici) which depicts performers standing in the desert as sculptures, appearing as human sand clocks. The work conveys a refreshing perspective as to the desert’s meaning as well as landscape.
October 21st through October 23rd
I.D. Festival Berlin
Berlin, Germany


At VideoMedeja Festival I will be exhibiting ‘King of Falafel’. The work takes place on the moon and depicts the opening of a new Falafel stand. The work deals with the Israeli cultural symbols manifested by various food rituals.
October 21st through October 23rd
International VideoMedeja Festival
Novi Sad, Serbia
As part of Artisterium – the 9th Tbilisi Annual International Contemporary Art exhibition I will exhibit my work ‘King of Falafel’.
November 4th through November 14th
Tbilisi History Museum
Tbilisi , Georgia


At the group exhibition at the Haifa Museum of Art I am exhibiting my work ‘Leap of Faith’ which criticizes several characteristics imbedded in humans- fear of failure and of social criticism as well as human ambition to obtain glory at all cost.
Through January 2017
Haifa Museum of Art
Haifa, Israel
Hope that you have an opportunity to catch one or more of my exhibitions.
Wishing you all a happy new year,






Kunst und Nation

Kunstraum Lakeside Klagenfurt
Kunst und Nation
Donnerstag, 29. September 2016 | 11 Uhr
Donnerstag, 29. September 2016 | 18.30 Uhr
mit Pia Lanzinger/Michael Hauffen, Sascha Reichstein,
Christina Werner, Anna Witt
Kuratorin /curator:
Hemma Schmutz
Ausstellung: 30.09. – 25.11.2016
Lakeside Science & Technology Park GmbH
Lakeside B02 | 9020 Klagenfurt
Kunst und Nation
Materialien kultureller nationaler Identitätssuche gepaart mit der
kritischen Auseinandersetzung der Frage, was der Begriff „Nation“ heute
bedeuten könnte, sind die paradigmatischen Leitlinien der internationalen Gruppenausstellung.
Die Ausstellung verhandelt die Thematik der nationalen Identität und stellt die
Fragen: wer sind wir, wer sind die anderen? Sie untersucht das
Verhältnis von Ästhetik, Kunst und Nation bzw. das Entstehen
von Nationalismus und Rassismus. Welche Rolle spielen Bilder, Symbole
und ästhetische Inszenierungen in diesem Zusammenhang? Wie entsteht
Zusammengehörigkeitsgefühl und ist dies immer nur durch
Ausgrenzung möglich? Was definiert eine Region: die gemeinsame
Sprache, eine Speise, ein Kleidungsstück, eine Fahne, ein Symbol?
Eine Methode der Analyse der künstlerischen Werke in der Ausstellung
ist das Sammeln und Zusammenstellen von Bildern zu einer bestimmten
Thematik, z.B. anhand der Ikonographie des Edelweiß über
einen Zeitraum von 100 Jahren (Pia Lanzinger/Michael Hauffen).
Christina Werner wiederum vergleicht Darstellungen von Auftritten
Vorsitzender rechtsradikaler Parteien in ihrer Arbeit „Neues Europa“,
in denen sich Gesten, Inszenierungen und Pathosformeln wiederholen.
Eine andere künstlerische Zugangsweise arbeitet mit der Beteiligung,
der Partizipation von im Kunstwerk Agierenden: bei Anna Witt ironisierend
als Kampf verschiedener Nationen um die Fahne, bei Sascha Reichstein
als Bearbeitung der Erfahrung der Flucht und der Überwindung von
nationalen Grenzen mit Einbindung von Geflüchteten.
Art and Nation
The paradigmatic guidelines for the international group exhibition involve
materials used in the search for a national cultural identity coupled with a
critical discussion of the question of what the term “nation” might mean for us
today. The show negotiates the issue of national identity and asks: Who
are we, and who are the others? It examines the relationship between
aesthetics, art, and nation, in other words, the emergence of nationalism
and racism. What role is played here by images, symbols, and aesthetic
productions? How is a feeling of belonging engendered, and is this possible
only through exclusion?
What defines a region: a common language, a certain dish, an article
of clothing, a flag, a symbol? One method for analyzing
the works of art on view is to assemble and juxtapose images on a particular
theme, for example, the iconography of edelweiss over a
period of 100 years (Pia Lanzinger/ Michael Hauffen). Christina Werner
for her part compares depictions of appearances made by chairpersons
of radical right-wing parties in her work “Neues Europa” (The New
Europe), in which certain gestures, staging, and pathos formulas recur.
Another artistic approach is to show the involvement and participation
of particular figures: given an ironic spin by Anna Witt as a struggle
between various nations around a flag, while Sascha Reichstein looks at the
experience of flight and the crossing of national borders.
KünstlerInnen / artists:
Pia Lanzinger/Michael Hauffen, Sascha Reichstein,
Christina Werner, Anna Witt
Kuratorin /curator:
Hemma Schmutz


