ZEITGLEICH

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artLAB CARINTHIA im Stift Ossiach
ZEITGLEICH UND
AUGMENTED ARTIST RESIDENCY
SITE-SPECIFIC ARTLABORATORY
FINISSAGE :
Samstag 27. August 2016 | 18 Uhr
PERFORMANCE 18.30 Uhr .
DIE PARTNERGARNELEN
ARTIST-RESIDENCY:
Michael BLANK . Egon ELLIUT . René FADINGER .
Gerhard FRESACHER . Johannes HEUER .
Lisa HUBER und Nadja BRUGGER-ISOPP . Peter KOHL .
Michael KRAINER . Astrid LANGER . Franz Stefan LUN Michaela MATH .
Markus ORSINI-ROSENBERG . Christian PÄRTAN .
Pepo PICHLER . Ulrich PLIESCHNIG . Hubert SCHEIBL .
Frank TOMASSETTI . Larissa TOMASSETTI .
Gertrud WEISS-RICHTER . Andreas WERNER .
Markus ZEBER . Ronald ZECHNER . Peter ZOLLY .
SKULPTURENWIESE:
René FADINGER . Michael KRAINER .
Astrid LANGER . Ronald ZECHNER
Stift Ossiach 1
A – 9570 Ossiach
 
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ZEITGLEICH
MALEREI . GRAFIK . SKULPTUR . INSTALLATION . VIDEO .
OPENING Donnerstag 14. JULI 2016 | 21 Uhr
Vooria ARIA . René FADINGER . Michael KRAINER .
Alina KUNITSYNA . Franz Stefan LUN . Ingrid RIEBLER .
Larissa & Frank TOMASSETTI . Peter ZOLLY .
kuratiert von Elisabeth Th. WINKLER
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artLAB CARINTHIA 2016
 
zeitgleich
artLAB SEEBODEN – das Kunstlabor vom Millstätter See verlagert seine
Wirkungsstätte an den Ossiacher See und transformiert zu artLAB CARINTHIA.
 
Ein Raum, Gebäude oder Areal dient als Präsentations- und Schaffensort für das
artLAB. 2014 wurde dies im ehemaligen Seerestaurant und Campingareal Penker in
Seeboden realisiert, wo 18 verschiedene Künstler eingeladen wurden, auf die
räumlichen Gegebenheiten vor Ort in ihren Kunstwerken zu reagieren.
2015 erschien der Katalog artLAB SEEBODEN über dieses Projekt.
Im Frühjahr 2016 fand die Ausstellung artLAB ZUGABE in der Galerie im
Schloss Porcia in Spittal/Drau statt, in der die Künstler ihr Schaffen aus ihrem
eigenen „inneren Kunstlabor“ zeigten. Völlig überraschend hat sich für
das artLAB SEEBODEN die Möglichkeit ergeben, die beiden Räume der
ehemaligen Galerie Carinthia im Stift Ossiach während der
Monate Juli und August 2016 zu bespielen.
Diese Chance wollen wir spontan nützen und einen Testlauf starten. Die spezielle
Situation der Kurzfristigkeit erfordert eine andere Herangehensweise und ein
Umdenken der Idee des Artist-in-Residence Programmes – wie es in Seeboden 2014
stattgefunden hat – in eine augmented artist-residency und ein digitales site-specific
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artlaboratory.
Experiment und Prozess stehen im Vordergrund: Ausgangspunkt ist „der leere
Raum“ – ein Kunstlabor, das während der gesamten Ausstellungsdauer stattfindet
und wächst. Die von uns (MMag. Ingrid Riebler und Mag.phil. Elisabeth Th. Winkler)
kuratierten Künstler werden zeitgleich von verschiedenen Orten aus an visionären
Projekten – bezogen auf das Stift Ossiach und dessen Umgebung – arbeiten. Konkret
bekommen die Teilnehmer 20 Fotografien per E-Mail zugesandt, um ortsbezogene
Installationen, Objekte, Interventionen zu entwerfen: von Utopien bis hin zu
realisierbaren Projekten. Die verschiedenen Vorschläge werden dem
artLAB CARINTHIA zurückgesendet, von diesem gesammelt, ausgedruckt,
ausgestellt und schließlich bei der Finissage gemeinsam präsentiert.
 
Mit diesem experimentellen Kunstprojekt möchten wir auf die vielfältigen
Möglichkeiten, Kunst im öffentlichen Raum einzubinden, aufmerksam machen
und das Interesse für Realisierungen wecken.
Opening Der Projektbeginn ist am 14. Juli 2016, zeitgleich mit der Eröffnung des
Musikfestivals Carinthischer Sommer, und wir öffnen die Türen nach dem
Festakt und der Carinthischen Wassermusik, um 22 Uhr.
Zeitgleich wird eine Ausstellung mit Künstlern aus dem
„Künstlerkollektiv“ des artLAB SEEBODEN gezeigt.
 
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Die Grünflächen vor dem Stift werden mit Skulpture
bespielt, die zum Teil auch erst im Laufe der Ausstellung aufgebaut werden – ganz
im Sinne des Kunstlaboratoriums.
 
