MUSA Museum Startgalerie Artothek


Nach dem Ende der Welt. Eine Retrospektive
Eröffnung: Mo, 4. April 2016 | 19 Uhr
Zur Ausstellung Elma Choung,
Berthold Ecker und Dieter Ronte
Ausstellung: 5.4.2016 – 11.6.2016
Felderstraße 6-8, 1010 Wien
(neben dem Rathaus)
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MUSA Museum Startgalerie Artothek
Eva Choung-Fux
Dienstag, 5. April 2016 | 19 Uhr
Eva Choung-Fux im Gespräch mit
Angelica Bäumer und Dieter Ronte
Ausstellung: 5.4.2016 – 11.6.2016
Felderstraße 6-8, 1010 Wien
(neben dem Rathaus)


Eva Choung-Fux ist eine zentrale Künstlerpersönlichkeit der Wiener Szene seit den 1960er Jahren. Ihr umfangreiches Werk ist zum einen durch den meisterlichen Umgang mit druckgraphischen Techniken gekennzeichnet zum anderen durch ihr persönliches Naheverhältnis zur asiatischen Kultur. Mehrere Jahre verbrachte sie in Korea und Japan. Von dort zurückgekehrt begann ihre jahrzehntelange Lehrtätigkeit an der damaligen Akademie für angewandte Kunst. Gemeinsam mit ihren Studierenden erschloss sie neue Zugänge zu gesellschaftsrelevanten Themen und wurde zur ersten Unterrichtenden für künstlerische Fotografie in Wien. Poesie und engagierte Literatur bilden Konstanten in ihrem bildnerischen Schaffen in Form von skripturaler Abstraktion und massiven Textüberlagerungen in ihren Gemälden bis hin zum Verlust der Zeichenhaftigkeit.

In den letzten Jahren übergab Eva Choung-Fux ihr Hauptwerk der Kulturabteilung der Stadt Wien – MUSA. Die Ausstellung „Eva Choung-Fux. Nach dem Ende der Welt. Eine Retrospektive“ im Museu Modernista Can Prunera in Sóller, Mallorca

23.10.2015 – 21.2.2016

bildete den Auftakt einer Ausstellungstournee durch mehrere europäische Städte. Ab dem 5. April 2016 ist die Retrospektive im MUSA zu sehen.

Zur Ausstellung erscheint im Verlag De Gruyter ein erster umfassender Überblick zum Oeuvre der Künstlerin.


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MUSA Museum Startgalerie Artothek
Eva Choung-Fux
Samstag, 9. April 2016 | 14 Uhr
Die Künstlerin Eva Choung-Fux
führt durch die Ausstellung
Ausstellung: 5.4.2016 – 11.6.2016
Felderstraße 6-8, 1010 Wien
(neben dem Rathaus)
MUSA Museum Startgalerie Artothek
Eva Choung-Fux
Dienstag, 12. April 2016 | 16 Uhr
Eva Choung-Fux und Berthold Ecker
führen durch die Ausstellung
Ausstellung: 5.4.2016 – 11.6.2016
Felderstraße 6-8, 1010 Wien
(neben dem Rathaus)


MUSA Museum Startgalerie Artothek
Eva Choung-Fux
Druchgrafik-Workshop für Kinder
Samstag, 16. April, 12.30 | | 6-10 Jahre
Der Workshop findet gemeinsam mit der Künstlerin Eva Choung-Fux statt.
Ausstellung: 5.4.2016 – 11.6.2016
Felderstraße 6-8, 1010 Wien
(neben dem Rathaus)


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in Wien, Österreich geboren | 1962 Magister Artium in Druckgrafik (Franz Herberth) und Malerei (Eduard Bäumer) | 1958–1960 1962–1968 Familie, zwei Kinder, Leben und Kunst in Japan und Südkorea | 1968–1993 Assistentin (1968–1975), Professorin (1975–1993) für Druckgrafik und Fotografie, Akademie für angewandte Kunst Wien | 1970–1998 Gastprofessorin an Universitäten in Asien, Europa und den USA | 1972–2000 Atelier Drorygasse, Wien, Österreich | 1997 Atelier Can Noyo, Campos, Mallorca, Spanien | 200 Atelier Ses Tanques, Campos, Mallorca, Spanien






Magical Surfaces:

Parasol unit foundation for contemporary art
Magical Surfaces:
The Uncanny in Contemporary Photography
Opening: 12 April 2016
Sonja Braas, David Claerbout, Elger Esser,
Julie Monaco, Jörg Sasse, Stephen Shore
and Joel Sternfeld.
curated by Ziba Ardalan, Founder/Director of Parasol unit
13 April – 12 June 2016
14 Wharf Road / London / N1 7RW

Parasol unit foundation for contemporary art is delighted to present Magical Surfaces:

The Uncanny in Contemporary Photography, an exhibition that explores the uncanny as exemplified in the works of seven artists from two generations, all of whose work includes in different forms the use of photography as a medium.
They are: Sonja Braas, David Claerbout, Elger Esser, Julie Monaco, Jörg Sasse, Stephen Shore and Joel Sternfeld.

Press Text:

Parasol unit foundation for contemporary art is delighted to present Magical Surfaces: The Uncanny in Contemporary Photography, an exhibition that explores the uncanny as exemplified in the works of seven artists from two generations, all of whose work includes in different forms the use of photography as a medium. They are: Sonja Braas, David Claerbout, Elger Esser, Julie Monaco, Jörg Sasse, Stephen Shore and Joel Sternfeld.
As early as 1835, the German philosopher Friedrich Schelling wrote of das Unheimliche, the uncanny, as ‘everything that ought to have remained hidden and secret and has become visible’. Years later, Sigmund Freud elaborated on what Schelling and others had thought about this ‘peculiar quality’, but he also ‘felt impelled’ to investigate it in relation to aesthetics. In his influential essay ‘The “Uncanny”‘, 1919, Freud saw there was a common thread to everything that arouses our sense of the uncanny: it ‘is that class of terrifying which leads back to something long known to us, once very familiar’. Although individual responses are complex and subjective, what we experience as uncanny is that which gives us a feeling of unease when something seems both familiar and unfamiliar, when some quality effaces the distinction between the imagined and the real.

The Magical Surfaces title of this exhibition derives from the thoughts of Vilém Flusser who, in his Towards a Philosophy of Photography, 1983, wrote of images as ‘significant surfaces’ and of ‘the magical nature of images’. We are always intrigued when an apparently straightforward image suddenly takes on an ambiguous, uncanny, quality as our mind grasps, as Ernst Jentsch wrote in 1906, its ‘intellectual uncertainty’.