MMKK Museum Moderner Kunst Kärnten
HERWIG TURK. Landschaft = Labor
Mittwoch, 28. September 2016 | 19 Uhr
Eine Werkschau im Kontext
section.a: Kuratorin gemeinsam mit
Christine Wetzlinger-Grundnig
Herwig Turk im Dialog mit
Herbert Boeckl (A), Thomas Feuerstein (A), Cornelius Kolig (A),
Gerhard Lang (D), Sonia Leimer (I), Kira O’Reilly (GB) & Jennifer Willet (CAN),
Hannes Rickli (CH), Meina Schellander (A), Nicole Six & Paul Petritsch (A),
The Center for Land Use Interpretation (US), Gerhard Treml & Leo Calice (A)
Ausstellung: 29.09.2016 – 08.01.2017
Burggasse 8, 9021 Klagenfurt / Celovec
Mit der Ausstellung „Landschaft = Labor“ präsentiert das Museum Moderner Kunst Kärnten erstmalig eine umfassende Werkschau des österreichischen Künstlers Herwig Turk. Herwig Turks Arbeit ist bestimmt von der Auseinandersetzung mit der Thematik des Wissenschaftskomplexes. Die materielle Kultur des High-Tech Labors wird als vielschichtige Umgebung betrachtet, in der auch die Bedeutung des Begriffs Landschaft reflektiert wird, welche zwischen politischer Determinierung und industrieller Instrumentalisierung zum Versuchslabor wird. Dementsprechend gehen die Begriffe „Labor“ und „Landschaft“ nahtlos ineinander über. In der Ausstellung erfährt die Arbeit Herwig Turks eine kontextuelle Erweiterung, einerseits durch einen Dialog mit Arbeiten aus der Sammlung des Museums selbst und andererseits durch eine Auswahl internationaler Künstler_innen, die verwandte Strategien verwenden und sich im künstlerisch-wissenschaftlichen Diskurs bewegen.
 Herwig Turk mit Paulo Pereira, agent lc, 2007, Lambdaprint auf Alu kaschiert,
82 x 100 cm, Foto: Herwig Turk
Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Ausstellungskatalog
mit Beiträgen von Ingeborg Reichle, Christian Höller,
Christine Wetzlinger-Grundnig und Andreas Krištof.
Deutsch/Englisch, 154 Seiten
Verlag für moderne Kunst



National Gallery of Art, Washington, DC
30. September 2016 – 22. January 2017
curator Molly Donovan
East Building, Tower – Gallery 501
National Gallery of Art
2000B South Club Drive
Landover, MD 20785
Barbara Kruger Exhibition Explores Artist’s Standout
Profile Works at National Gallery of Art, Washington,
September 30, 2016–January 22, 2017
A focused exhibition featuring the work of American artist Barbara Kruger (b. 1945) will reopen the East Building Tower Gallery after nearly three years of renovation to the space. Inspired by the Gallery’s recent acquisition of Kruger’s Untitled (Know nothing, Believe anything, Forget everything) (1987/2014), the exhibition comprises related images of faces and figures in profile over which Kruger has superimposed her striking phrases and figures of speech. The distinctive direct address of Kruger’s texts (using active verbs and personal pronouns) confronts viewers straight on, contrasting with her selected images of side-glancing figures, receiving and averting the audience’s gaze. The results are arresting conceptual works of visual power and wit.
Film Program
Barbara Kruger Selects
December 3 – 31

Invasion of the Body Snatchers (1956) Directed by Don Siegel Shown from left: Dana Wynter, Kevin McCarthy