 
Öffnungszeiten der Ausstellung:
Di – Sa 17 – 20 Uhr, So 11 – 20 Uhr
 
Galerie Hinterland zu Gast bei artLAB CARINTHIA.
Sa, 16. Juli 2016, 18 Uhr
Eine musikalische Intervention Renald Deppe / Vooria Aria
Im Rahmen der Ausstellung ZEITGLEICH inszeniert hinterland
eine Intervention im
Stift Ossiach: RENALD DEPPE – Musiker und Komponist der „Wassermusik“
zur Eröffnung des
Carinthischen Sommer 2016 – trägt seine Kompositionen zur
Präsentation der neuen Installation von VOORIA ARIA bei.
Eine erneute Zusammenarbeit zwischen bildender Kunst
und Musik: Ein interdisziplinäres Zusammenspiel von Renald Deppes
musikalischer Interpretation und der aktuellen
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Arbeit von Vooria Aria.
Die Initiative artLAB CARINTHIA versteht sich als kreativer
Beitrag zur Wiederbelebung der ehemaligen Räume der Galerie Carinthia (Leitung:
Frau Dr. Irmgard Bohunovsky, langjährige Mitarbeiterin: Mag. Elisabeth Th. Winkler)
und möchte die Bildende Kunst in Ossiach, die bis 2013 (die letzte Ausstellung war Sampling II Konzert der Skulpturen, kuratiert von Dr. Silvie Aigner und Mag. Ulli Sturm) immer eine große Rolle gespielt hat, erneut einbinden.

MIND STORM

BryceWolkowitzGalleryn
BRYCE WOLKOWITZ GALLERY
MIND STORM
Robert Currie, Marcel van Eeden,
Shea Hembrey & Oliver Jeffers
Opening Reception:
Thursday, 8. September 2016 | 6-8 pm
September 8 – October 22, 2016
505 W 24th St, New York, NY 10011
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Marcel van Eeden 2016
Untitled (from Thomas Pynchon’s novel V)

 
Every story appropriates just as every draft lies. In a sense,
the very act of storytelling is a form of appropriation, a
borrowing, and the process of drafting is tantamount to
the process of crafting a lie. We know this. We can accept it.
So why do we invariably return to art and to fiction for an
approximation of the truth? What is it about the story, the
painted landscape, the finely crafted illusion that emanates
the distinct odor of certainty? How does a reveal, a mistake,
or an illusion all become part of the same nebulous other place?
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Oliver Jeffers 2016
Coastal Fathom Painting

All of the art in Mind Storm evokes a sense of metaphysics,
of visual riddles: Oliver Jeffer’s calculated seascapes,
Marcel Van Eeden’s noirish meta-narratives, Shea
Hembrey’s rectilinear cheat-codes to the universe, and
Robert Currie’s articulation
of vanishing points into a visual conundrum.
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The exhibition is an arrangement of psychic substance.
All appropriated realities, to one degree or another,
story-works, stealing what is real.
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Robert Currie 2016
25,500 inches of nylon monofilament and acrylic 
“He had decided long ago that no Situation had any
objective reality: it only existed in the minds of those who
happened to be in on it at any specific moment.”
Thomas Pynchon,V

Etty Schwartz

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Inga Gallery of Contemporary Art
Etty Schwartz | Stone Mirrors
Opening:
Friday, 2.9.2016 | 12 noon
Closing:
Saturday, 15.10. 2016 | 2 pm
7 Bar Yochai st. Tel Aviv
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Etty Schwartz
Born in Jerusalem, 1970
Lives and work in Tel Aviv


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Untitled (Rawabi), 2016, Inkjet pigment print

ROBERT KELLY

SophiaContemporary 58.12

Sophia Contemporary Gallery
ROBERT KELLY: BLACK ON BONE
SELECTED WORKS
Private View:
27 September 2016 | 6 – 9 pm
Talk: Bridging a century;
a dialogue with Malevich, far afield
6 October 2016 | 5 pm
Exhibition: 28 Sep – 28 Oct 2016
11 Grosvenor Street, London, W1K 4QB, UK
 
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Robert Kelly, Mimesis CIII, 2008
 
Sophia Contemporary Gallery
Robert Kelly:
Selected works from Black on Bone
Talk: Bridging a century;
6 October 2016 | 5 pm
a dialogue with Malevich, far afield
with Robert Kelly
Kazimir Malevich’s Black square and circle (1920/21)
will be on display especially for the event.
Exhibition: 28 Sep – 28 Oct 2016
11 Grosvenor Street, London, W1K 4QB, UK
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Mimesis CIX, 2009,
oil and mixed media on canvas, 101.60 x 81.28 cm
Sophia Contemporary is pleased to announce Selected works from Black on Bone, a new solo exhibition by the American abstract artist Robert Kelly (b. 1956) featuring fifteen largescale paintings at their Mayfair gallery. Four additional works from the artist’s Nocturne series (1999) will also feature at Sophia Contemporary’s booth at Frieze Masters Collections, a section of the fair featuring galleries selected by Sir Norman Rosenthal, from 6 – 9 October. Alongside Kelly’s works the gallery’s stand will feature fifty works of extremely rare Constructivist and Suprematist Russian porcelain and sculptures, drawn from the collection of Vladimir Tsarenkov, the father of Sophia Contemporary’s co-founder Vassili Tsarenkov.
 