The mastery each of the exhibiting artists has over their own process of manipulating the photographic image invites us to marvel at the many ways the uncanny can occur in a work of art. Essentially exploring time in his work, David Claerbout does indeed appear to do magic by bringing a pre-stardom Elvis Presley intimately back to life in three-dimensions by digitally reconstructing him from a 1950s black-and-white photograph. Julie Monaco’s often hyper-real and dramatically turbulent scenes appear at first to be images of nature, but in fact are created entirely on her computer using fractal algorithmic software. An absence of presence is discernible in the apparently realistic images created by Jörg Sasse, one of the first artists to use computer technology as his brush and canvas. Both he and Elger Esser studied at the Kunstakademie Düsseldorf under Prof. Bernd Becher, who together with his wife Hilla is renowned for their remarkable photographs of industrial buildings. Esser, too, deals with time and memory in his serenely lit and composed land- and seascapes that seem at once to be both familiar and unfamiliar.

Sonja Braas works entirely in analogue, sometimes from ready-made sources, often by artificially creating landscapes or by building models which she then photographs, rather than directly photographing actual nature. Among other things, her work questions what is real and what is unreal in any image. In the 1970s, both Stephen Shore and Joel Sternfeld travelled independently across the USA, taking what are evocatively revealing photographs of the time and place. Using Kodachrome film and 35-mm cameras, they managed to capture an atmosphere that is almost palpably uncanny. Their work continues to inspire subsequent generations of artists to continue innovating with photography. As Sternfeld says: ‘Photography has always been capable of manipulation. […] any time you put a frame to the world, it’s an intervention […] photographs have always been authored.’

This exhibition is curated by Ziba Ardalan, Founder/Director of Parasol unit. It is accompanied by a comprehensive publication which includes essays by Ziba Ardalan, David Claerbout, and Marta Dahó who is an independent curator and teacher of History of Photography, based in Barcelona.

Artist Biographies
Sonja Braas, born 1968 in Siegen, Germany, now lives and works in New York, USA. She studied Visual Communication, Photography and Film Design at Fachhochschule (University of Applied Arts and Sciences) in Dortmund and the School of
Visual Arts in New York, where she has lived since 1997. Braas has works in the collections of, among others, the Albright- Knox Gallery, Buffalo, NY, and Philadelphia Museum of Art, PA, USA; The Fotomuseum Winterthur, Switzerland; and in the DZ
Bank Art Collection, Germany.

David Claerbout, born 1969 in Kortrijk, Belgium, now lives and works in both Antwerp, Belgium, and Berlin, Germany. From 1992–1995, he studied at the Nationaal Hoger Instituut voor Schone Kunsten, Antwerp. During 2002–03, he participated in the
DAAD: Berlin Artists-in-Residence program. Claerbout has work in major public collections worldwide, including among others: Centre Georges Pompidou, Musée National d’Art Moderne, Paris, France; Pinakothek der Moderne, Munich, Germany; Art
Gallery of Ontario, Toronto, Canada; The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA; Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA.

Elger Esser, born 1967 in Stuttgart, Germany, spent his childhood in Rome. He now lives and works in Düsseldorf. From 1991–1997, he studied in Germany at the Kunstakademie Düsseldorf (Academy of Art) under renowned photographer Bernd Becher. His land- and seascapes have been shown in many international venues, including the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA; the Stedelijk Museum Amsterdam, Netherlands; Kunsthaus Zürich, Switzerland; Centre Pompidou Paris, France; Lenbachhaus Munich, Germany; and Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Germany. In 2016 he was awarded the

Julie Monaco was born 1973 in Vienna, Austria, where she now lives and works. She attended the Academy of Fine Arts, Vienna, during the 1990s before moving to Los Angeles, CA, USA, to study 3-D animation at Raleigh Studios. Her recent solo
exhibitions include Focused Daily, Hyperrealistic Landscapes, at DAM Gallery, Berlin, and Klaus Engelhorn 20, Vienna; and Chemical Plates which travelled from Factory der Kunsthalle Krems to Galerie Traklhaus Salzburg, Austria, and finally to
Galerie Ernst Hilger, Vienna, Austria.


Jörg Sasse was born 1962 in Bad Salzuflen, Germany. From 1982–1988, he studied photography under renowned photographer Bernd Becher at the Kunstakademie Düsseldorf (Academy of Art). In 2007, a major retrospective of his work
was shown at the Museum Kunst Palast in Düsseldorf, Germany. His group shows include Markthalle für Moderne Kunst in Stuttgart, Germany; Het Nederlands Fotomuseum in Sittard, Netherlands; ICA|Institute of Contemporary Arts, London; Biennale
d’Art Contemporain de Lyon; Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA; Guggenheim Museum, Bilbao, Spain; and Centre Georges Pompidou in Paris.


Alexander Calder & Fischli/Weiss


Fondation Beyeler
Alexander Calder & Fischli/Weiss
29. Mai – 4. September 2016
kuratiert Theodora Vischer
Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen

Peter Fischli David Weiss Die Gesetzlosen, 1984
C-Print, 40 x 30 cm © Peter Fischli David Weiss
Foto: Jason Klimatsas / Fischli Weiss Archiv, Zürich
Druckbare Bildgrösse ca.: 45 x 30 cm

Die Fondation Beyeler präsentiert vom 29. Mai bis 4. September 2016 eine umfassende Ausstellung zum amerikanischen Künstler Alexander Calder und den Schweizer Künstlern Peter Fischli und David Weiss, die als Partner unter dem Namen Fischli/Weiss agierten. Nach der erfolgreichen Präsentation der „Calder Gallery I-III“ (2012-2015) in der Fondation Beyeler und der Zusammenarbeit mit der Calder Foundation eröffnet die Ausstellung „Alexander Calder & Fischli/Weiss“ einen neuen und besonderen Zugang zu Calders Schaffen.

Im Zentrum der bahnbrechenden Ausstellung steht das Moment des fragilen Gleichgewichts, eines prekären und gleichzeitig glücksverheissenden, immer nur temporären Zustands. In exemplarischer Weise hatten Alexander Calder (seit Anfang des 20. Jahrhunderts) und Peter Fischli und David Weiss (seit Ende) Formulierungen dieses Moments gefunden. Diese könnten auf den ersten Blick unterschiedlicher nicht sein, erweisen sich aber bei genauerer Betrachtung doch nur als zwei Seiten einer Münze, als Ergebnis unterschiedlicher Perspektiven, die in verschiedenen Zeiten auf das gleiche Thema gerichtet wurden.



Ausgewählte Werkgruppen Calders gehen in der Ausstellung einen offenen und raumübergreifenden Dialog mit einzelnen Werken von Peter Fischli und David Weiss ein. Die Schwerpunkte, entlang denen sich die Präsentation entfaltet, folgen entscheidenden historischen Momenten in Calders Schaffen. Sie erstrecken sich von Cirque Calder aus den 1920er Jahren über den Schritt zur Abstraktion und die Erfindung des Mobile Anfang der 1930er Jahre, bis hin zum souveränen und fulminanten Spiel mit den formalen Möglichkeiten, die sich daraus ergeben haben. Als Kontrapunkte treten die Werke von Peter Fischli und David Weiss auf und verleihen der Ausstellung ihren besonderen Charakter.