Barbara Kruger is a conceptual artist who, beginning in the early 1980s, empowered the female subject through a resistance to the gaze. Her art developed at a time when the critical discourse questioning power structures dominated visual practice. An investigation into the way in which viewer identity is constructed and how meaning is embedded and disseminated through mass media led artists such as Kruger to challenge the dynamics of what it means to look and be looked at. This extended naturally to film and television. Indeed, she wrote as a critic on these topics for Artforum. Kruger’s concerns have taken on increasingly broader meaning, to explore the nature of human relationships. In conjunction with the exhibition In the Tower: Barbara Kruger, the artist has selected four favorite films for this series.
Gallery Talks
In the Tower: Barbara Kruger
October 4, 5, 6, 7, 8, 10 and 11 | 2:00
October 9 | 1:00
(50 minutes)
East Building Diane Arkin
Introduction to the Exhibition
In the Tower: Barbara Kruger
Sunday, October 23, 2016 | 2:00 p.m.
with: Exhibition curator Molly Donovan, associate curator,
department of modern art, National Gallery of Art,
Teacher Workshop
Barbara Kruger: Images, Text, and Social Critique
Organized by the National Gallery of Art, Washington
The exhibition is made possible by The Tower Project of the National Gallery of Art.
Admission is always free and passes are not required

Kruger, a professor in the art department at UCLA since 2006, has long maintained a commitment to teaching as a part of her practice. In December she will visit the National Gallery to talk with high school art students from DC Public Schools. The students will participate in education programs throughout the fall with Gallery educators, studying Kruger’s work in the Tower exhibition and exploring the construction of identity in artworks across the museum’s collection. This program marks the first time that an artist with an exhibition currently on view has worked with local students at the Gallery, and highlights Kruger’s commitment to teaching and inspiring the next generation.

As a former film and television critic for Artforum, Kruger has acknowledged a deep interest in the moving image. In December the Gallery will feature an extensive film series, “Barbara Kruger Selects,” chosen by the artist around the theme of the show and the artist’s methodologies.

Exhibition curator Molly Donovan, associate curator, department of modern art, National Gallery of Art, will present a lecture on Sunday, October 23, 2016, at 2:00 p.m.

Barbara Kruger (b. 1945)

Kruger’s higher education began at Syracuse University and continued at Parson’s School of Art and Design in New York, where she studied with Diane Arbus and Marvin Israel in 1966. Beginning in 1967 Kruger worked as a layout editor at Condé Nast for twelve years, including posts at Mademoiselle, House and Garden, and Aperture. In 1969 Kruger began to make her own art while also writing poetry and film and television reviews. A decade later she had developed her “picture practice” with photographs repurposed from 1940s–1970s manuals and magazines that she overlaid with her own texts or commonplace phrases. The completed works alter her found materials, inscribing her admonitions and questions over the images to stimulate and rouse the viewer from passive acceptance.

Kruger’s background in design is evident in these works, for which she is internationally renowned. Owing to her interest in the public arena and the everyday, Kruger’s work has appeared on billboards, bus cards, posters, T-shirts, matchbook covers, in public parks, and on train station platforms. Recent work has included immersive installations of room-wrapping images and text, and multiple-channel videos.

Prior to teaching at UCLA, Kruger taught at California Institute of the Arts, the School of the Art Institute of Chicago, and the University of California, Berkeley. In 2005 Kruger received the Golden Lion for Lifetime Achievement at the Venice Biennale. Her work was featured in the Whitney Biennial in 1973, 1983, 1985, and 1987; the Venice Biennale in 1982, 1993, and 2005; and Documenta 8 in 1987. Notable solo exhibitions include P.S. 1, Long Island City, New York (1980); Institute of Contemporary Art, London (1983); Los Angeles County Museum of Art (1985); Museum of Contemporary Art, Los Angeles (1999, traveled to Whitney Museum of American Art in 2000); South London Gallery (2001); Gallery of Modern Art, Glasgow (2005); the Moderna Museet, Stockholm (2008); the Museum Of Modern Art, Oxford (2014), and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (2012–2016). Kruger lives and works in Los Angeles and New York City.