Commanding and rich in texture, Kelly’s works combine techniques such as assemblage, drawing, painting and glazing, which are meticulously layered to create complex compositions. Much of Kelly’s practice is process driven and he has honed his technique throughout his career to create a clear and developed artistic language. His palette is consistent, drawing from organic shades of brown, black, ochre and red, often using contrasting colours to increase the power and drama of the works.
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Robert Kelly, Mimesis CIII, 2008,
oil and mixed media on canvas, 203.20 x 162.50 cm
All images courtesy the artist and Sophia Contemporary Gallery
 
Pure abstraction leads Kelly’s process, which is guided by the painting itself as the artist explains: “I don’t want to paint something; I want to let a painting become itself.” Preparing the canvas is a key initial process and an art form in itself for Kelly; he works with found paper and ephemera including postcards, letters, posters and prints, which he patiently arranges ‘wet on wet’ on the canvas. The result is an intensely layered pictorial surface reminiscent of a patchwork, revealing traces of history and culture through the collaged fragments.
 

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Luchino’s Nocturne II, 2014, oil and mixed media on canvas, 182.88 x 142.24 cm,
courtesy of the artist and Sophia Contemporary Gallery
Onto this base he lays down impasto oil pigments with a trowel style brush, fragmenting the assemblage further. The geometric lines of the paint dominate the works, creating an autonomous line against the complicated narrative beneath. Kelly’s rational and formal style of painting has been influenced and defined by the Russian Constructivist tradition, in particular Kazimir Malevich, as well as Piet Mondrian of the De Stijl movement, plus artists from abstract movements including Jean Arp, Richard Diebenkorn and Ellsworth Kelly; all are known for working skilfully with simple shapes and lines. Similarly to his techniques of collage and assemblage, he also layers artistic influences, which contribute to the accessibility and clarity of his style.
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Portrait of Robert Kelly, photo credit: Costas Picadas,
courtesy of the artist and Sophia Contemporary Gallery
Robert Kelly
Born in Santa Fe in 1956, Robert Kelly has been based in New York for the majority of his life. He graduated from Harvard University in 1978 and then worked as a commercial photographer for Polaroid until he began his career as an artist in 1982.
 
He has presented solo exhibitions internationally in cities such as San Francisco, Copenhagen, Turin, Santa Fe, Monterey, Houston, Vancouver and New York. His paintings are featured in the museum collections of University of New Mexico Art Museum, Albuquerque, NM; Brooklyn Museum, Brooklyn, NY; New Mexico Museum of Art, Santa Fe, NM; The Fogg Museum, Cambridge, MA; and the Whitney Museum of American Art, New York, NY, amongst others.
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Tropos IV, 2006, oil and mixed media on canvas, 101.6 x 81.28 cm,
courtesy of the artist and Sophia Contemporary Gallery
 
Vladimir Tsarenkov
Vladimir Tsarenkov, related to Sophia Contemporary Gallery co-founder and co-director Vassili Tsarenkov, is a Franco Russian collector based in London who has been building his varied collection of more than 3,000 artworks for 35 years. Within this, he holds the largest collection of Russian revolutionary and avant-garde porcelains; 730 objects, which date from 1918 to the late 1930s, including pieces designed by Kazimir Malevich, Wassily Kandinsky and Vladimir Tatlin, amongst others.
 
Sophia Contemporary Gallery
Sophia Contemporary Gallery is a contemporary art gallery located in a 3,000 square foot space in the heart of Mayfair, London. The gallery exhibits, represents and champions a diverse roster of emerging and established artists from around the world working in a variety of media, including painting, drawing, sculpture, video and photography. Sophia Contemporary is committed to conducting research and educating the public through events and talks, and is working with museums and institutions worldwide in order to place the gallery’s artists in major public and private collections.
Exhibition Details

 

Blaas-Holzknecht

GutGasteil01.20
Galerie Gut Gasteil
Kunst in der Landschaft
Ausgabe X: „Begleiten“
Fanz Blaas, Edgar Holzknecht
Eröffnung:
Samstag, 27. August 2016 | 18 Uhr
Ausstellung: 27. August – 30. Oktober 2016
Charlotte und Johannes Seidl
Gasteil 1A – 2640 Prigglitz
 
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Zur Ausstellung spricht der Kunsthistoriker und
Kulturwissenschaftler Hartwig Knack
 
Mit den gegensätzlichen Ergebnissen aus Linie und Figur
von Edgar Holzknecht und Franz Blaas schließt die
3. Ausstellung am Gut Gasteil des Bildhauerpaars Charlotte
und Johannes Seidl in Prigglitz im südlichen Niederösterreich
die heurige Saison ab. Eine Vielzahl an Schichten steht
einer weitgehenden Reduktion gegenüber. Gemeinsam
ist die Würdigung der Linie, Ähnlichkeiten gibt es bei
den Themen: Figuren, Landschaft, Bauwerke.
 