In der unerwarteten Verbindung erhalten die Momente des Tüftelns, des Beobachtens und Experimentierens ein eigenständiges Gewicht, die Wechselbeziehung von Schwerkraft und Schwerelosigkeit wird dadurch als ungemein lebendiger Prozess in einer neuen Perspektive erfahrbar. Leichtigkeit und Schwere, das Ausloten der Grenzen des Spiels, Scheitern und Zufall als künstlerische Praxis, das Pendeln entlang der feinen Linie zwischen Humor und Poesie, der Seiltänzer als Prototyp für eine existentielle Realität – es gibt viele Berührungspunkte, die die Werke von Alexander Calder und Fischli/Weiss gemeinsam und dennoch eigenständig wirken lassen. Nur einmal wird es in den Räumen des Museums zu einer direkten Begegnung der Arbeiten von Fischli/Weiss und Calder kommen, welche die Ausstellung und ihre Erzählung öffnen wird.

Calder (1898-1976) ist der Meister des fragilen Gleichgewichts in der Kunst der Moderne. Mit der wegweisenden Schöpfung des Mobiles hat er die sich stetig verschiebende Balance zwischen Schwerkraft und Schwerelosigkeit anschaulich werden lassen. Sein gesamtes Werk ist der Suche nach Balance gewidmet. Die Faszination seines Werkes liegt in der Gleichzeitigkeit von jedes Mal neu angestrebter und meist erreichter faktischer Balance und ihrer in vielfältigen Formen realisierten Visualisierung.

Peter Fischli (geb. 1952) und David Weiss (1946-2012) haben dem Thema der prekären Balance in ihrem gemeinsamen Schaffen ab 1979 eine ikonische Form ganz anderer Art gegeben. Mit der gleichen lustvollen Unermüdlichkeit entwickelten sie – in Filmen und Skulpturen, mit Sprache, Fotografie und Malerei – ein unwiderstehliches Wechselspiel von Balance, Klarheit und Übersicht, in dem allerdings Unwägbarkeiten und Stolpersteine gegenüber der Eleganz und dem Selbstverständnis der grossen Geste der Moderne – wie sie das Mobile verkörpert – oft die Oberhand gewinnen.

Die Ausstellung ist von Theodora Vischer kuratiert, Senior Curator an der Fondation Beyeler, und entsteht in enger Zusammenarbeit mit der Calder Foundation in New York und dem Künstler Peter Fischli.


Alexander Calder, Apple Monster, 1938, Calder Foundation, New York, Schenkung von Alexander S.C. Rower in Gedenken an Mary Calder Rower, 2015, © 2016 Calder Foundation, New York / ProLitteris, Zurich; Foto: Calder Foundation, New York / Art Resource, New York

Peter Fischli David Weiss, Die Gesetzlosen, 1984, © Peter Fischli David Weiss; Foto: Jason Klimatsas / Fischli Weiss Archiv, Zürich

Die Ausstellung »Alexander Calder & Fischli/Weiss« wurde grosszügig unterstützt durch:

Hansjörg Wyss, Wyss Foundation
Art Mentor Foundation Lucerne
Ernst Göhner Stiftung
Simone und Peter Forcart-Staehelin

D_Pressedossier CFW

 Veranstaltungen zur Ausstellung

„Alexander Calder & Fischli/Weiss“
29. Mai – 4. September 2016

Mittwoch, 22. Juni 2016, 18.30 Uhr
Simone Lappert, Autorin („Wurfschatten“, 2014), widmet sich den erzählerischen Elementen
in den Werken von Calder und Fischli/Weiss und stellt ihnen Lyrik- und Prosapassagen
• Mittwoch, 6. Juli 2016, 18.30 Uhr
Prof. Dr. Christina Thurner, Professorin für Tanzwissenschaft an der Universität Bern,
beleuchtet Aspekte von Bewegung und Choreografie im Hinblick auf die Werke von Calder und
• Mittwoch, 17. August 2016, 18.30 Uhr
Markus Ritter, erster grüner Grossratspräsident in Basel und Ökologe der Life Science AG,
widmet sich dem „Garten“ von Fischli/Weiss.
• Mittwoch, 31. August 2016, 18.30 Uhr
Dr. Martin Bammerlin, Physiker und jetzt Product Director bei DePuy Synthes J & J, bespricht
die physikalischen Gesetze hinter den statischen und dynamischen Werken.
CHF 7.- zuzüglich zum Museumseintritt
Limitierte Platzzahl. Ticketvorverkauf online.

Martin Zimmermann – „Der Besucher“
Freitag, 1. Juli 2016, 18.30 Uhr
Samstag, 2. Juli 2016, 16.00 Uhr
Sonntag, 3. Juli 2016, 16.00 Uhr
Als merkwürdiger Besucher erkundet der Clown, Regisseur und Performancekünstler Martin
Zimmermann die Ausstellung „Alexander Calder & Fischli/Weiss“ auf die ihm ganz eigene Weise. Er
lässt live vor Ihren Augen einen Stummfilm und eine Performance entstehen, welche der Pianist Colin
Vallon live vertont. In Zusammenarbeit mit dem Kulturbüro Riehen.
Preis: CHF 35.-, Art Club / Freunde: CHF 10.-, Museumseintritt im Preis inbegriffen.
Talk mit Peter Fischli & Alexander S. C. Rower
Samstag, 20. August 2016, 17.00 Uhr
Anlässlich der Ausstellung in der Fondation Beyeler unterhält sich die Kuratorin Theodora Vischer mit
dem Künstler Peter Fischli und Alexander S. C. Rower, Präsident der Calder Foundation.
Das Gespräch findet in englischer Sprache statt.
Veranstaltung im Museumseintritt inbegriffen.

Kunst am Mittag
Jeweils Mittwoch, 12.30-13.00 Uhr
1. Juni 2016 Alexander Calder – Small Sphere and Heavy Shere (1932)
22. Juni 2016 Peter Fischli/David Weiss – Equilibres (1984)
6. Juli 2016 Programm noch offen 

20. Juli 2016 Programm noch offen
3. August 2016 Programm noch offen
17. August 2016 Programm noch offen
31. August 2016 Programm noch offen
Preis: Eintritt + CHF 7.-
Jeweils Montag, 14.00-15.00 Uhr
6. Juni 2016 Calder & Fischli/Weiss – Bewegung und fragiles Gleichgewicht
27. Juni 2016 Calder & Fischli/Weiss – Werke und ihre szenische Präsentation („Vorführung“)
11. Juli 2016 Programm noch offen
25. Juli 2016 Programm noch offen
8. August 2016 Programm noch offen
22. August 2016 Programm noch offen
Preis: Eintritt + CHF 7.-