Donnerstag, 29. September 2016 | 19 Uhr
Ausstellung: 30. September – 23. Oktober 2016
1150 Wien, Hollergasse 12
Fotocredits: Tropen #2 by David Zeller, 2012/2013,
ca 60 x 80 cm, Öl auf Karton
Die HOLLEREI Galerie freut sich, eine Einzelausstellung ausgewählter
Arbeiten von David Zeller (* 1989, AT) im neu gebauten „Salon“ präsentieren zu können. Zeller hat sich über die Jahre eine ungewöhnlich fokussierte, konzentrierte Malpraxis erarbeitet, die altmeisterliches Handwerk in die Gegenwart bringt, und ihre latenten Sollbruchstellen dabei auf unterschiedliche Weise aufzuzeigen anstrebt.
Beim Betrachten seiner Werke gilt der erste Blick meist der handwerklichen
Perfektion – die Umsetzung der klassischen Schichtmalerei in Öl ist heute nur selten anzufinden; Zeller arbeitet an seinen Werken meist mehrere Quartale lang, wodurch eine ungewohnt starke auratische Aufladung entsteht. Er arbeitet fast ausschließlich in Werkserien („Tropen“, „House of Tropics“, „Mapping“), innerhalb derer die Werke nummeriert werden – sein Schaffen spielt sich streng innerhalb dieser Serien ab. Zu jeder von ihnen gibt es einen vom Künstler konzise verfassten Text, der eine weitere Facette seines Schaffens darstellen könnte, üblicherweise aber nicht ausgestellt wird, und meist auch nicht aufliegt. Hierin legt Zeller explizit dar, was die Zweidimensionalität der Malerei in ihrer Offenheit von Abbild, Gestik und Symbolik leicht in den Hintergrund drängt – Zeller zeigt in diesen Texten eine sehr ähnliche Konzentration, mediale und Selbstbefragung, wie man sie auch in seinem visuellen Werk finden kann.
Zeller verarbeitet in seinem Werk vor allem den Topos des Hegemonialen; Malerei mit ihrer Geschichte als Präsentations- und Herrschaftsmedium, die Nacktheit und Objektifizierung der Dargestellten; er bricht bzw. erweitert diese Dynamiken indem er seine Malerei weder auf Papier oder Leinwand, sondern auf schnödem Pappkarton anbringt – ein Fakt, das für Sammler zeitweise als Sakrileg gegenüber der darauf implementierten Traditionen wirken kann, die Zeller doch so stark verinnerlicht hat. Gerade dieser Bruch ist es aber, der sein Werk auflädt – wie es auch die fotorealistischen Malereien durch die Vermischung von Agenden aus Stillleben, Portraits und Genremalerei popkulturell gleichtun: Hierbei ist der Künstler oft selber ebenfalls abgebildet, und meist ebenfalls nackt. Die Haltung gegenüber seinen Protagonistinnen und Protagonisten scheint klar: Ich bin einer von euch. Ich dokumentiere was mich berührt.


Hollerei Galerie, Hollergasse 12, 1150 Wien

SUPER Edition #6


 Kunstraum SUPER
SUPER Edition #6
Donnerstag, 29. September 2016 | 19 Uhr
in Kooperation mit Atelier Patru aus Cluj (Rumänien)
und den 4 Grazien / KünstlerInnenkollektiv Wien
Teilnehmende KünstlerInnen: WIEN
Christian Bazant-Hegemark, Simon Goritschnig, Daniel Ferstl
Clemens Gartner, Anna Schmoll, Claudia-Maria Luenig
Markus Zeber, Koloman Kann, Die 4 Grazien
Pia Mayer, Johanna Therese Folkmann
CLUJ: Ogrutan–Prata Laura–Angela, Alexandra Mocan
Grosu Pavel, Elena Ilash, Cristina Coza-Damian
Corina Oprea, Anca-Lavinia Branzas, Claudiu Ghermaneanu,
Anca Badea, Andrea-Alexia Neamtu
Ausstellung: 30. September – 9. Oktober 2016



Die SUPER Edition #6 ist in Zusammenarbeit mit dem Kunstraum
Atelier Patru aus Cluj (Rumänien) entstanden. Parallel zur Präsentation der
Edition wird eine Videoarbeit der 4 Grazien gezeigt, die über die Dauer des
Abends im Sinne einer Performance anwesend sein werden.
Die SUPER Edition ist ein Heft im A5 Format in limitierter Auflage.
Es werden 20 künstlerische Positionen auf je einer Doppelseite präsentiert.
Die letzten Ausgaben sind gemeinsam mit internationalen Kooperationspartnern
aus Los Angeles, Reykjavik und Basel entstanden. Edition #6 ist in Zusammenarbeit
mit dem Kunstraum Atelier Patru aus Cluj entstanden. Die Eröffnungen finden in
Cluj und Wien zeitgleich statt und sind über eine Video-Live-Schaltung verbunden.
Die 4 Grazien sind ein KünstlerInnenkollektiv aus Wien. Sie wurden 2002
von Petra Gell, Mela Kaltenegger, Susanna Schwarz und G. Maria Wetter
gegründet. Jede der vier pflegt in ihren Bildern ihren unverwechselbaren Stil,
nur in ihren Videoarbeiten treten sie zusammen in gemeinschaftlicher Choreographie
als Gruppe auf. Am Donnerstag Abend wird im Rahmen der Präsentation der
SUPER Edition die Videoarbeit ‘Markieren’ gezeigt.