Die neusten Arbeiten von Edgar Holzknecht zu Figuren und
Landschaften sind nun am Gut Gasteil zu sehen.
Die Werkschau von Franz Blaas von 1979 bis 2016 widmet
sich überwiegend Berg- und Meeres-Landschaften und Tieren.
 
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Franz Blaas
1955 Geboren in Passau (D)
1973 1976 Pädagogische Akademie, Linz
1976 – 1983 Kunsthochschule Linz
Mitbegründer der Stadtwerkstatt, Linz
1982 – 1984 Hochschule für angewandte Kunst, Wien
1987 – 1989 Aufenthalt in Berlin
1990 – 1993 Arbeit am Roman “Omas kleine Erde”
1998 Arbeit am Libretto für die Oper ”Zeichner im Schnee”
2002 Arbeit am Zeichentrickfilm: “Four songs for tiger lillies”
Lebt und arbeitet in Wien.
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In der Reduktion und Verschlüsselung findet Franz Blaas
die für ihn passende bildliche Ausdrucksmöglichkeit, die ihn
selbst auch immer wieder überraschen kann. Er tut dies in
Form der Zeichnung – mit Kohlestift, Buntstift, auch mit
Pastellstift. Eine reduzierte Linie, die Landschaften, Häuser
oder Personen darstellt, in einfacher Klarheit und ihnen in
dieser Einfachheit die Offenheit der Möglichkeiten und eine
gelassene Poesie mitgibt. „Beim Zeichnen“, so schreibt Blaas
selbst, „steht mir besser zu Gesicht, nicht im Voraus zu
denken, was ich machen möchte.“ Dabei habe er sich bis
heute die Spontaneität, “den kindlichen Spieltrieb” erhalten
können, Leuchtend und strahlend präsentieren sich die
Farben der Pastellkreiden meist auf Karton als Untergrund,
dezidiert und kraftvoll ist auch das Schwarz. Seine Figuren
blicken mitunter ein bisschen traurig, vielleicht ratlos,
manchmal scheinen sie sich über etwas zu amüsieren,
geradezu spöttisch zu schauen. Typen treten da auf. So wie
auch in seinen Tieren und den Landschaftsbildern führt Blaas
die ursprünglichen Einfälle und Ausgangspunkte in die
Verknappung und staunt, wie er selbst feststellt, „jedes Mal,
was dabei zum Vorschein kommt.“
Wichtig sind ihm auch die Rahmen für seine Bilder, die von
ganz kleinen Formaten bis zu faltplanartig gestalteten
umfangreicheren Größen geraten können. Diese Rahmen
können durchaus kurios sein, können Fundstücke vom
Flohmarkt sein und werden selbst wieder Anregung für ein
neues Bild. Am Gut Gasteil gibt es nun eine Werkschau zu
sehen: Von 1979 bis 2016, und sie wird sich überwiegend
Berg- und Meereslandschaften und Tieren widmen.
Verena Kienast
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Edgar Holzknecht
1962 Geboren in Salzburg
Ausbildung zum Graveur an de HTL-Steyr
Studium der Malerei und Grafik an der Hochschule für
Gestaltung in Linz bei Eric van Ess, Peter Kubovsky und
Dietmar Brehm
1991 Diplom
seit 1992 freischaffender Künstler
Lebt und arbeitet in Garsten OÖ.
Als gelernter Graveur hat sich Edgar Holzknecht den Sinn für
die Linie auch in seiner Malerei bewahrt. Mit ihr gibt er den in
vielen Schichten gemalten Bildern immer wieder neue Impulse
der Rhythmisierung und der Dynamik. Aus der Verbindung von
Malerei und Linie entsteht eine Vernetzung von Farbflächen. Die
sich dabei überschneidenden Pinsel- und Zeichnungsstriche
bilden eine eigene Ebene von kristallinen Strukturen mit
vielfachen Kanten. Die Farben, die Edgar Holzknecht dabei
verwendet, sind ruhig und eher gedämpft in vielen Nuancen: Rot,
Grün, Blau, Braun. Einen besonderen Stellenwert nehmen die
Grauflächen ein. Sie sind schon in der Grundkomposition die
Anhaltspunkte für das weitere Geschehen und sie durchdringen
im weitern Verlauf das Gesamtgefüge, stellen die Brücken
zwischen Objekt und Raum dar. Schwebende Leichtigkeit mit
einer gleichzeitig festen Ordnung.
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In bis zu 30 übereinander gelegten Schichten mit lasiertem oder
deckendem Farbauftrag auf der Leinwand nähert sich
Holzknecht seinem Zielbild an. Der Fettkohlestift stellt dabei
selbst eine eigene Schicht dar, die gleichzeitig neuer Impuls ist
und in der nächsten Farbschicht schon wieder verblassen kann,
helles Weißgrau setzt Lichtwirkungen, die die Plastizität des
Raums greifbar erscheinen lassen. Die zahlreichen sichtbaren
Pinselstriche erzeugen einen höchst beweglichen Eindruck mit
pulsierendem Rhythmus. Die Suche bleibt sichtbar und Edgar
Holzknecht strebt nicht nach dem einen vollkommenen Ton, wie
in der Musik. Er arbeite immer ganz bewusst ein bisschen neben
dem Ton, erklärt er: Um die Spannung zu erhöhen.
Verena Kienast