Österreichisches Museum für Volkskunde
Eröffnung: 26.4.2016 | 18:30 Uhr
Niko Wahl, Philipp Rohrbach, Tal Adler
Ausstellung: 27. April – 21. August 2016
Laudongasse 15-19, 1080 Wien
Die Sonderausstellung, die das Volkskundemuseum Wien von 27. April bis 21. August 2016 zeigt, beschäftigt sich mit der vergessenen Geschichte der ersten Generation Schwarzer ÖsterreicherInnen in der Zweiten Republik. Das sind jene Menschen, die in den Jahren 1946-1956 als Kinder von afroamerikanischen GIs und österreichischen Müttern geboren wurden. Die Ausstellung basiert auf einem mehrjährigen Forschungs- und Interviewprojekt. Die Kinder von damals erzählen ihre Geschichte über weite Strecken selbst. Sie stellen auch zahlreiche bisher noch nie gezeigte Objekte für die Schau zur Verfügung.
Freddie mit seiner Mutter und ihrem Lebensgefährten, Paris,
ca. 1953 Foto: Sammlung Lost in Administration

Eine Wiener Bezirkspolitikerin, ein Lastwagenfahrer
aus Idaho, eine Friseurin aus Salzburg und eine Autorin aus Texas – sie alle sind Teil jener vergessenen Generation, die in den Jahren 1946 bis 1956 als Kinder von Österreicherinnen und afroamerikanischen GIs geboren wurden.

Viele dieser Kinder wurden von ihren Müttern getrennt, in Heimen untergebracht oder zur Pflege und Adoption freigegeben. In Österreich wurde den Betroffenen die Eingliederung in die Gesellschaft ebenso erschwert wie die schulische Ausbildung.

In den 1950er- und 1960er-Jahren wurde ein Teil von ihnen zur Adoption in die USA gebracht. Auch dort waren sie aufgrund von Sprachproblemen, ihres häufig ungeklärten legalen Status und der mangelnden Eignung der Adoptiveltern in einer schwierigen Situation.



Peter, Salzburg, ca. 1972
Foto: Sammlung Lost in Administration

Eine Video-Installation von Tal Adler strukturiert die Ausstellung, schützt dort, wo es notwendig ist, die Anonymität der ZeitzeugInnen und verknüpft die Geschichte der ersten Schwarzen Generation der Nachkriegszeit in Österreich mit jener der gegenwärtigen Schwarzen Bevölkerung des Landes.

Zur Ausstellung erscheint ein umfassender Katalog:
SchwarzÖsterreich. Die Kinder afroamerikanischer Besatzungssoldaten, Löcker Verlag, Wien 2016, ca. 200 Seiten.

Ein vielfältiges Rahmenprogramm sowie erstmals auch ein Treffen der betroffenen Personen aus Amerika und Österreich werden während der Ausstellungsdauer in Wien stattfinden.

Unter dem Ehrenschutz von Bundespräsident Heinz Fischer.


Christine, Wien, ca. 1954
Foto: Sammlung Lost in Administration

Niko Wahl, geb.1974 in Wien, studierte Geschichte an der Universität Wien. Er arbeitet als freier Kurator und Künstler und ist Partner im Kulturbüro Kollwitz/Montefiore/Wahl.

Philipp Rohrbach, geb. 1979 in Wien, studierte Geschichte und Zeitgeschichte an der Universität Wien. Er ist wissenschaftlicher Mitarbeiter am Wiener Wiesenthal Institut für Holocaust-Studien (VWI) und arbeitet darüber hinausgehend als freier Historiker.

Tal Adler, geb. 1969 in Jerusalem, studierte Kunst an der Bezalel Universität Jerusalem und an der Akademie der Bildenden Künste Wien. Er lebt als Künstler in Österreich und beschäftigt sich mit kunstbasierten Forschungsprojekten.






FRAGMENTS Filmfestival

fragments Filmfestival for Human Rights Graz
45 Filme aus 25 verschiedenen Ländern, Gäste aus
Tunesien, Syrien, Indien, Schweden, Griechenland,
der Türkei, Deutschland und Österreich – noch knapp vier Wochen, dann ist es soweit!

Graz ist seit 2001 erste europäische Stadt der Menschenrechte – das Filmfestival FRAGMENTS soll 2016 im Jubiläumsjahr der Stadt dieses Anliegen auf filmischer Ebene ergänzen, unterstützen und einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich machen. Neben Filmen zu allgemeinen Themen der Menschenrechte wird der Fokus auf dem Thema Flucht & Krise liegen. Nationale und internationale Filmschaffende werden Gäste des Festivals sein, ebenso wie Betroffene und Experten zum Schwerpunktthema.

Fragen der Menschenrechte sind Themen, denen sich ständig mutige Filmemacher und Filmemacherinnen annehmen. Durch ihre Filme zeigen sie auf, wo politische Instanzen versagen, wo gesellschaftliche Veränderungen dringend notwendig sind – wo Menschenrechte nicht eingehalten oder gebrochen werden – oder gar nicht erst existieren – aber auch wo Menschenrechte durch das Engagement einzelner oder von Organisationen durchgesetzt werden konnten.

Die Filmkunst ist ein hervorragendes und bewährtes Medium, um auch komplexe Themen zu transportieren. Ziel ist es mit FRAGMENTS und den hier gezeigten Filmen ein Bewusstsein für Menschenrechte zu schaffen und zu schärfen.

Auf der inhaltlichen Ebene zentraler Kooperationspartner ist das ETC European Training Center for Human Rights Graz, das ein Rahmenprogramm zum Festival gestalten wird.

Die Idee und Konzeption des Festivals gehen auf Franz Grabner und Sarah Julia Stroß zurück.


Graz has been Europe’s first “City of Human Rights” since 2001. The film festival FRAGMENTS wants to contribute to and support this cause through the medium film and make this issue accessible to a broader audience. Besides films on general Human Rights topics, the focus will be on the issue of Flight & Crisis. National and international filmmakers as well as victims and experts on the focus topic will be guests of the festival.

Concerns of Human Rights are being covered by a number of brave filmmakers. Through their films, they shine light on issues where politics and policy failed, where societal change is desperately needed, where Human Rights are not being respected or violated – or where they do not even exist – but also where Human Rights have been enforced by dedicated individuals and organizations.

The art of film is an excellent and proven medium to transport even complex topics. It is the goal of FRAGMENTS and the presented films to create and sharpen the consciousness for Human Rights.

On the content level, the ETC European Training Center for Human Rights Graz is a main partner and will create a framework program for the festival.

The idea and conceptual design of the festivals trace back to Franz Grabner and Sarah Julia Stroß.

Graz has been Europe’s first “City of Human Rights” since 2001. The film festival FRAGMENTS wants to contribute to and support this cause through the medium film and make this issue accessible to a broader audience. Besides films on general Human Rights topics, the focus will be on the issue of Flight & Crisis. National and international filmmakers as well as victims and experts on the focus topic will be guests of the festival.

Concerns of Human Rights are being covered by a number of brave filmmakers. Through their films, they shine light on issues where politics and policy failed, where societal change is desperately needed, where Human Rights are not being respected or violated – or where they do not even exist – but also where Human Rights have been enforced by dedicated individuals and organizations.