Vernissage: 27.10.2016 | 19 Uhr
zur Eröffnung Spricht Roman Grabner,
Universalmuseum Joanneum
Himmelpfortgasse 22, 1010 Wien
Ausstellung: 28.10. – 26.11.2016
Himmelpfortgasse 22 I A-1010 Wien
Roberto Kusterle – Metamorphosen
Im Zentrum von Roberto Kusterles langjährigem Schaffen steht der
menschliche Körper, geprägt von den elementaren Triebkräften Eros und
Thanatos, den Grundkoordinaten von Werden und Vergehen, inszeniert
in seiner Schönheit und Kreatürlichkeit, seiner Anmut und Verletzlichkeit,
seiner Fleischlichkeit und Vergänglichkeit. Kusterle zeigt diesen Körper
stets in Prozessen der Veränderung, des Wandels, der Metamorphose.
Er sucht visuelle Parabeln für die Transformationen, die der Körper im
Laufe der Zeit durchläuft, Metaphern für die Ängste und Hoffnungen, die
diesen Wandel begleiten, und greift dabei auf archaische Riten, antike
Mythen, mittelalterliche Legenden und biblische Gleichnisse zurück. Seine
Fotografien sind Reflexionen über die conditio humana, die tief in der
abendländischen Kulturgeschichte verwurzelt sind und (s)ein Denken
in Bildern dokumentieren.
Unser Denken und unsere Erkenntnisprozesse sind geprägt von einer
metaphorischen Struktur. Alles Denken beruht auf dem Herstellen
von Analogien, meint der amerikanische Physiker und
Computerwissenschaftler Douglas R. Hofstadter. Letztlich können wir
das Neue, das wir wahrnehmen, nur auf das anwenden, was wir schon
kennen. Dafür steht der Begriff Analogie. Die zentrale These von
Hofstadter ist, dass Analogien die Dreh- und Angelpunkte all unseres
Denkens sind. Das heißt, das wir auf alte Motive und Bildformeln
zurückgreifen, um neue Ideen und Erkenntnisse zu formulieren, auch
wenn die Themen zeitlos sein mögen. In seinen neuesten Arbeiten hat
sich Kusterle mit der Form, dem Leben und dem Symbol des Maulbeerbaums auseinandergesetzt. Dieser Baum, der Jahr für Jahr bis auf die Astansätze
zurückgeschnitten wird, entwickelt dadurch einen enigmatischen
Kopf aus Wucherungen und Verknotungen, der anthropomorphe Züge aufweist.
Kusterle inszeniert diese Baumrümpfe wie menschliche Gesichter.
Die Vertiefungen und Mulden, die Wucherungen und Mutationen der
Baumrümpfe werden zu Totenmasken, Schmerzensschreien und Gesichtsdeformationen. Die Natur wird animiert, der Baum zum Sinnbild. Zugleich ist der Maulbeerbaum
in Italien Symbol für eine bäuerliche Gesellschaft, für ein Leben, das noch
geprägt war von einem natürlichen Kreislauf, von bestimmten Werten,
Tugenden, Bräuchen und Sitten. Die Fotografien der mutilierten Maulbeerbäume setzt Kusterle in Dialog mit Aufnahmen von Körpern, die mit Maulbeersaft gefärbt
sind und fragmentarisch inszeniert wurden. Das Wechselspiel von Assoziation
und Irritation, von Affirmation und Aversion findet seine Fortsetzung in den menschlichen Leibern. Kusterle hat mit seinen poetischen Baum-MenschAnalogien
sein Spiel der Andeutungen und Allusionen, der Metaphern und Metamorphosen
um ein weiteres Kapitel erweitert und seine technische Raffinesse erneut
beeindruckend in Szene gesetzt.
Roman Grabner, 2016



13. Oktober 2016 | 16-21 Uhr


Vernissage: 13.10.2016 | 16-21 Uhr
Gottfried Bechtold, Günter Brus, Herbert Flois,
Vasja Grabner, Ludwig Haas, Johann Hauser,
David Holzinger, Roberto Kusterle, Tom Lohner, Otto Muehl,
HermannNitsch, Burgis Paier, Sergei, Sviatchenko,
Billi Thanner, Alexandra Wacker, Josef Wurm, u.w.
Ausstellung: 29.09. – 22.10.2016
Himmelpfortgasse 22 I A-1010 Wien