Zufahrt von Wien kommend

Südautobahn (A2) Semmeringschnellstr. (S6), Abfahrt Gloggnitz, am Bahnhof vorbei, unter der Bahn durch die Straße Richtung Prigglitz, immer bergauf bis zum Ortsplatz, rechts nach Gasteil.

oder:
A2, S6 Abfahrt Gloggnitz, Richtung Reichenau, in Schlöglmühl unter der Bahn durch, die Straße aufwärts bis Prigglitz Ortsplatz, gerade weiter bergauf nach Gasteil.

KRAWAGNA – ZITKO

GALERIE422

GALERIE 422
OTTO ZITKO – SUSE KRAWAGNA
Vernissage:
SAMSTAG, 27. AUGUST 2016  | 11 Uhr
Ausstellung: 27.08. – 01.10.2016
MARGUND LÖSSL
An der Traunbrücke 9 – 11
A 4810 Gmunden

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SUSE KRAWAGNA
1964 in Klagenfurt geboren, lebt und arbeitet in Wien
1983–1988 Akademie der Bildenden Künste, Wien, Prof. Arnulf Rainer
1988–1990 Residence in London, Royal College of Art
1999  Anton Faistauer Preis für Malerei des Landes Salzburg
Zahlreiche Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen

„Architektonische Formen und Schemata bilden in Krawagnas Werk
oftmals einen kaum noch erkennbaren Referenzpunkt, doch führt die
Künstlerin die Formen gezielt in den non-repräsentativen
Verhandlungsraum, den Flächenraum der Malerei über: In der
Weiterentwicklung der Formkonstellation von Bild zu Bild wird
jeder mögliche außerbildliche Bezug entkräftet, einzig das jeweilige
„Vorbild“ ist von Bedeutung.
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Die vermeintlich stabile Ordnung der vertikalen Farbfelder
wird durch die latenten Modifikationen von Platzierung, Form,
Farbnuancierung destabilisiert und in Unruhe versetzt.
Krawagnas malerisches Interesse gilt weniger der jeweiligen Setzung,
sondern der möglichen Veränderung und Abweichung, nicht der
mimetischen Wiederholung der Form, sondern der liminalen Differenz
zum benachbarten Bild. (…) Angesichts dieser Simultanität
aktuell wahrgenommener und imaginärer Erscheinungen wird der/die
BetrachterIn der Labilität der Wahrnehmung, zugleich aber auch der
eigenen Strukturierungstätigkeit gewahr. Krawagnas Bildmodulationen,
die zwischen den Bildern auftretenden „Störungen“ und Abweichungen,
bedingen ein vergleichendes „Sehen in freier Variation“ (Max Imdahl).
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Krawagnas Malerei lässt die ikonische Wahrnehmung als einen sich stetig fortschreibenden, prinzipiell infiniten Prozess der Differenzierung erscheinen.“

David Komary. Katalogtext zur Ausstellung
“streng geometrisch”,
Museum Moderner Kunst Kärnten, 2011, Textauszug
Kompletter Text siehe: susekrawagna.at)

 

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OTTO ZITKO
1959 in Linz geboren, lebt und arbeitet in Wien
1977 – 1982 Hochschule für angewandte Kunst, Wien
1996 Msgr. Otto Mauer-Preis
2004 Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst
Zahlreiche Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen

Otto-Zitko_1761_Pap_2016

„In einer Zeit der scheinbaren allgemeinen Verfügbarkeit
von Räumen, wie es der Cyberspace in multimedialer
Präsenz suggeriert, gewinnt Otto Zitkos Kunst der offenen
Linie – Räume zu dekonstruieren und sie in subjektiver
Qualität neu zu kreieren – einmal mehr an Aktualität.
Was in den digitalen Medien als technologisch perfekte
Vorgabe zu individueller Passivität verleiten mag, ist bei
Zitkos Kunst einer Verortung der Zeit durch die Linie höchste Aktivität
und prononcierte Subjektivität. Darin dokumentiert
sich ein Kontrast zum passiven user digitaler Medienräume,
deren Virtualität sehr wenig mit jenen Möglichkeitswelten der zitkoschen
Bild-Raum-Kreationen zu tun hat. Deren visionärer Charakter vertraut
auf die Imaginationskraft des Individuums und seine vitale wie
sensible Kreativität Umgebungen nach der eigenen Welt im Kopf
zu gestalten, sprich anzueignen.
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So gesehen ist die Linie kreatürlicher Raumteiler, erzeugt
Raum; ein ins Nichts gesetzter Punkt lässt Raum entstehen – dieser
Faszination künstlerischer Schöpfung als einer nahezu archaisch
anmutenden Leistung menschlicher Originalität verdankt sich Zitkos
Obsession der Linie als Malkunst unserer Zeit.“

Herbert Lachmayr „Der lange Weg der Linie”
Zum Werk des Malers Otto Zitko. in: Otto Zitko.
Cheim & Read Ausstellungskatalog, New York/Wien 2000.
Textauszug. Kompletter Text siehe:

Zufahrt zur Galerie :

Von Autobahnabfahrt LAAKIRCHEN OST Richtung Gmunden 1.

