Gallery Weekend Berlin 2016
Als feste Größe im internationalen Kunstkalender präsentiert das Gallery Weekend Berlin vom 29. April bis 1. Mai 2016 zum zwölften Mal Ausstellungen von neu zu entdeckenden sowie etablierten Künstlern in 54 Berliner Galerien.

vor 12 Jahren von einer kleinen Gruppe Berliner Galerien für Galerien initiiert und organisiert, ist das Gallery Weekend Berlin mit dem Anliegen gegründet worden, sowohl die Aufmerksamkeit auf den Galerieraum als den Ort zu lenken, in dem die Künstler ihre Kunst entfalten können als auch auf die Stadt Berlin, in der in hoher Dichte Künstler und Galeristen leben und arbeiten.

Das Gallery Weekend Berlin mit seinem Zusammenspiel aus intensiver Auseinandersetzung mit Kunst, dem Erlebnis der Stadt Berlin und seinem gesellschaftlichem Ereignis wurde oft versucht zu kopieren und bleibt doch beispiellos. Eng mit der Berliner Geschichte verbunden, ist es ein Alleinstellungsmerkmal, dass Berliner Galerien Ausstellungen zeigen, die den Künstler und nicht die kommerziellen Aspekte in den Vordergrund rücken. In Berlin konnte und kann man seit über 20 Jahren Ausstellungen in Galerien sehen, die anderorts nur in Institutionen denkbar wären. Viele von Berliner Galerien vertretene Künstler lebten, leben oder leben wieder in Berlin und wuchsen in enger Verbundenheit und gemeinsam mit ihren Galerien. Für die Künstler bot Berlin Raum für bezahlbare Ateliers und Produktion und für die Galeristen entsprechende Ausstellungsräume, Lager und Büros. Berlin war immer eine Stadt der Umbrüche, in der je nach politischer Ausrichtung unterschiedliche Vorstellungen von Stadt entworfen wurden, ohne dass jemals eine vollendet werden konnte. Berlin in seiner kontinuierlichen Verwandlung schuf damit Freiräume, aus denen eine Kunstszene entsprang, die experimentell, spartenübergreifend und losgelöst von Konventionen war. Es entstand ein Verständnis von Galerie, das Ausstellungen in Galerieräumen hervorbrachte, die den Begriff “Galerie” neu definierte.

In den letzten 20 Jahren haben sich Berlin und die Kunstszene weiter verändert, es ist nicht mehr alles neu, sondern Bewährtes beginnt sich zu etablieren. Dass dabei immer noch die Neugierde eine treibende Kraft ist, dass Berlin immer noch “nicht fertig” ist, bleibt.

Die Ausstellungseröffnungen finden in allen teilnehmenden Galerie gemeinsam am Freitag, den 29. April 2016 von 18 – 21 Uhr statt. Am Samstag, den 30. April, und Sonntag, den 1. Mai, sind die Galerien von 11 bis 19 Uhr geöffnet.

Besonderer Dank gilt der großzügigen Unterstützung der beiden Gallery Weekend Berlin Partner Audemars Piguet und BMW. Mit Audemars Piguet wurde dieses Jahr erstmalig der Gallery Weekend Guide auf den Weg gebracht, ein Magazin zu den Ausstellungen in den Galerien. BMW unterstützt von Beginn an das Gallery Weekend Berlin unter anderem mit einem exklusiven Limousinenservice.

https://www.facebook.com/events/1655612968020960/

https://www.instagram.com/galleryweekendberlin/

Gallery Weekend Berlin
29. April – 1. Mai 2016
www.gallery-weekend-berlin.de
#galleryweekendberlin

Die teilnehmenden Galerien und die gezeigten Künstler des Gallery Weekend Berlin 2016 sind:

Arratia Beer: Ed Fornieles
Galerie Guido W. Baudach: Andy Hope 1930
Blain | Southern: Harland Miller
Galerie Isabella Bortolozzi: Oscar Murillo; Stephen G. Rhodes
BQ: Jochen Lempert
Galerie Buchholz: Wolfgang Tillmans
Buchmann Galerie: Bettina Pousttchi; Daniel Buren
Capitain Petzel: Christopher Williams
Carlier | Gebauer: Mark Wallinger; Iman Issa
Contemporary Fine Arts: Gert & Uwe Tobias; Christian Rosa
Mehdi Chouakri: Philippe Decrauzat
Crone: Hanne Darboven
Croy Nielsen: Sebastian Black; Megan Rooney
Delmes & Zander: Horst Ademeit
Galerie Eigen + Art: Carsten Nicolai
Konrad Fischer Galerie: Alice Channer
Michael Fuchs Galerie: Tomi Ungerer
Gerhardsen Gerner: Jim Lambie
Galerie Michael Haas: Paula Modersohn-Becker; Leiko Ikemura
Galerie Max Hetzler: Edmund de Waal
Johnen Galerie: Martin Honert
Kewenig: Ghada Amer
Kicken Berlin: Sibylle Bergemann, Rudi Meisel, Gabriele und Helmut Nothhelfer, Helga Paris, Petra Wunderlich, Ulrich Wüst
Klemm’s: Bernard Piffaretti
Helga Maria Klosterfelde Edition: Rirkrit Tiravanija
König Galerie: Annette Kelm; K.H. Hödicke; Katharina Grosse, Jeppe Hein, Camille Henrot, Alicija Kwade, Michael Sailstorfer, Tatiana Trouvé, David Zink Yi
KOW: Tobias Zielony; Hiwa K
Kraupa-Tuskany Zeidler: Rachel Harrison
Tanya Leighton: Aleksandra Domanovic
Daniel Marzona: Olaf Holzapfel
Mathew Gallery: Richard Phillips
Meyer Riegger: Miriam Cahn
Galerie Nagel Draxler: Egan Frantz; Günther Förg, Hans-Jörg Mayer, Martin Kippenberger, Heimo Zobernig
Galerie Neu: Anne Collier; Victor Man
neugerriemschneider: Tobias Rehberger
Galerie Nordenhake: Michael Schmidt
Peres Projects: Mike Bouchet
Galeria Plan B: Victor Man
Galerija Gregor Podnar: Julije Knifer
PSM: Eduardo Basualdo
Aurel Scheibler: Ernst Wilhelm Nay
Esther Schipper: Tomás Saraceno
Galerie Micky Schubert: Ketuta Alexi-Meskhishvili
Galerie Thomas Schulte: Idris Khan; Daniel Buren
Société: Petra Cortright
Sprüth Magers: Thea Djordjadze; Craig Kauffman; Alexandre Singh
Supportico Lopez: Adriano Costa
Galerie Barbara Thumm: Diango Hernández
VW (Veneklasen / Werner): Pat O’Neill
Galerie Barbara Weiss: Maria Eichhorn
Wentrup: Peles Empire
Kunsthandel Wolfgang Werner: Per Kirkeby
Barbara Wien: Michael Rakowitz
Zak | Branicka: KwieKulik

Gallery Weekend Berlin / abc Büro

Potsdamerstraße 93

http://www.gallery-weekend-berlin.de

 

Jan Maarten Voskuil

Die Faszination der Arbeiten von Jan Maarten Voskuil liegt in der Tatsache, dass dieser die (per Definition) flache Künstlerleinwand in die Dreidimensionalität erweitert, ohne etwas hinzuzufügen. Die Leinwände sind nämlich scheinbar zu einem abstrakten Relief verbogen, obwohl sie flächig und monochrom bemalt sind. So gekrümmt und dennoch unter enormer Spannung stehend, entstehen präzise ausbalancierte Kompositionen von enormer Schönheit. Dass die „Keilrahmen“ nicht unter der Bespannung verbogen, sondern kunstvoll in der entsprechenden Form hergestellt wurden, wird einem erst klar, wenn man sich genauer mit der technischen Machbarkeit auseinander setzt und einen Blick auf die Rückseite der Arbeiten erhascht.
Am stärksten wirken diese, allein durch Licht und Schatten definierten, Objekte dort, wo sie das Spiel mit den Grundbausteinen der Malerei am reinsten verkörpern.
(aus Gekrümmter Raum von Wolfgang Pichler)