The art of film is an excellent and proven medium to transport even complex topics. It is the goal of FRAGMENTS and the presented films to create and sharpen the consciousness for Human Rights.

On the content level, the ETC European Training Center for Human Rights Graz is a main partner and will create a framework program for the festival.

The idea and conceptual design of the festivals trace back to Franz Grabner and Sarah Julia Stroß.


Zeitgenössische Zeichnung
MARCH 30th – APRIL 3rd 2016
VIP press preview
Tuesday, March 29th, 2016 | 7pm – 10pm
Wednesday, March 30th, 2016
10am – 6pm, Trade preview,
1pm – 6pm
6pm – 9pm, Opening night
Thursday, March 31st – Sunday, April 3rd, 2016
11am – 8pm
Das Carreau du Temple
4 rue Eugène Spuller, 75003 Paris





The tenth edition of DRAWING NOW PARIS | LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN will be held, from Wednesday, March 30th to Sunday, April 3rd, 2016, at the Carreau du Temple, in the heart of Paris. The event will feature 74 international galleries selected by an independent committee of leading figures within the art world.

Both the upper and lower levels of the Carreau du Temple venue, will provide visitors with a full introduction to the diversity of 50 years of contemporary drawing.

This 10th edition will represent the construction of a cultural bridge between France and Germany. It will emphasize a focus on German traditions in the graphic arts and the particular vigor of its institutions, with a pointed interest in current drawings and prints cabinets of prominent German cities.

Over the course of five days, collectors, professionals, and art enthusiasts alike are invited to experience the contemporary art scene through drawings by over 400 artists.

The International Symposium of Contemporary Drawing supported by the Culture and Communication Minister.
The auditorium of the Carreau du Temple will welcome 2 days of international conferences around contemporary drawing.
These conferences will be the place to listen to researchers workers, curators, collectors, artists, and schools art directors…



31st MARCH – 3rd APRIL 2016
Trade Opening,
Wednesday 30th March | 2pm – 6pm
Vernissage, Wednesday 30th March | 6pm – 10pm
Opening hours
Thursday 31st March 11.30am – 8pm
Friday 1st April 11.30am – 9pm
Saturday 2nd April 11.30am – 8pm
Sunday 3rd April 11.30am – 7pm
Grand Palais
1 Avenue Géneral Eisenhower, 75008 Paris

Art Paris Art Fair is the leading fair for modern and contemporary art held in the spring in Paris which this year brings together 143 galleries from 22 countries.
The fair remains true to its concept of “cosmopolitan regionalism” introduced four years ago. In 2016, the fair continues to concentrate on parts of Europe and the singular art scenes of cities like Marseille, Milan and Zurich while also looking further afield to places like Azerbaijan, Colombia, and Iran, and of course Korea, this year’s guest of honour.



Every night from 30th March to 3rd April 2016, from 7pm to midnight, the façade of the Grand Palais undergoes a series of spectacular transformations with monumental projections of unseen work by six artists from Azerbaijan, Korea, Switzerland and France.

Col.l.age + (Sho Jang & Min Kim), Hypnagogia, 2016, 15mn. Music: Jiin Ko. Paik Hae Young Gallery (Seoul)

ENCOR Studio (Mirko Eremita, David Houncheringer & Valerio Spoletini), Duel, février 2016, 7mn.
Galerie Madé (Paris)

Hypnotica (Javid Guliyev, Agarahim Ibrahimov, Aygun Hasanova, Farhad Farzaliyev), The Breath, 2016, 5mn.
Yay Gallery (Bakou)

Kim Joon, Snake, 2015, 5mn en boucle, animation 3D.
Park Ryu Sook Gallery (Seoul)

Moon-Pil Shim, Contemplations, 2016, 10mn.
Music: Young-Dong Kim. Galerie Lahumière (Paris) et Gallery Shilla (Daegu)

Antoine Schmitt, Façade Life, 2016, 10mn.
Galerie Charlot (Paris)

This installation has been made possible thanks to:



Friday 1rst April, 6pm-7:30pm “Contemporary Korean art: exploring the past and shed light on the present”
Korean Cultural Centre, 2 avenue d’Iéna, 75116 Paris
Free access

Round table moderated by Art Paris Art Fair Korea Guest of Honour curator Sang-A Chun with Olivier Delavallade, Director of the domaine de Kerguéhennec, KIM Sung Won, Professor in the Visual Arts department of Seoul National University of Science & Technology, Lee Ji-Ho, Director of the Ungno Lee Museum of Art (Daejeon) and Bernard Marcadé, Art Critic.


Entitled “Rituals” and specifically designed for Art Paris Art Fair 2016, this programme of performances seeks to explore the relationship in Korea between artistic creation and the notion of the ritual.



YEESOOKYUNG, When I Become You, courtesy Junghwa LEE, 2016

YEESOOKYUNG (Seoul, 1963) – When I Become You Performer: Junghwa LEE / Music: Young Gyu JANG / Costume: Young Seok KIM
Yeesookyung explores the concept of symmetry through a variety of experimental practices that are inspired by Buddhist thought. She paints simultaneously with both hands or uses hypnosis to conduct a spiritual regression session. Her reading of the world is circular, not linear. She speaks of the relationship between the self and others, between perfection and imperfection, the conscious and the unconscious, the real and the virtual. How these opposites relate to each other becomes blurred and diffuse.
Thursday 31st March from 7.15pm to 7.30pm and
Saturday 2nd April from 3pm to 3.15pm
Booth F8

YOUNG IN HONG (Seoul, 1972) – Let Us Dance
Coordinator: Inès Hwahaeng Lee
Young In Hong’s inspiration comes from the demonstrations that took place in Seoul in 2008. Teenagers took part in these in large numbers which torpedoed the accepted traditional image of a passive youth. The artist re-contextualizes the event using a flash mob. Her aim is to reveal the unexpected and the creative energy through this device which, far from obscuring social fractures, sheds greater light upon them and in the process, raises questions about the status of the artist and of the work itself.
Thursday 31st March, Friday 1st April and Saturday 2nd April from 5pm to 5.20pm
Main Alley of the fair


Metro : Lines 1, 9, 13 / Stations: Franklin D. Roosevelt, Champs-Elysées-Clémenceau
RER : Line C / Station: Invalides
BUS : Lines 28, 42, 52, 72, 73, 80, 83, 93
Special disabled access on Avenue Winston Churchill
VELIB (bike-sharing stations) : 1, avenue Franklin D. Roosevelt (near the Palais de la Découverte)
Avenue Dutuit (near the Petit Palais)


30th MARCH – 2nd APRIL 2017
Grand Palais, Avenue Winston Churchill, 75008 Paris



Eröffnung: Montag, 4. April 2016 | 19 Uhr
Einführende Worte: Petra Noll
Michael Michlmayr, Sissa Micheli, Madis Luik,
Anna Mitterer, Bärbel Praun, Linda Reif, Benedek Regős
BILDER Nr. 290
05.04.2016 – 30.04.2016
Währinger Strasse 59/WUK, 1090 Wien