Kreisverkehr Gmunden OST“

© 2010 GALERIE422 – MARGUND LÖSSL

AN DER TRAUNBRÜCKE 9-11 – A-4810 GMUNDEN

https://estherartnewsletter.wordpress.com/2016/02/17/blaas-klopf-strohle/

Szekszárd Harvest Festival

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Szekszárd Harvest Festival – Szekszárd
Szekszárdi Szüreti Napok 2016.
szeptember 15-18-ig
15.09 – 18.09.2016
Downtown Szekszárd
(Garay Square, Szent István Square, Béla király Square)
Szent István square 10-28.
7100 Szekszárd
 
 
A grape Harvest celebration in Southern Hungary, in one of the famous wine regions in the country.
This festival welcomes visitors with folklore programs, a harvest parade, wine- garden, various exhibitions, live performances, arts and crafts fair, concerts, and more.

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Famous for its full-bodied and spicy reds, the Szekszárd wine region is one of the oldest red-wine-growing areas in Hungary. The Celts were the first to establish vine growing in the region more than 2000 years ago. The best-known grape of the Szekszárd region is Kadarka and even though it’s not the most planted grape, it became the flagship of the region. Kadarka’s role is most notable in the ‘Bull’s Blood of Szekszárd’ (Szekszárdi Bikavér), the southern version of the famous Bull’s Blood of Eger. The blend made in Szekszárd is spicier, thanks to Kadarka grapes. Szekszárd, similar to the Villany region, is located in the southern part of Hungary with long hot summers and mild winters favoring red grapes.

Over the past years Szekszárd has produced many quality red wines winning numerous awards in both national and international competitions. Wines from the Szekszárd region may not be well known internationally, but vine growing and wine making in the region has traditions dating back thousands of years. For example, did you know that red wines from Szekszárd inspired the likes of Schubert, Franz Liszt, Zoltán Kodály and Pope Pius IX?

Grape Varieties

Kadarka is a key player in Szekszárd along with the ‘Bordeaux varieties’ like Cabernet Sauvignon, Cabernet Franc and Merlot. Kékfrankos, Pinot Noir and Zweigelt are also planted.

Szekszárd Wines

‘Bull’s Blood of Szekszárd’ (Szekszárdi Bikavér), Cabernet Sauvignon, Cabernet Franc, Kékfrankos, Merlot, Syrah and several Rosés and Cuvées

Szekszárd is famous for its spicy reds and the best-known variety is Kadarka. Hungary’s most prominent red was nearly destroyed during Communism, but it’s now making a comeback, most notably in the ‘Bull’s Blood of Szekszárd‘ (Szekszárdi Bikavér). This is the southern version of the famous Bull’s Blood of Eger, but the blend made in Szekszárd is spicier, thanks to the Kadarka grapes. Cabernet franc and merlot from Szekszárd are also high quality wines, making this one of the most exciting wine regions in Hungary. Szekszárd lies close to Villány, in the sunny south. Unlike in Villány, the wine cellars in Szekszárd are more spread out, however they also welcome visitors for wine tasting.

Top wineries: Heimann, Takler, Vesztergombi and Vida

Walter Strobl

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Galerie Lehner
Walter Strobl
Körper Raum Struktur
VERNISSAGE:
Dienstag, 06. September 2016 | 19 Uhr
SEKTFRÜHSTÜCK
Samstag, 17. September 2016 | 10 – 13 Uhr
AUSSTELLUNG:
07. September – 30. September 2016
Getreidemarkt 1/8 A-1060 Wien
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Walter Strobl
lebt und arbeitet als freischaffender Maler in Wien
1968 geboren in Innsbruck.
1983-87 Fachschule für angewandte Malerei an
der HTL II in Innsbruck.
1987-90 Höhere Lehranstalt für Kunsthandwerk (ASK)
an der HTL II in Innsbruck.
1990 – 95 Studium der Malerei und Grafik an der Akademie der bildenden Künste in Wien bei Prof. Arik Brauer und Prof. Josef Mikl, Diplom für Malerei mit Auszeichnung.
2009 Mitglied der Gesellschaft bildender Künstlerinnen und Künstler Österreichs, Künstlerhaus Wien.

STERLING RUBY

sprueth

SPRÜTH MAGERS BERLIN
STERLING RUBY
THE JUNGLE
Public reception:
16. September 2016 | 6-9pm
BOOK LAUNCH and signing with the artist
STERLING RUBY, published by Phaidon
16. September 2016 | 5-6pm
September 17 – October 29, 2016
Oranienburger Straße 18
10178 Berlin
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Sterling Ruby, THE JUNGLE, 2016 (detail)
© Sterling Ruby
For Sterling Ruby’s second solo exhibition at Sprüth Magers, Berlin, he presents works from his SCALES series of mobile sculptures – conceived for the first time as a single installation.