Rouven Dürr

In Rouvens Studio stehen, soweit ich es gesehen habe, vier bis fünf Skulpturen auf Tischen und einige gerahmte Arbeiten lehnen an den Wänden. Die Skulpturen stehen in einem sehr speziellen Verhältnis zu den Papierarbeiten. Sie tauschen sozusagen ihren Charakter.
Ich habe, nach einiger Zeit des Schauens, die Figuren in den Arbeiten auf Papier als dreidimensionale Formen wahrgenommen und, umgekehrt, die Skulpturen als flache zweidimensionale Strukturen. Ich denke, ein wunderschöner Aspekt vom Raum ist, das er die Dinge in Bewegung hält. Rouven hat mit seinen Skulpturen und Zeichnungen den Raum aufgespannt bzw. aktiviert, sodass zwischen den beiden Werkgruppen eine Durchlässigkeit entsteht, aus der heraus sich die Arbeiten aus ihrer medienimmanenten Sackgasse befreien können. Rouven infiziert die Skulptur, in der der dreidimensionale Aspekt evident ist, mit einer Zweidimensionalität, einer Flachheit, die erst den eigentlichen Raum, den Mondrian “Plastizität” nannte, schafft.
Ich glaube, dass die Zeichnung und die Plastik in Rouvens Werk sich brauchen, ja sich bedingen. Diese Verkettung ist ein Aspekt, der oft bei Bildhauern auftritt, siehe Henri Laurens, Giacometti, Bruce Naumann. Bei der großen Tuschearbeit, die einem Oktogon ähnlich schaut, wirkt die Form, als ob man einer Skulptur von Rouven die Haut abgezogen und sie auf ein Gerüst gehängt hätte. Also wieder der Weg zurück, vom Zweidimensionalen zum Dreidimensionalen. Ein Kreislauf, der ein ganzes Bildhauerleben füllt und der nicht aufhört.

(Die Haut von Michael Horsky)

Isabelle Ahkavan Aghdam

Isabelle Akhavan Aghdams Werke sind vielschichtig und voll parallel wirkender Betrachtungs- und Bildebenen. Sie spielt mit Materialen, Formen und objets trouvès und verwirrt den Betrachter dabei durch scheinbar unüberwindbare Gegensätze: Weiche Wolle wird zu hartem Eisen, eine schwere Ziegelwand wird zu einem transportablen Bild und ein Fahrschulschild wird zum Philosophiebuch. Die Farbigkeit und oft grobe Haptik der Arbeiten entspringt der Formen- und Farbwelt ihrer Kindheit in der DDR.

https://www.facebook.com/events/255403068135895/

Blank wall/gallery
“CHANGES”

Group exhibition
International Photographers
Opening: Saturday, 8.May 2016 |
Participating artists:
Andrew Sohn # USA, Benita VanWinkle # USA, Bernice Williams # USA
Bruce Berkow # USA, Christine Miess # Austria, Erika Ritzel # USA
Joan Brook # USA, Judith Hornbogen # Germany, Lodiza LePore # USA
Luke Smith # UK, Mark Hannah # USA, Mauro Filippi # Italy
Michael (Mickey) Rooney # Ireland, Monica Ortega # Spain
Nikolas Karathanasis # Greece, Rick Peterson # USA
Ron Colbroth # USA, Sergio Delle Vedove # Italy
Tanya Sue Todd # USA, Zia Raihan # Bangladesh
Exhibition: 9 May – 20 May 2016
12 Yakinthou Street
11364 – Athens – Greece
http://www.blankwallgallery.com

Nikolas Karathanasis # Greece

It is interesting to see how things change around us. People have never ceased being interested in seeing what has been altered as time goes by. There are changes in nature, in politics, even on us that signal that things are constantly moving and altering making our lives unpredictable. It is good to be able to detect these changes happening around as they always play a significant role in our future.

Lodiza LePore # USA, Ron Colbroth # USA, Mauro Filippi # Italy
Zia Raihan # Bangladesh, Sergio Delle Vedove # Italy,
Monica Ortega # Spain, Rick Peterson # USA

Mark Hannah # USA

https://www.facebook.com/blankwallgallery/timeline

http://www.blankwallgallery.com/exhibitions-changes/
Exhibition Catalogue
http://www.blurb.com/books/

Galerie Michaela Stock
PERSÖNLICHE GESCHICHTEN – STRATEGIEN DER ANEIGNUNG
MILIJA PAVICEVIC
Vernissage: Dienstag, 10. Mai 2016 | 18 Uhr
Ausstellung: 11.5.- 18.6.2016
Schleifmühlgasse 18, 1040 Wien
http://www.galerie-stock.net

Milija Pavićević, A-Portrait, 2009-2010, Fotografie, 32 x 43 cm

Milija Pavicevics Oeuvre ist ein Zeugnis der konsequenten Strategie der Aneignung und Wiederholung. Seine Kenntnisse und Fähigkeiten erarbeitete sich der montenegrinische Biennale Künstler autodidaktisch, indem er sich auf ganz unterschiedliche Weise mit seinen Vorbildern aus der Kunstgeschichte auseinandergesetzt hat.