Die Auseinandersetzung mit der Vergangenheit, ihren Bildern, Zeugnissen, Architekturen und Zeitzeugen stimuliert „Nachbilder“ im Kopf. Bedingt durch den zeitlichen Abstand wird ein anderer Blick auf das Zurückliegende sowie auf die eigene Identität und Herkunft ermöglicht. In dieser Ausstellung geht es in erster Linie um die künstlerische Verbildlichung von Erinnerungen, die mit subjektiv erlebten Orten verknüpft sind, oder mit Plätzen, die durch kollektive Emotionen aufgeladen sind. Recherchen in der Heimat, Kamerafahrten durch verlassene Räume, Archivbilder persönlicher Erlebnisse, Stätten und Personen und/oder angeeignete Fotos geschichtsträchtiger Orte werden im Zuge einer medialen Neuaufarbeitung in den Kontext gegenwärtiger Bilder, Aussagen und Repräsentationsformen wie u.a. Ton/Musik, Bewegung oder Transformation gestellt. Neben der persönlichen Aufarbeitung bzw. Darstellung innerer Vorgänge bewegt die KünstlerInnen die Frage, wie Erinnerung die Wahrnehmung von Wirklichkeit verändert. Es geht ebenso um Zeit, die sich in der Erinnerung als Verbindung von Gegenwart und Vergangenheit artikuliert, sowie um den Stellenwert und den Informationswert fotografischer und filmischer Bilder im Erinnerungsprozess.



Madis Luik “Ohne Titel”, 2013–2014 14 Aluminium-Prints,
je 27 x 40,5 cm

Madis Luiks installative, multimediale Erinnerungsarbeit Linn: Viljandi / Stadt: Viljandi (2014) über die Stadt seiner Kindheit, das estische Viljandi, verbindet drei formale Ebenen: Fotografien von Straßenszenen und Architekturen, die Zeugnis ablegen über den geschichtlich-politischen Wandel, Texte über seine persönlichen Gedanken über die Stadt sowie das Dokumentarvideo Elmo, in dem er sich mit dem dort allseits bekannten, aus dem Ort stammenden Journalisten Elmo Riig unterhält, der 18 Jahre für die lokale Zeitung „Sakala“ gearbeitet und die wichtigsten lokalen Ereignisse fotografisch dokumentiert hat. Während verschiedener Autofahrten an einem Arbeitstag von Elmo sprechen sie vor allem über seine Arbeit und über das Medium Fotografie. Die dreiteilige Arbeit, deren formales Konstrukt sich auf das Zusammenwirken von Texten, Fotos und Videos in Zeitungs- und Online-Artikeln bezieht, ist während eines 90-tägigen Aufenthalts des Künstlers in Viljandi entstanden. Alle Teile beschäftigen sich mit Fragen über Architektur, Geschichte und Zukunft der von großer Auswanderung geprägten Stadt. Obwohl alle Teile repräsentative Darstellungen des Ortes sind, wird dennoch erst mit deren Zusammenschluss eine nachvollziehbare narrative Ebene erreicht.



Sissa Micheli Still aus: “Rue de la Tour – The History of a House in 8 Chapters”, 2009/2016 HD Video, 16:9, Farbe, Ton, 11:36 min
Sissa Micheli zeigt das Video Rue de la Tour – The History of a House in 8 Chapters (2009/2016). Basierend auf der Dokumentation der Pariser Villa, in der sie aufgewachsen ist, beschreibt eine junge Frau ihre Familie. Celia erzählt von ihrer Kindheit, ihren vier Geschwistern, dem Scheitern der Ehe ihrer Eltern und vom Leben ohne den Vater, der das Haus nur noch bis zur Türschwelle betreten hat. Das von Sissa Micheli gewählte Mittel einer langsamen Kamerafahrt durch die Räume lässt den psychischen Prozess des Erinnerns sichtbar werden: Das stille, wie unterbewusst stattfindende Fließen der Bilder wird durch Celias Stimme konkretisiert und zu einem greifbaren Strom an Erlebnissen. Bilder und Stimme fügen sich zu einem Labyrinth an Erinnerungen. Das Video ist das dritte einer Trilogie über Wohnräume, die kurz vor der Auflösung stehen. Sissa Micheli untersucht in dieser Serie auf sehr poetische und emotionale Weise, wie Wohnungen die Erinnerungen an Menschen und ihre Geschichten wecken und bewahren können. Ausgehend von Celias Geschichte spricht sie allgemeine existentielle Themen und Gefühle wie Liebe, Geborgenheit und Verlust an.
Michael Michlmayr Screenshot aus: “Revisiting Past”, 2015/2016
DV, 1080p, B/W, Ton, 2:49 min

In dem Video Revisting past (2015/2016) beschäftigt sich Michael Michlmayr mit dem fotografischen Bild als Stimulator subjektiver Erinnerung. Er hat Negativstreifen aus seinem SW-Bildarchiv von 1981–2000 ausgewählt, kurz in die Hände genommen, umgekehrt, betrachtet, diesen Akt abfotografiert und zu einem Film zusammengefügt. Durch den Film entstand eine Bild-im-Bild-Situation, die den Akt des Betrachtens thematisiert. Im Hintergrund klickt regelmäßig der Auslöser einer Kamera und suggeriert Authentizität. Schon kurze bildliche Reize erinnern den Künstler an die eigene Geschichte, Bezugspersonen, Orte und Erlebnisse, an die zurückliegende künstlerische Arbeit sowie gesellschaftliche bzw. politische Ereignisse. Für die BetrachterInnen bleibt es eine assoziative Bilderreise, da durch die filmische Neukontextualisierung, den rasanten Durchlauf, die Überblendung und Drehung der Streifen sowie den fehlenden inhaltlichen Bezug die eindeutige Sichtbarkeit verhindert wird. Es geht um die Auseinandersetzung mit Sehen/Nichtsehen, Wahrnehmungsstrukturen und den Informationsgehalt fotografischer Bilder.




Anna Mitterer Still aus: “SONATE (HOMMAGE À VINTEUIL)”, 2008
16 mm/DVD, 6:7 min

Anna Mitterers Film Sonate (Hommage à Vinteuil) von 2008 zeigt eine Kamerafahrt durch einen Raum, der sich ständig verändert und damit immer wieder neue Bezüge zur Realität herausfordert. Die Bildsprache entstand aus einer Musik heraus: Mitterer bat den Wiener Komponisten Alexander Wagendristel um eine Neukomposition der ­nur als Beschreibung von Marcel Proust in „Eine Liebe von Swann“ existierenden Violinsonate des ebenso fiktiven Komponisten Vinteuil. Bei Proust inspiriert das Hören der Musik von Vinteuil den Protagonisten Charles Swann nicht nur dazu, sich an seine verflossene, unglückliche Liebe zu Odette zu erinnern, sondern es führt ihn auch zum Bewusstsein einer unsichtbaren Realität. Sonate stellt den winzigen Moment dar, in dem es zu einer Analogie von Vergangenheit und Gegenwart kommt. Der Akt der Erinnerung wird reflektiert in der Bewegung der Kamera durch den sich wandelnden Raum. Es geht vor allem um das Beschreiben eines mentalen Prozesses, dem Moment der intuitiven Erinnerung, aber auch darum, wie der innere Vorgang der Rezeption eines Kunstwerkes mit den Mitteln von Bild und Ton reflektiert werden kann.