Sterling Ruby’s output across a diverse range of media can be measured as a fine balance between chaos and order. Manifesting his coherent artistic vision in painting, sculpture, video, photography, ceramics, textiles and, more recently, clothing, Ruby embarks upon investigations into the material and intellectual fabric of contemporary society.

These new mobile sculptures, titled SCALES, are three-dimensional versions of recent collages and are executed on a similar scale to his murals, textiles, and paintings. However, they can be seen as more akin to his amorphous, stuffed soft works in the way that they occupy space. The title of the series alludes to the idea of balance and weight that refers, in turn, to the laws of equilibrium, and conjures the mystical symbol of Libra in astrology.

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The title of the show itself, THE JUNGLE, implies a dense, uncompromising ecosystem of dangling foliage. The installation of mobiles is conceived as such an environment; the varying heights and densities carry the eye through space. Ruby’s monumental mobiles are comprised of monochrome, cutout shapes and ephemera from his studio that includes components of previous works and detritus from the studio floor. By introducing these elements, the monochromatic parts are given a narrative framework that instills the work with a contemplative conceptual edge and allows us to consider the material combinations throughout his body of work.

More than other series in Ruby’s oeuvre, SCALES explicitly references modernist, Bauhaus, and Suprematist aesthetics, becoming a model through which he can strip down his own artistic history and conditioning. At odds with the more mechanical elements of modernist aesthetics, the use of base, handmade elements gives a scrappy, craft-orientated finish. Brightly coloured formal shapes evoke the orbiting celestial bodies of the solar system, while other elements – fragments of steel with raw welded edges, chains linked together to create beautiful drawn arcs, steel drums, engine blocks, buckets, pipes and baseball bats – suggest a grittier, industrial tenor.

Continuing the tradition set by Modernist forbearers, chance plays a part in the conception of these sculptures. The cutout forms are shaped both by nature and chance, an element that is in and of itself. Likewise, the movement of the mobiles is incidental; the sculptures tremble and glide according to the conditions within the gallery, creating new constellations and ways to be perceived.

As Ruby himself has noted, it is impossible to separate mobile sculpture from the legacy of Alexander Calder. Ruby’s specific Californian milieu is also fertile ground for more recent art historical references; Chris Burden, Mike Kelley and Jason Rhoades have all produced sculptures that dangle and balance. These artists often used mobiles as a political tool in the context of the US justice system, interpreting its iconographic image of Lady Justice balancing the scales, here Ruby acknowledges that history and incorporates it with the formal elements, the colours, shapes and forms deployed in the works of Calder, Ellsworth Kelly and Robert Motherwell colliding the elegance of modernism with the contemporary.

Sterling Ruby (American, born 1972, Air Force Base in Bitburg, Germany) lives and works in Los Angeles. Recent solo exhibitions include Winterpalais, Belvedere Museum, Vienna (2016); WORK WEAR: Garment And Textile Archive 2008-2016, Sprüth Magers, London (2016);STOVES, Musée de la Chasse et de la Nature, Paris (2015); The Baltimore Museum of Art (2014); DROPPA BLOCKA, Museum Dhondt-Dhaenens, Ghent (2013); SOFT WORK, Centre d’Art Contemporain Genève, travelled to FRAC Champagne-Ardenne, Reims; Bonniers Konsthall, Stockholm; MACRO, Museo d’Arte Contemporanea, Rome (2012-2013); and I AM NOT FREE BECAUSE I CAN BE EXPLODED ANYTIME, Sprüth Magers, Berlin (2011). Selected group exhibitions include Made in LA 2016: a, the, though, only, Hammer Museum, LA (2016); 2014 Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, New York (2014); Taipei Biennial 2014, Taipei Fine Arts Museum (2014);The 10th Gwangju Biennale: Burning Down the House, Gwangju (2014); and Back To Earth. From Picasso to Ai Weiwei – Rediscovering Ceramics in Art, Herbert Gerisch-Stiftung, Neumünster (2013).

HANNE DARBOVEN

sprueth

SPRÜTH MAGERS LOS ANGELES

HANNE DARBOVEN

SEPTEMBER 09 – OCTOBER 29 2016

5900 Wilshire Boulevard
Los Angeles, CA 90036

5900 Wilshire Boulevard
Los Angeles, CA 90036

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Hanne Darboven is recognised for her ambitious and idiosyncratic body of work that operates at the limits of representation. Sprüth Magers presents the first solo show of her work on the West Coast since 2010 – exhibiting three of her monumental installations that knit together mathematical procedure, historical and cultural artefact, and autobiographical documentation in an attempt to record subjective and objective perceptions of time via a conceptually coherent visual system.