Sein anfängliches Interesse konzentrierte sich auf das Selbststudium der Kunstwerke der Alten Meister wie El Greco oder Velázquez, bald jedoch erweiterte sich sein Repertoire zu Gunsten von Manet bis Malewitsch. Literatur und kunsttheoretische Schriften wie die von Baudelaire, Proust, Kafka oder Kierkegaard, um nur einige zu nennen, haben grundlegend sein Werk beeinflusst. Nie negiert er deren Autorenschaft, sondern er entwickelt in seinen konzeptuell angelegten Kunstwerken auf spielerische Weise, seinen unverkennbaren Stil der Annäherung und Verehrung des jeweiligen Künstlers oder Theoretikers.

Milija Pavićević, 1586-1963, 1979, Collage, 24 x 32,5 cm

In der Ausstellung Persönliche Geschichten – Strategien der Aneignung erlaubt uns Milija Pavicevic einen Einblick in seine Leben und es werden die approbierten Künstler wie Katalysatoren genutzt, um Denk- und Wahrnehmungsmuster auf den Prüfstand zu stellen. Pavicevic hat die Fotografie zu seinem Medium erkoren, um sich die unendliche Vervielfältigung zum Nutzen zu machen. Dies zeigt sich besonders in der Massenproduktion seines Porträts, welches immer wieder durch Zitate neu erfunden wird. Alle ausgestellten Arbeiten kreisen um das Thema „Weltschmerz”, Existenzfindung und Selbstdarstellung.

Mit präziser Analytik werden in seinen Fotomontagen und Collagen der letzten vierzig Jahre ausgesuchte Kunstwerke integriert und es kommt zu einer Zusammenführung unterschiedlicher Zeiten und verschiedener Räume. So kartographiert er seine Erinnerungen, und die Rückkehr in seine Kindheit wird mit Motiven aus der Gegenwart kombiniert und immer wieder neu aufgearbeitet.

„Eine reale Auseinandersetzung mit dem Phänomen Tod (…) zeigt ein Bild von El Grecos Beerdigung aus dem Jahr 1586 sowie ein Foto des Begräbnisses von Pavicevics Großvater aus dem Jahr 1963, in dem der Künstler selbst als Kind zu sehen ist. „Selbst-Portrait 1586-1963″ nivelliert durch diese Gegenüberstellung das Phänomen Trauer. Der Künstler verweist auf Erinnerungsmomente, die bei Beerdigungsritualen zu Tage treten und durch die Verbindung des Todes eines bekannten Künstlers mit einem persönlichen Familienmitglied die Frage nach dem eigenen Tod – des Künstlers Pavicevic – als bildmediales Ereignis in den Raum stellt, der hier mental vorweggenommen wird aber bildlich noch nicht imaginiert werden kann.”1

Das schwarze Quadrat von Malewitsch, der Flötenspieler von Manet, und das Gelb von Van Gogh verortet der Künstler als eine immer wiederkehrende Hommage im Werkzyklus CT Park. In der digitalen Fotoserie porträtiert er sich als Flötenspieler in dem Park seiner Heimatstadt Cetinje und spielt nun mit dem Weglassen und Hinzufügen der approbierten Komponenten.

Milija Pavićević, CT Park, 2010, Fotografie, 30 x 44,5 cm

In den Collagen Ciao Amore werden zwei private Fotografien, welche ihn und seine Geschwister einmal als Kinder und dann 40 Jahre später am gleichen Ort zeigen, mit Fragmenten von Reproduktionen Picassos und Fragonards ergänzt.

Die Bedeutung der Selbstdarstellung hat in seiner Arbeit mit den Jahren entsprechend zugenommen. In der umfangreichen Werkgruppe „s-portrait” stellt er sein Schwarzweißporträt jenem von El Greco gegenüber. Das Motiv des bekannten Flötenspielers von Manet, das wie schon bei Manet, ausgeschnitten wirkt und aus dem Bild nahezu herausfällt, wird auf den Köpfen der Protagonisten montiert. Milija Pavicevic ist nicht interessiert eine möglichst authentische Nachstellung zu Inszenieren, seine Strategie ist in der Ideologie der einzelnen kunsthistorischen Referenzen zu suchen. Es geht um Fragen der Repräsentation und Wahrnehmung, um gesellschafts- und kulturpolitische Auseinandersetzungen sowie um Geschichte, Erinnerung und Identität des Künstlers und seine gesellschaftlichen Normierungen.

Anlässlich der Ausstellung erscheint ein Künstlerbuch mit einem Text von Walter Seidl und einem Vorwort von Prinz Nikola Petrovic-Njegos.

1 Dr. Walter Seidl, Textauszug aus dem Katalogtext EXITSTRATEGIEN DES SELBST, 2014
Link: http://www.galerie-stock.net/ausstellungen/vorschau/677-milija-pavicevic-persoenliche-geschichten-strategien-der-aneignung