Bärbel Praun aus: “this must be the place”, 2015
Pigment-Prints, verschiedene Größen

Bärbel Praun
zeigt die Arbeit this must be the place (2015), eine persönliche Recherche über Ort, Raum und Wahrnehmung sowie eine Untersuchung des Begriffs „Heimat“. Aus einem Buch mit SW- und Farb-Fotografien präsentiert sie sämtliche Blätter als Wandarbeiten. Meist handelt es sich um Landschaftsmotive, z.B. von den Schweizer Bergen, wo sie eine zeitlang gelebt hat. Die großen Ausschnitte markieren ihre Nähe, ihr Involviertsein in die Naturwelt. Es sind in erster Linie sehr abstrakte, offene Bilder von symbolisch-assoziativem Charakter. Man spürt die Konzentration, die genaue Beobachtung, – auch ihrer eigenen Schneeflocken fangenden Hände – den sehr sensiblen Zugang und die Faszination der Künstlerin an der Schönheit von Oberflächen und Strukturen. Sie, die in den letzten Jahren nie länger als ein paar Monate an ein und demselben Ort gelebt hat, bewegen Fragen nach der Bedeutung von Heimat und Ursprung, die Auseinandersetzung mit Erinnerung und Identität, die Beziehung des Menschen zum Raum.


Linda Reif aus: “Valley Of Hinnom”, 2015 Silbergelatine-Prints,
je 30,5 x 30,5 cm

Linda Reifs Valley Of Hinnom (2015) setzt sich mit einem geschichtsträchtigen Ort auseinander. Ihre Serie von 12 quadratischen SW-Fotos zeigt Naturaufnahmen von Ge-Hinnom, einer tiefen, schmalen Schlucht am Fuß der alten Stadtmauern von Jerusalem – ein Un-Ort im „Niemandsland“. Die Fotografien zeigen mehr oder weniger undeutliche, unscharfe Formen und Strukturen. Diesen Eindruck erreicht Reif durch die Verwendung von abgelaufenen SW-Filmen und einer in China billig produzierten Kamera mit Plastiklinse. Ohne dass man weiß, dass dieser Ort bekannt ist für seine grausame Geschichte – u.a. wurden im Heidentum der Gottheit Moloch Kinder geopfert – fühlt man in diesen Ausschnitten einer verlassenen, totenstillen Landschaft auch aufgrund der SW-Optik etwas Mystisches, Beklemmendes, man fühlt den Tod. Die Landschaft fungiert als Projektionsfläche für Geschichte und ist auch eng verbunden mit neuen grausamen Ereignissen rund um den Nahostkonflikt/-Krieg. Reifs Fotografien zeigen, wieviel eindrücklicher sprachlose Zeugnisse belasteter Orte sein können als jedes Reden darüber.


Benedek Regős Balázs Martsa: André Kertész beim Fotografieren im Hof seines Studios, Budapest, 1984

Benedek Regös versteht seine Fotoarbeit Genius Loci (2012) als einen Versuch, fotografische Arbeitsweisen in Bezug auf Evidenz, Bedeutung, Erinnerung und Topografie aufzuzeigen. Er untersucht das Phänomen, dass Dokumentarfotografie oft durch das Festhalten und damit Hervorheben von „unbeachteten“ Kleinigkeiten zu viele Objekte und Situationen „adelt“. In seiner Arbeit versucht er, darauf Bezug zu nehmen, indem er scheinbar unwichtige, gewöhnliche Orte, deren Bedeutung auf ein anderes, vergangenes Ereignis zurückgeht, fotografiert. Dafür wählt er zunächst Archivaufnahmen aus, die den Aufenthaltsort einer prominenten Person zum Zeitpunkt der Aufnahme zeigen und bei denen der betreffende Ort unverändert geblieben ist – und somit auch dokumentiert werden kann. Es ist also die gleichgebliebene Beschaffenheit des Ortes entscheidend, da er als Materie überlebt hat (wie das Bild) und wir ihn als physische und begehbare Verbindung zwischen der jeweiligen Person und uns sehen können. Orte können mittels der Eingabe von Koordinaten gefunden und so zu “inoffiziellen Denkmälern” persönlicher Erinnerung werden.

Petra Noll, im Namen des Kollektivs

sponsored by: BKA Kunst; MA7-Kultur; Cyberlab, Michael Sprachmann/Fine Art Printing and Framing, Wien; Rahmen Mitter, Wien
Dank an: Schule Friedl Kubelka/Künstlerische Photographie, Wien



Freitag, 01.April 2016 | 19 Uhr
02.04. – 11.06.2016
Maria-Theresien-Straße 34/ Arkadenhof
6020 Innsbruck, Austria
Joyce Pensato, „Captain Homer“, 2015,
Enamel and metallic paint on linen, 228,5 x 203,2 cm
© The artist



Im Frühling zeigen wir  eine Malereiposition, die amerikanische Künstlerin Joyce Pensato (1941), die im Kunstraum Innsbruck ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Europa haben wird. Die New Yorkerin nimmt Anleihen an den Cartoons der Disney Studios bis hin zu den Simpsons und South Park. In großformatigen Leinwänden malt sie diese Charaktere im Stile der Art Brut und des amerikanischen Vorbilds Willem de Kooning.



As Rights Go By


As Rights Go By
Über Rechtsverlust und Rechtlosigkeit
Presseführung: Mi 13. April 2016 | 10Uhr
Eröffnung: Do 14.April 2016 | 19Uhr
Silvia Beck* (DE), James Bridle (GB), George Drivas (GR),
Özlem Günyol*/Mustafa Kunt* (TR/DE), Adelita Husni-Bey (IT), Nikita Kadan* (UA), Kollektiv Migrafona (Belinda Kazeem,Petja Dimitrova, Radostina Patulova,
Vlatka Frketić, Vina Yun) (AT), Vladimir Miladinović* (RS), Yuri Pattison (IE),
Lorenzo Pezzani und Charles Heller (Forensic Architecture) (IT, USA/CH),
Julien Prévieux (FR), Andrea Ressi (AT), Judith Siegmund* (DE),
Lina Theodorou* (GR), Carey Young (GB) ua.
Kuratorin: Sabine Winkler (AT)
Ausstellung: 15.04. – 05.06.2016
*Artist-in-Residence des Q21/MQ
MuseumsQuartier 1070 Wien


Bild: Nikita Kadan, Procedure Room, 2010, Installation, 8 Teller bedruckt (Detail)


Wie hängen Einschränkungen von Bürgerrechten und die Rechtlosigkeit von Flüchtlingen zusammen? Ökonomische Interessen sowie Rendite- und Sicherheitsversprechungen unterminieren zunehmend von der Verfassung garantierte Rechte – Rechte, die Flüchtlingen gar nicht erst zugestanden werden. Die Ausstellung „As Rights Go By – Über Rechtsverlust und Rechtlosigkeit“, kuratiert von Sabine Winkler, im freiraum Q21 INTERNATIONAL/MuseumsQuartier untersucht Aspekte rechtlicher, sozialer und emotionaler Veränderungen im Verhältnis von BürgerInnen, Politik, Ökonomie und Gewalt.