Darboven’s unwavering dedication to the representation of time began in earnest in the late 1960s after a stint in New York where she met artists Joseph Kosuth, Carl Andre and Sol LeWitt. Upon returning to her native Hamburg, she developed a formula for date calculations that would go on to structure her subsequent time-based works. Darboven’s early mathematical calendars were arranged in gargantuan wall installations that sought to quantify time in space. She explained her mathematical interpretation of time as a stance against social or political co-optation: unlike words, numbers refer to nothing beyond themselves, and it was this sovereignty that was so appealing. She described her methodology as “writing without describing”, and transcribing the passage of time became a meditative process that she applied herself to with the regularity of office labour.

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Hanne Darboven Erdkunde I, II,III (Geography I, II, III), 1986 (detail)
© Hanne Darboven Foundation, Hamburg /
VG Bild-Kunst, Bonn Photo: Maximilian Geuter

Towards the end of the 1970s, Darboven began to punctuate her numerical tableaux with a variety of materials that grappled with themes such as the Enlightenment, mass media, technological progress, religion, politics, and the arts. Her use of photographs, postcards, objects from her studio, and quotations of texts ranging from Classical philosophy to the Frankfurt School, marked a shift in her practice from the abstract documentation of time toward a narrative interweaving of cultural and personal history.

Erdkunde I, II,III (Geography I, II, III) (1986) dominates the main gallery. It consists of over seven hundred wall-hanging panels, each comprising four collaged sheets of calendar pages, articles, drawings and photographs, as well as ten free-standing wooden classroom displays. The composition is divided into three parts that are structured by indices; the index panels of the first part of the installation present black and white photographs of Darboven’s Hamburg studio. Visible within the photographs are rolled and unrolled educational maps, an array of objects from her studio, and a bust of Alexander von Humboldt – the eighteenth century pioneer of empirical geography. Further index pages include transcriptions from the Brockhaus Encyclopaedia derived from the entries for Erde (the Earth) and Erdkunde(Geography). The work also contains installation shots of Darboven’s exhibition, Cultural History 1880–1983 (1980–83), at the Musée de la Ville de Paris (1985), as well as collaged notes on the work’s structure, and folkloric illustrations of global technological achievements that are fixed to the display boards. Erdkunde I, II,III (Geography I, II, III) fuses diverse methods of ordering and documenting the world in which Darboven intersperses encyclopaedic didacticism with autobiographical detail. It can be understood as her subjective reflection on the sublime human endeavour to summarise the totality of knowledge, and the scope of her labour involved in such an undertaking.

Upstairs, Leben, leben / Life, living (1997/98) is an immense installation of over one thousand four hundred framed works that form part of Darboven’s systematic indexing of the years 1900 – 1999. It utilises the mathematical representation of history developed early in her practice; calculations are conveyed in type, ball-point and felt-tip pen. It also features photographs of dollhouses, and two dollhouses from Darboven’s personal collection are physically presented in the gallery space. The first represents a typical German home from the 19th century, and the second is a home from the 1950s. Leben, leben / Life, living represents time, first and foremost, as the very specific historical period that the work spans. Yet, the overwhelming volume of the installation equally acknowledges the unrelenting pace of Darboven’s own labour.

Fin de Siècle – Buch der Bilder (Fin de Siècle – Book of Pictures) (1992/93) is assembled from over five hundred work sheets, forty-two panels and fifty-four albums. On the wall, the framed sheets combine date calculations with reproductions of her earlier work, Bilddokumentation (1978). These postcards display various objects from her studio such as a telescope, magnifying glass, clock and globe. Each object is classified with written labels that translate as “technological development”, “intellectual development” and “history”. Green postcards recur throughout the installation; these were designed by Darboven complete with a stamp that refers to her studio home, Burgberg, and were often sent out to family and friends or incorporated into artworks. The albums housed in the vitrines feature photographs of Darboven’s notebooks, date calculations, and excerpts from their transliteration into a musical score. By collating numerous artefacts that chart technological and intellectual human achievement, whilst simultaneously referencing her own historical artistic practice, Darboven usesFin de Siècle – Buch der Bilder (Fin de Siècle – Book of Pictures) to interweave her personal history within a wider narrative of human progress.

Hanne Darboven, (1941, Hamburg, Germany) studied at the Hochschule für bildende Künste in Hamburg, where she lived and worked until her death in 2009. Selected solo shows include the Konrad Fischer Galerie in Düsseldorf (1967); Leo Castelli Gallery, New York (1973); Hamburger Kunsthalle, Hamburg (1983); Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1985); Los Angeles Museum of Contemporary Art (1989); Stedelijk Van Abbe Museum, Eindhoven (1991); DIA Chelsea, New York (1997); Deutsche Guggenheim, Berlin (2006); Sammlung Falckenberg, Hamburg (2011); Camden Arts Centre, London (2012); Talbot Rice Gallery, Edinburgh (2015); and a twinned retrospective at Haus der Kunst, Munich and Bundeskunsthalle, Bonn (2016). Darboven exhibited at Documenta 5 (1972), 6 (1977), 7 (1982) and 11 (2002) and was chosen to represent Germany at the Venice Biennale in 1982. Her work has been included in major international exhibitions such as the Museum of Modern Art, New York (2009); Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2013, 2014); Barbican Centre, London (2015) and the Albright-Knox Art Gallery, New York (2016).

http://www.spruethmagers.com/exhibitions/417