Postdemokratische Entwicklungen haben sich im letzten Jahrzehnt beschleunigt: Unregulierte Finanzmärkte, die zunehmend politische Agenden dominieren, sowie unkontrollierte Massenüberwachung, die zukünftiges (Verkaufs-)verhalten vorhersagen und beeinflussen will, prägen unsere Realität. Im aktuellen hochexplosiven Szenario lohnt vor allem ein Blick auf die Ursachen und Folgen der mit zunehmender ökonomischer Ungleichheit verbundenen rechtlichen Ungleichheiten.
Die behauptete Notwendigkeit, dass sich die Politik den Interessen des Marktes unterordnen müsse, führt zu einer Verschiebung von Rechten zu Gunsten von Investoren. Schulden und Handelsabkommen sind Instrumentarien mit denen Ungleichheit festgeschrieben und institutionalisiert wird. Die Radikalisierung und Globalisierung der Märkte wiederum führt zu einer Verschärfung sozialer und rechtlicher Ungleichheit zwischen reichen und armen Ländern, im Kampf um billige Rohstoffe und Arbeitskräfte. Neokolonialistische Vorgehensweisen, die mit ein Grund für die Migrationsbewegungen sind.

Die in der Ausstellung gezeigten künstlerischen Arbeiten untersuchen diese Folgewirkungen von Globalisierung, Finanzialisierung, und Massenüberwachung auf Bürgerrechte und Menschenrechte sowie damit verbundene soziale und rechtliche Ungleichheiten. Die Frage nach der Rechteverteilung stellt sich auch innerhalb des Systems der Kunst. Das Kunstsystem spiegelt die in der Gesellschaft zu beobachtenden sozialen und rechtlichen Ungleichheiten wider. Innerhalb ästhetischer Praxen spielt die Reflexion der eigenen Handlungsweise und Positionierung eine entscheidende Rolle, um rechtliche, soziale oder gesellschaftliche Asymmetrien in den Produktionsbedingungen sichtbar zu machen.

So untersuchen Lorenzo Pezzani und Charles Heller (Forensic Architecture) in ihrem Video „Liquid Traces – The Left-to-Die Boat Case“ ein Flüchtlingsbootunglück im Jahre 2011. Sie bedienen sich forensischer Methoden um den Verlauf des tragischen Ereignisses zu rekonstruieren und damit die Verantwortlichen zu ermitteln. Die beiden Künstler hinterfragen, inwieweit das durch Überwachungstechnologie erlangte Wissen bei unterlassener Hilfeleistung nicht ein Indiz dafür ist, dass Behörden gegen die Menschenrechtskonventionen verstoßen.

Nikita Kadan bezieht sich in seiner Arbeit „Procedure Room“ auf Folterpraxen der Ukrainischen Polizei. Seine Zeichnungen von Foltermethoden auf Porzellantellern im Stil des „Popular Medical Dictionary“ der Sowjet-Ära verweisen auf die ideologische Darstellung von Folter als Behandlungsmethode im Sinne eines „notwendigen Eingriffes“, um staatliche Gewalt zu legitimieren. Rechtsverlust wird als Notwendigkeit für das Gemeinwohl oder als Freiheitszugewinn deklariert.



Lina Theodorou Pawnshop Board Game, 2014 Installation

Lina Theodorous installative Arbeit „The amazing board games club“ lädt ein, griechische Krisenrealität fiktiv über Brettspiele nachzuvollziehen. Das Finanz-Brettspiel „Pawnshop – Days of Mistrust“ ist als Persiflage des kapitalistischen Paradebrettspiels Monopoly konzipiert während das Brettspiel „Save the Pensioner“ Element einer fiktiven Pharmawerbekampagne ist, mit der die Bevölkerung darauf vorbereitet werden soll 20 Jahre länger zu arbeiten und dabei fit zu bleiben. Lina Theodorou verweist dabei auf die mit Schulden und Austeritätsprogrammen verbundenen sozialen und rechtlichen Konsequenzen, sowie auf die von Armut und Rechtsverlust profitierenden Unternehmen.



James Bridle Still from Seamless Transitions, 2015 Animation by Picture Plane

In James Bridles animiertem Video „Seamless Transitions“ geht es um das Sichtbarmachen von drei nicht zugänglichen Orten der Urteilsfindung, Inhaftierung und Abschiebung von Einwanderern in Großbritannien. Anhand von Planungsdokumenten und Augenzeugenberichten schafft das Video eine architektonische Visualisierung dieser physischen Räume, aber auch der komplexen rechtlichen und sozialen Regelwerke.

Carey Young zeigt in ihrer Arbeit „Obsidian Contract“ einen spiegelverkehrt geschriebenen Rechtstext, der durch die Reflexion in einem schwarzen Spiegel öffentlichen Raum und Rechtsräume im Ausstellungskontext imaginiert.

Yuri Pattison wiederum zeigt Aufnahmen des Hotelzimmers 1014 in Hong Kong, in dem Edward Snowden 2013 sein NSA-Enthüllungsinterview gab und kombiniert diese Bilder mit Aufnahmen von Hotelzimmerbewertungen und Videoaufnahmen von Hollywood-Drehorten. Die Arbeit reflektiert den schnellen Übergang von einem politischen Ereignis in den Bereich der Unterhaltung und verweist im konkreten Fall auf die Aushöhlung der x-fach von der NSA begangenen Rechtsbrüche durch das Hollywoodkino.



George Drivas Sequence Error, 2011 HD Video, 11 min

In seinem Film „Sequence Error“ bezieht sich George Drivas auf den Aphorismus von Karl Marx: „History repeats itself, first as tragedy, then as farce” und adaptiert Teile von Reden von Che Guevara (1963) und George Marshall (1947). Die Szenen spielen in einem zeitgenössischen Unternehmensumfeld, das – von einer plötzlich auftretenden Systemkrise betroffen – kollabiert. Das Unternehmen steht stellvertretend für das kapitalistische System, die Krise für die Ausnahme, die als Anlass benutzt wird um Rechte auszusetzen. Widerstand formiert sich.


„As Rights Go By“ wird in Kooperation mit dem Bundesministerium für Europa, Integration und Äußeres organisiert.
Direktor MuseumsQuartier Wien: Dr. Christian Strasser